Cómo las pinturas de artistas famosos se convirtieron en parte de la moda, dando forma a un nuevo estilo del siglo XX

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Los vínculos entre arte y moda definen momentos específicos de la historia. Ambos medios reflejan cambios sociales, económicos y políticos desde los locos años veinte hasta los vibrantes ochenta. Aquí hay cuatro ejemplos de artistas y diseñadores de moda que, a través de su trabajo, ayudaron a dar forma a una nueva perspectiva del arte y la moda del siglo XX.

1. Halston y Warhol: Hermandad de la moda

La amistad entre Roy Halston y Andy Warhol definió el mundo artístico. Tanto Roy como Andy fueron líderes que allanaron el camino para convertir al artista / diseñador en una celebridad. Quitaron el estigma pretencioso del mundo del arte y llevaron la moda y el estilo a las masas. Warhol utilizó la serigrafía varias veces para crear las imágenes. Aunque ciertamente no inventó el proceso, revolucionó la idea de la producción en masa.

Roy usó telas y patrones que eran simples y elegantes pero glamorosos con su uso de lentejuelas, ultras y seda. Fue uno de los primeros en hacer que la moda estadounidense fuera accesible y deseable. Ambos dejaron su huella final en el arte y el estilo a lo largo de los años sesenta, setenta y ochenta, que continúa hasta nuestros días.

Tanto Roy como Andy han trabajado juntos en muchos proyectos diferentes. Warhol creó campañas publicitarias que presentaban la ropa de Halston e incluso el propio Halston. A su vez, Halston utilizó el estampado floral de Warhol en algunas de sus colecciones de ropa, desde vestidos de noche hasta conjuntos de ocio.

Roy usó patrones simples en su ropa, lo que la hizo muy exitosa. Eran cómodos de llevar, pero también tenían un toque de lujo gracias a las telas, colores y estampados. Warhol también simplificó sus materiales y procesos. Esto facilitó la reproducción de su trabajo y los hizo más vendibles.

El éxito comercial ha tenido sus propios desafíos para ambos artistas. Halston fue el primero en asociarse con la cadena minorista JCPenney en 1982 y esto ha afectado la calidad de su marca. Warhol también recibió críticas, ya que su trabajo fue percibido como superficial. Sin embargo, ambos han modernizado su uso minorista y de marketing en sus respectivos espacios para crear marcas para la venta masiva.

Roy y Andy eran visitantes frecuentes de Studio 54. Organizaron fiestas, diseñaron y produjeron obras para celebridades como Liza Minnelli, Bianca Jagger y Elizabeth Taylor. Todo esto se refleja en su trabajo, ya que inspiraron y definieron la era disco de la década de 1970.

Halston era conocido por crear ropa de noche brillante. Roy colocó las lentejuelas horizontalmente sobre la tela, creando un efecto brillante del material que usó para crear trajes lujosos amados por muchas mujeres glamorosas.

La serie Warhol Diamond Dust Shoe también ilustra la vida nocturna de Studio 54 y las celebridades que viven allí. El polvo de diamante es lo que usó sobre plantillas o pinturas, creando un elemento extra de profundidad para la pieza. Y sus zapatos fueron originalmente la idea de la campaña publicitaria de Halston. En cualquier caso, estos dos hicieron una gran contribución a la moda, dejando una huella imborrable detrás de ellos. De hecho, incluso hoy en día, muchos diseñadores modernos se inspiran en las ideas de Andy y Roy, creando magníficas colecciones con ecos del pasado.

2. Sonia Delaunay: cuando el arte se convierte en moda

Sonia Delaunay no solo revolucionó una nueva forma de cubismo, sino que también introdujo la conexión entre el arte y la moda. Tanto Delaunay como su esposo fueron pioneros del orfismo y experimentaron con diversas formas de abstracción en el arte. Fue la primera de su tipo en utilizar su propio estilo artístico y entrar en el mundo de la moda utilizando sus diseños, estampados o patrones textiles originales. Es más recordada por su arte y conexión con su marido que por su moda. Su estilo jugó un papel importante en la década de 1920, y su catálogo de ropa se recuerda más por fotografías y referencias a su arte que por las prendas en sí. Para Sonya, había y no hay frontera entre el arte y la moda. Para ella, son lo mismo.

Comenzó su negocio de la moda en la década de 1920, creando ropa para clientes y diseñando telas para fabricantes. Sonya llamó a su sello Simultáneo y fue aún más lejos con el uso del color y el patrón en varios temas. La simultaneidad jugó un papel importante en su trabajo, y su técnica inusual era una reminiscencia de una colcha de retazos o textiles de Europa del Este: los colores se superpusieron entre sí y se usaron patrones para crear armonía y ritmo. Sus temas comunes incluyen cuadrados / rectángulos, triángulos y líneas o esferas diagonales, todos los cuales se superponen en sus diversos diseños.

Delaunay era una mujer joven durante la época eduardiana, cuando los corsés y la conformidad eran la norma. Esto cambió en la década de 1920 cuando las mujeres comenzaron a usar faldas por encima de la rodilla y ropa holgada y ajustada. Este aspecto se puede ver en los diseños de Delaunay y le apasionaba crear prendas que se ajustaran a las necesidades de las mujeres. Sonya desarrolló trajes de baño que permitían a las mujeres sentirse más cómodas, incluso cuando practicaban deportes y nadaban. Puso sus estampados en abrigos, zapatos, sombreros e incluso coches, utilizando cualquier superficie como lienzo. Sus diseños crearon libertad de movimiento y expresión a través del color y la forma.

A lo largo de su carrera, se probó constantemente en algo nuevo y, como resultado, se mudó al cine y al teatro. Sonia diseñó el vestuario de La pequeña parisina de Rene Le Somptier, mientras que su marido hizo el decorado de la película. Le gustaban las formas geométricas, combinándolas hábilmente y mezclándolas entre sí, creando patrones extraños y líneas discontinuas que se han convertido en su sello distintivo.

3. Colaboración entre Elsa Schiaparelli y Salvador Dali

La vanguardia del arte surrealista se combina con el líder de la moda surrealista. Salvador Dali y la diseñadora de moda Elsa Schiaparelli han colaborado e inspirado mutuamente a lo largo de sus carreras. Crearon looks icónicos como Lobster Dress, The Shoe Hat y The Tear Dress que sorprendieron e inspiraron al público tanto en el arte como en la moda. Dali y Schiaparelli allanaron el camino para la futura colaboración entre diseñadores de moda y artistas, reduciendo la brecha entre lo que se considera arte ponible y moda. Dalí usó las langostas como tema recurrente en su trabajo y estaba interesado en su anatomía.

Dress "Omar" es un trabajo conjunto de Elsa y Dali, y su creación causó mucha polémica no solo el día de su debut, sino también después. Primero, tiene un corpiño transparente y una falda de organza blanca. El atuendo inusual literalmente hizo estallar el mundo de la moda, causando mucha controversia a este respecto. El uso de tela blanca también contrasta con el color rojo de la langosta. El blanco puede considerarse virgen o simbolizar la pureza en comparación con el rojo, lo que puede significar relajación, poder o peligro.

Los esqueletos son otro tema que se encuentra en el arte surrealista y se han utilizado en más colaboraciones entre Dali y Schiaparelli. El vestido Skeleton fue el primero de su tipo. Elsa usó una técnica llamada trapunto, donde dos capas de tela se cosen juntas, creando un contorno donde se inserta la guata, creando así un efecto elevado. Esta técnica crea una superficie texturizada sobre una tela plana, dando la ilusión de que los huesos humanos sobresalen a través del vestido. Esto provocó un escándalo porque el vestido estaba confeccionado con un material elástico que se adhería a la piel. Las fantasías de las pinturas y dibujos de Dalí se plasmaron en el mundo irreal de los atuendos de Schiaparelli, que hasta el día de hoy dejan una impresión indeleble tanto en espectadores como en diseñadores.

4. Yves Saint Laurent: El choque entre el arte y la inspiración

¿Dónde está la línea divisoria entre la imitación y el aprecio? Los críticos, el público, los artistas y los diseñadores se han esforzado por determinar hacia dónde discurre esta línea. Sin embargo, cuando se trataba de Yves Saint Laurent, sus intenciones no eran más que halagos y admiración por los artistas y pinturas que usaba como inspiración. Al observar su vasto portafolio, Saint Laurent se inspiró en culturas y arte de todo el mundo, que incorporó con éxito a su ropa.

Aunque Yves nunca conoció a los artistas que lo inspiraron, eso no le impidió crear obras de arte como muestra de respeto por ellos. Laurent se inspiró en artistas como Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque y Picasso. Fue coleccionista de arte y coleccionó pinturas de Picasso y Matisse, que colgó en su casa.

Yves tomó algunos de los motivos artísticos y los convirtió en ropa deslumbrante que rinde homenaje a algunos de sus artistas favoritos. La década de 1960 fue una época de revolución y comercialismo, una nueva era de moda y arte. Los proyectos de Saint Laurent obtuvieron éxito comercial cuando comenzó a inspirarse en el arte pop y la abstracción. En 1965, creó veintiséis vestidos inspirados en pinturas abstractas de Piet Mondrian. Los vestidos encarnaban el uso de Mondrian de formas simplistas y colores primarios llamativos. Yves utilizó una técnica en la que no se veían costuras entre las capas de tela, lo que daba la impresión de que la ropa era una sola pieza. Saint Laurent tomó el arte de Mondrian de la década de 1920 y lo hizo portátil en relación con la década de 1960.

Los vestidos de moda son ejemplos clásicos del estilo de la década de 1960. Eran similares a la ropa de la década de 1920 que era menos restringida y tenía mangas y dobladillos que dejaban al descubierto grandes parches de piel. Las siluetas cuadradas de Saint Laurent hicieron que las mujeres se sintieran ligeras y libres. Esto también lo llevó a inspirarse en artistas del arte pop como Tom Wesselman y Andy Warhol. Creó una línea de diseños inspirados en el arte pop que presentaban siluetas y recortes en su ropa. Se trataba de superar las limitaciones de lo que es la abstracción en el arte y la comercialización del diseño. Laurent reunió estas dos ideas para crear ropa para mujeres que sea gratuita y atractiva para las damas modernas.

Las chaquetas Vincent Van Gogh de Saint Laurent son un ejemplo de cómo Yves combinó la inspiración del artista con su propio talento de diseño. Al igual que sus otras prendas, los temas relacionados con el artista no se copiaron ni pegaron en la ropa de Saint Laurent. En cambio, optó por utilizarlos como fuente de inspiración y crear piezas que reflejen su propio estilo. La chaqueta es un ejemplo del estilo de los años 80, que está bordado con girasoles al estilo pintoresco de Van Gogh.

Laurent ha colaborado con Maison Lesage, líder en bordado de alta costura. La chaqueta "Girasoles" está bordada con cuentas tubulares. Las flores están llenas de diferentes tonos de destellos naranjas y amarillos. Esto crea una textura multidimensional similar a la técnica de Van Gogh de aplicar pintura espesa al lienzo. Se estima que es uno de los artículos de alta costura más caros jamás fabricados y vendidos en Christie's por casi cuatrocientos mil euros. Saint Laurent allanó el camino para usar la ropa como una obra de arte en sí misma, independientemente de la moda y el período de tiempo.

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