Vestidos famosos en pintura, por los que se puede juzgar cuál era la moda de la época

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Desde tiempos inmemoriales, el arte y la moda se han influenciado mutuamente, obligando a críticos y amantes de la moda a seguir de cerca las nuevas tendencias reemplazándose apresuradamente. Y mientras algunos evaluaban la imagen en términos de características técnicas, otros corrieron hacia los sastres para obtener pronto un vestido exactamente igual al de las heroínas representadas en los lienzos.

1. Renacimiento

El Renacimiento fue una época de renacimiento cultural y artístico, ya que el Clasicismo hizo un regreso revolucionario a las sociedades europeas. Sin embargo, este período también vio cambios significativos en la moda. Vea cómo los vestidos famosos en cuadros influyeron en la moda durante el Renacimiento.

"Retrato de la pareja Arnolfini" de Jan van Eyck es uno de los elementos principales del estudio de la tela en la pintura de retratos. La prenda de lana verde esmeralda de la mujer y las mangas forradas de armiño demuestran el estatus familiar, ya que solo los ricos pueden permitirse este tipo de tela. La lana, la seda, el terciopelo y la piel eran raros y más costosos de producir que el algodón o el lino, y eran un símbolo de estatus y riqueza. Una de las preguntas más controvertidas en torno a la pintura es si la mujer representada (presumiblemente la esposa de Arnolfini) está embarazada. Las faldas renacentistas eran tan exuberantes y pesadas que las mujeres las levantaban para facilitar el movimiento.

Los pliegues curvos agregados del vestido también muestran una tendencia hacia la representación de mujeres con un vientre pronunciado, ya que insinuaba la posibilidad de concebir hijos durante el matrimonio. Otro ejemplo de esto es Les Très Riches Heures du Duc de Berry de los hermanos Limburg. En ambas imágenes, las mujeres se representan con vientres más redondeados. El Magnífico Libro de Horas del Duque de Berry representa una boda, y es comparable al retrato de Arnolfini, ya que ambas mujeres proyectan una imagen de maternidad en previsión del embarazo. Sin mirar la pintura desde una perspectiva moderna, se puede ver como un registro de lo que vestían las mujeres y lo que era importante que la gente mostrara a los demás.

2. Los períodos barroco y rococó

Los períodos barroco y rococó se caracterizan por una decoración exquisita, decadencia y alegría. Estas tendencias se manifestaron no solo en el arte, sino también en la moda a través de intrincados ornamentos y lujosos vestidos. Eche un vistazo a algunos de los famosos vestidos inspirados en el arte.

La atención de un artista desconocido a los detalles y la vestimenta es lo que hace que Elizabeth Clark Frick (Sra. John Frick) y Little Mary sean un registro importante de los puritanos de Nueva Inglaterra. En este look, Elizabeth viste finas telas y accesorios estadounidenses del siglo XVII. Su cuello de encaje blanco indica el popular encaje europeo que se encuentra entre las mujeres aristocráticas. Una enagua de terciopelo bordada en oro se ve desde debajo de su vestido, y cintas adornan las mangas. Además, una mujer tiene joyas: un collar de perlas, un anillo de oro y una pulsera de granate, que a su vez habla de estatus y prosperidad. Esta pintura ofrece una perspectiva única sobre la vida puritana de Elizabeth y su familia.

También vale la pena señalar el hecho de que el artista logró mezclar magistralmente imágenes de riqueza en un entorno modesto. La pintura muestra claramente la riqueza de Elizabeth, destacando sus mejores prendas y joyas. También refleja la riqueza de su esposo, John Frick, quien podía permitirse satisfacer todos los caprichos de su esposa comprándole varios tipos de atuendos y joyas. Además, la imagen simboliza su actitud puritana de gratitud a Dios, porque sin su bendición no podrían haber tenido ese lujo.

El columpio de Jean-Honore Fragonard es un ejemplo del estilo rococó en los círculos aristocráticos franceses. La pintura fue encargada en privado cuando un cortesano francés le pidió al artista que pintara su propio retrato y el de su amante. A pesar de que la pintura se mantuvo a puerta cerrada, revela el lujo, la frivolidad y la naturaleza secreta de la corte real francesa.

El vestido rosa pastel destaca entre el frondoso jardín y es el centro de atención. Jean pintó el vestido con pinceladas sueltas que imitan las faldas anchas y el corpiño con volantes de su vestido. Su pincel suelto coincide con la trama de esta idílica escena de jardín llena de imágenes coquetas y caprichosas.

Su pintura también muestra las tendencias establecidas en la corte francesa de la moda. El rococó trascendió la moda, el arte y la arquitectura para crear algo exclusivamente francés. La moda rococó incluía las telas más lujosas, que incluían sedas de colores pastel, terciopelos, encajes y estampados florales, así como una cantidad excesiva de lazos, gemas, volantes y adornos ornamentales para crear una apariencia que los cortesanos e invitados disfrutarían. tienen sus cabezas. El estilo definió la diferencia entre los pobres y los ricos, ya que la aristocracia podía permitirse el lujo de exquisitos tejidos y adornos. Para las mujeres que visten estos atuendos de inspiración rococó, la pintura es el epítome de la corte real francesa antes de la revolución.

3. Vestidos famosos en las pinturas del siglo XIX

El siglo XIX vio un cambio artístico del neoclasicismo al modernismo temprano, dando paso a estilos y escuelas de pensamiento. Este siglo también vio un cambio en la moda. Siga leyendo para ver cómo las pinturas influyeron en la aparición de vestidos y estilos famosos que fueron notablemente más modernos que antes.

Art for Art se asoció con Symphony in White No. 1 de James Abbott McNeill Whistler, quien pretendía darle a la pintura un significado espiritual. Los críticos, sin embargo, no vieron todo esto, ya que la pintura representaba a la amante del artista, vestida con un vestido blanco claro. Como resultado, este retrato se volvió escandaloso. Durante la década de 1800, la ropa de las mujeres a menudo incluía una enagua de crinolina hecha de acero. Las mujeres también usaban corsés entre una variedad de otros artículos de lencería para poder crear faldas más anchas.

“La mujer de blanco” es todo lo contrario de lo que estaba de moda y de alto perfil en ese momento. El vestido del personaje principal representado en la imagen era una especie de ropa interior que un esposo o un amante podía ver, ya que se creía que esa ropa era muy fácil de quitar. Para Whistler, su musa iba a ser parte de una escena agradable a la vista. Retrató a Hiffernan tal como la veía, y para los espectadores en ese momento, la imagen era confusa y un poco indecente. Sin embargo, con la llegada de 1900, este vestido se convirtió en la norma para el uso diario.

James Tissot creó muchas pinturas que representan la moda femenina a fines del siglo XIX. Estaba por delante de la moda europea y es bien conocido por pintar sus temas con las últimas tendencias de la moda en mente. La moda femenina comenzó a cambiar entre las jóvenes de París y Londres a fines del siglo XIX. Las faldas anchas y pesadas de sus predecesores victorianos fueron reemplazadas por unas más estrechas con pliegues hinchados en la espalda.

En el cuadro "Miss Lloyd", la heroína está vestida con un vestido como se usaba en la sociedad en ese momento, enfatizando la cintura estrecha y la figura de reloj de arena. "Retrato de Kathleen Newton" (su entonces compañera) es todo lo contrario de la imagen de la señorita Lloyd. El artista retrató a una mujer con un vestido como si irradiara languidez y seducción. Sin embargo, ambas mujeres tienen su propio encanto y misterio especial que las rodea. El vestido en sí simboliza las diferencias en la cultura popular de la época. Una imagen es tradicional y convencional, mientras que la otra es francamente íntima y escandalosa para los espectadores del siglo XIX.

John Singer Sargent creó la imagen de una mujer que, aunque inaceptable para su época, se convirtió en una de sus pinturas más reconocidas y veneradas. Este es un retrato de Madame Virginie Gautreau, una belleza estadounidense mezclada con la alta sociedad francesa. Esto provocó tal escándalo que el propio John tuvo que irse de París a Londres.

Su corsé es extremadamente puntiagudo hacia la parte inferior del abdomen. Un cuello en V pronunciado y profundo y tirantes con cuentas apenas cubren los hombros y exponen lo que se consideraban partes íntimas de una mujer, inapropiadas para la exhibición pública. Después de que Sargent presentara la pintura en el Salón de París de 1884, provocó la indignación de críticos y espectadores, porque no es apropiado que una mujer casada de la clase alta esté en una forma tan provocativa. A la audiencia en el Salón le pareció que la heroína de la imagen vestía ropa interior, no un vestido. Y la reputación de Gautreau a los ojos de la gente comenzó a bajar a cero, porque muchos la consideraban una persona obscena. Finalmente, Sargent eliminó su nombre del retrato y lo renombró como "Madame X".

4. Vestidos famosos en las pinturas del siglo XX

El arte del siglo XX se centró en la abstracción y la expresión, sufriendo cambios significativos con nuevos estilos y temas. También condujo a la exploración de nuevas formas y síntesis de moda y arte. Aquí se muestran los famosos vestidos que aparecen en pinturas durante el siglo XX.

El vestido dorado de Adele Bloch-Bauer se destaca del resto del atuendo de la alta sociedad de su tiempo. En lugar de retratar a una mujer de clase alta relajándose en un jardín o leyendo en un sofá, Klimt transforma a Adele en una figura de otro mundo. Su vestido es una figura arremolinada llena de triángulos, ojos, rectángulos e iconografía. No hay señales de corsés de cordones rectos o capas de ropa. Modern contiene temas de la naturaleza e imágenes míticas. Esto también se aplica a la moda bohemia, que el propio Gustav usó y usó en varias otras pinturas.

A menudo pintaba dibujos creados por la diseñadora de moda Emily Flege. No es tan conocida en el mundo de la moda como sus contemporáneas o predecesoras, pero le fue bien creando moda para las mujeres de su tiempo. A veces fue una colaboración, ya que Gustav usó sus famosos vestidos en muchas de sus otras pinturas.

Tamara Lempicka creó retratos que exploraron la feminidad y la independencia en la década de 1920. La artista Art Deco se hizo conocida por sus retratos de celebridades que exploraron la forma estilizada y pulida del cubismo que se convirtió en su marca registrada. Ira Perrault (un amigo cercano y probablemente amante de Lempicki) es visto como una manifestación literal de la música en La Musicienne. Lo que hace que la imagen se destaque es la representación de un vestido azul. La dura técnica de proyección de sombras de Tamara con su rica paleta de colores le da movimiento al vestido para que parezca estar flotando en el aire. El dobladillo corto del vestido y los pliegues que fluyen todavía recuerdan a la moda de los años 20 que fue un punto de inflexión en la moda femenina. Las mujeres llevaban vestidos que dejaban al descubierto las piernas y los brazos, y faldas plisadas que facilitaban el baile.

Tamara se inspiró y estudió por maestros del Renacimiento y utilizó temas similares con un enfoque moderno. Tradicionalmente, el azul se puede ver en los vestidos de la Virgen María en pinturas medievales o renacentistas. El azul ultramar era raro y se usaba para pinturas importantes.

Telas mexicanas coloridas y hechas a mano se tejen en el trabajo de Frida Kahlo. Abrazó estas prendas como parte de su legado y las usó en numerosos autorretratos y fotografías. Los famosos vestidos que aparecen en Las dos Fridas simbolizan sus vínculos con ambos lados de su herencia europea y mexicana.

Frida a la izquierda refleja su educación en una familia de clase media alta. Su padre era originario de Alemania y la vida doméstica de niña contenía costumbres occidentales. El encaje blanco del vestido simboliza el estilo popular en la moda europea. Esta versión occidentalizada contrasta con el deseo de la derecha de Frida de abrazar su herencia mexicana vistiendo un vestido tradicional. Estas prendas son algo que alentó su esposo Diego Rivera, sobre todo en su lucha por cambiar su país. El vestido mostró su orgullo por usar ropa local y tradicional de México.

La ropa de Kahlo es un aspecto importante de su vida y su trabajo. Después de que contrajo polio cuando era niña y una pierna se volvió más corta que la otra, las faldas de colores se convirtieron en una forma de ocultar su pierna de tal manera que la protegiera del escrutinio. El vestuario de la artista incluyó vestidos de tehuana, blusas huipiles, rebozo, tocados florales y joyas antiguas. Estas prendas para Kahlo son una ilustración de su amor, dolor y sufrimiento, que ella incluyó en su trabajo.

Sobre, cómo ha cambiado el kimono a lo largo de los siglos y qué papel ha jugado en el arte y la moda moderna, lea el siguiente artículo.