Por lo que querían destruir el famoso fresco de Miguel Ángel "El juicio final"

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

En el siglo XVI, existía una tarea abrumadora: visualizar la escena del Juicio Final y, además, hacerlo en la Capilla Sixtina, la capilla de la corte papal, que ahora es un destacado monumento del Renacimiento. Ningún artista en la Italia del siglo XVI estaba mejor equipado para esta tarea que Miguel Ángel. Y creó una obra maestra …

Historia de la creacion

En 1533 Miguel Ángel trabajó en Florencia en varios proyectos en San Lorenzo para el Papa Clemente VII. El 22 de septiembre de este año, el artista fue a San Miniato a encontrarse con su papá. Quizás fue entonces cuando el Papa expresó su deseo de que Miguel Ángel pintara la pared detrás del altar de la Capilla Sixtina sobre el tema del Juicio Final. Completó su obra monumental en 1512, y esto cimentó su reputación como el mayor maestro de la representación de la naturaleza humana.

El Juicio Final fue una de las primeras obras de arte encargadas por Pablo III tras su elección al papado en 1534. Pablo III buscó eliminar la Reforma protestante y reafirmar la legitimidad de la Iglesia católica y la ortodoxia de sus doctrinas. Las artes visuales jugaron un papel clave en el logro de estos objetivos, incluido un mensaje que envió a su círculo, encargando la imagen del Juicio Final. La representación decorativa de la trama comienza con la creación del mundo por Dios y su alianza con el pueblo. de Israel (representada en las escenas del Antiguo Testamento en el techo y la pared sur) y continúa con la vida terrenal de Cristo (en la pared norte). La escena del Juicio Final pone fin a la historia. La corte papal y los representantes de la iglesia ocupan el centro entre las escenas con Cristo y su segunda venida. Todo el fresco está dominado por una figura humana, casi siempre completamente desnuda. Los cuerpos se presentan con gran expresividad y fuerza.

Las principales figuras y objetos del mural

A pesar de la densidad en la disposición de las figuras, el artista organizó claramente la composición en gradas y cuadrantes con subgrupos y figuras significativas que ayudan a percibir escenas complejas. Miguel Ángel utilizó el simbolismo de las balanzas utilizadas para pesar las almas; a su semejanza, la composición se eleva a la izquierda y cae a la derecha.

1. Cristo es el punto de anclaje de esta compleja composición. Una figura poderosa y musculosa, da un paso adelante en un gesto de flexión. El "maldito" está representado a la izquierda. A la derecha está "bendecido". Bajo su mano levantada, como si estuviera bajo una protección confiable, está la Virgen María. 2. Un grupo de ángeles sin alas está representado directamente debajo de Cristo. Llaman a los muertos a que se levanten con tal fuerza que sus mejillas se hinchan de esfuerzo. Parece que los observadores pueden incluso escuchar sonidos emitidos. En este momento, otros dos ángeles sostienen libros abiertos con registros de las obras de los resucitados. El ángel con el libro de los condenados lo inclina decisivamente hacia abajo para mostrar a los condenados que su triste destino se basa correctamente en sus fechorías. 3. En la esquina inferior izquierda de la composición, los muertos emergen de sus tumbas, descartando sus vestiduras funerarias. Algunos ascienden sin esfuerzo, atraídos por una fuerza invisible, mientras que otros son asistidos por ángeles. Este detalle confirma la doctrina impugnada por los protestantes: la oración y las buenas obras, no solo la fe y la gracia divina, juegan un papel dominante en el Juicio Final.

4. En el lado derecho de la composición (a la izquierda de Cristo), los demonios arrastran a los condenados al infierno, y los ángeles, en la batalla, derrotan a aquellos que intentan escapar de su triste destino. Una de las figuras es asesinada por un ángel y tirada por un demonio: una bolsa con dinero cuelga de su pecho. Su pecado es claro, es la codicia. Otra figura, una especie de pecado del orgullo, se atreve a contraatacar desafiando la decisión divina. 5. Caronte, el portador de las almas de los muertos, lleva a los condenados a las orillas del infierno, y en la esquina inferior derecha se encuentra el asesinado Minos, el legendario rey de la "capital" de la antigua Creta, Knossos. Su propia pecaminosidad carnal está indicada por la serpiente. Está al borde del infierno.

6. El simbolismo del autorretrato del propio Miguel Ángel en el fresco es muy interesante. En el centro del fresco se representa a San Bartolomé sosteniendo una piel humana rasgada en sus manos. Existe la hipótesis de que Miguel Ángel representó ese momento del Juicio Final cuando Cristo decide el destino del propio artista (en el centro de Cristo, su mirada se dirige exactamente a la imagen de Miguel Ángel). En la tradición cristiana, San Bartolomé, tanto durante su vida como después de su muerte, estuvo asociado con los milagros del cambio masivo. Una leyenda conocida sobre él dice: una vez que su cuerpo fue arrojado al mar y arrastrado a la orilla. Luego, el obispo local ordenó a los hombres que trajeran el cuerpo. Pero resultó ser demasiado pesado. Y luego el obispo ordenó a los niños que trajeran el cuerpo, lo que fácilmente hizo frente a la tarea. El hecho de que los niños sin pecado pudieran levantar sus cuerpos simboliza que los pecados tienen un peso real. No en vano, los contemporáneos llamaron a Miguel Ángel "divino" por su capacidad para competir con el mismo Dios para dar forma a un cuerpo ideal. A pesar de su fama, el artista a menudo lamentó su orgullo juvenil, lo que lo hizo enfocarse en la belleza del arte en lugar de salvar el alma. Y aquí, en su obra más monumental, Miguel Ángel confiesa su pecado y expresa la esperanza de que Cristo se apiade de él y lo lleve al paraíso. 7. Izquierda: Juan el Bautista, derecha: San Pedro. El fresco de Miguel Ángel trata principalmente del triunfo de Cristo. El reino de los cielos domina los lados oscuros. Los elegidos y los creyentes rodean a Cristo. Están delineados en grandes figuras en primer plano y se extienden hasta las profundidades de la pintura. Especialmente significativas son las imágenes de Juan Bautista y San Pedro, que rodean a Cristo a izquierda y derecha. Juan puede ser identificado por la piel del camello, y San Pedro puede ser identificado por las llaves que devuelve a Cristo. Su papel como guardián de las llaves del Reino de los Cielos está completo.

Evaluación de la sociedad

Como Dante en su gran epopeya, La Divina Comedia, Miguel Ángel se esforzó por crear una imagen épica digna de la grandeza de la trama. Usó metáforas y alusiones para decorar el techo de la capilla. Los rumores sobre la creación de una obra maestra se difundieron rápidamente por todas partes y dieron lugar a numerosos debates sobre los méritos y abusos del arte religioso. 1. Algunos percibieron favorablemente el fresco como el pináculo de los logros artísticos. La mayoría elogió este trabajo como una obra maestra. Vieron el estilo figurativo distintivo de Miguel Ángel con sus poses desafiantes, ángulos de cámara extremos y músculos poderosos. 2. Otros lo consideraron la encarnación del antirreligioso y pidieron su destrucción. Este lado estaba literalmente conmocionado, principalmente desnudo (aunque esto es parte de la trama, porque los resucitados irán al cielo desnudos, creados por Dios). Los críticos también objetaron posturas distorsionadas, rupturas con la tradición pictórica de la Biblia (Cristo imberbe, ángeles sin alas) y la aparición de la mitología (figuras de Caronte y Minos). Todos los ángeles de las trompetas están en el mismo grupo, mientras que en el Libro de Apocalipsis fueron enviados a los "cuatro rincones de la tierra". Cristo no se sienta en el trono como se indica en las Escrituras. Tales cortinas, que fueron pintadas por Miguel Ángel, fueron representadas como sopladas por el viento. Pero según las escrituras, el clima no tiene lugar en el Día del Juicio. Los críticos vieron estos detalles como una distracción del mensaje espiritual del fresco. Miguel Ángel fue acusado de no sentir la decencia adecuada con respecto a la desnudez y otros aspectos de la obra, así como de lograr un efecto artístico, sin seguir por completo la descripción bíblica del evento. Incluso hubo una campaña de censura (conocida como la "Campaña de la hoja de parra") para destruir el fresco "indecente". El maestro de ceremonias del Papa, Biagio da Cesena, al ver el cuadro, dijo que "es una pena que en un lugar tan sagrado haya cuerpos desnudos en una forma tan obscena" y que este fresco no es para la capilla del Papa, sino " para baños públicos y tabernas ".

A pesar de toda la indignación de una parte particularmente conservadora de la sociedad, la reputación y el estatus de Michelagelo permitieron al artista mantener inalterada su obra maestra. La controversia continuó durante muchos años, hasta 1564. Sin embargo, al final se llegó a un compromiso. Poco después de la muerte del artista en 1564, Daniele da Volterra fue convocado a la capilla. Su tarea era clara: cubrir las partes obscenas de las figuras con cortinas. Esto fue importante para ennoblecer el famoso fresco y eliminar cualquier controversia sobre la religiosidad de la imagen.

El Juicio Final de Miguel Ángel es una de las representaciones más monumentales y llamativas de esta trama en la historia del arte cristiano. Más de 300 figuras musculosas en una variedad infinita de poses dinámicas llenan la pared hasta el borde. ¡El Juicio Final en la Capilla Sixtina es visitado por 25.000 personas todos los días! A pesar de los cambios en el fresco tras la muerte del artista, la pintura no ha perdido su poder expresivo.