Lo que en ese momento se hizo famoso por Caravaggio, Rembrandt, Velázquez y otros artistas barrocos

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

La historia de la pintura tiene muchos siglos, así como estilos, formas y direcciones. Sin embargo, el más famoso y popular de ellos fue y sigue siendo el barroco. Los pintores y creadores de esta época se asombraron con sus ideas innovadoras, crearon nuevas direcciones y trabajaron en estilos interesantes y únicos. ¿Quiénes son, los mejores representantes de esta época en el mundo del arte y qué se sabe de ellos?

1. Caravaggio

Es posible que nunca sepamos por completo el secreto de las pinturas más impresionantes de la época barroca, pero una mirada a la historia de Caravaggio revela algunos de sus secretos. Su vida fue trágica hasta el punto de la imposibilidad. Quedó huérfano temprano, habiendo perdido a la mayor parte de su familia a la edad de diez años durante una epidemia de peste. Y después de presenciar la brutal ejecución de una joven noble en 1599, comenzó a pintar mujeres vengativas cortando cabezas de hombres.

Miguel Ángel se convirtió en el pintor más famoso de Roma en 1600 y dio origen al estilo barroco, así como a la técnica del claroscuro. Pero, cuando no escribía, se rodeaba de ladrones, muchachas de fácil virtud, borracheras, fiestas y peleas.

No es necesario ser un experto en los símbolos y códigos del arte renacentista para notar la violencia en las pinturas de Caravaggio. Él puede tener el récord de la cantidad de cabezas cortadas, y su trabajo religioso provocó la ira de la Iglesia Católica porque usó a los confundidos como modelo para la Virgen María.

Caravaggio sabía que era un artista increíble y no dudó en criticar a sus rivales. Su contemporáneo Giovanni Baglione dijo:.

Alrededor de 1600 en Roma, la Iglesia Católica fue la fuente más importante de patrocinio de artistas como Caravaggio. No dudó en traspasar los límites del arte, incluso si ofendía los sentimientos de la Iglesia. Uno de los movimientos más controvertidos del artista fue el uso de modelos de los sectores más pobres de la población de Roma, incluidos ladrones, vagabundos y prostitutas.

En 1601, Miguel Ángel perdió su orden de crear la imagen de la Virgen María para la Iglesia de Santa Maria della Scala en Roma debido a que utilizó al famoso confundido como modelo para la imagen de Nuestra Señora. Pero la pintura, que conmocionó a los católicos en Roma, obtuvo popularidad fuera de Italia. Posteriormente fue adquirido por el rey inglés Carlos I, y luego pasó a formar parte de la colección real francesa.

Sus pinturas religiosas audaces y francas eran muy deseables, pero también significativamente diferentes de los estilos anteriores de representar santos. Disfrutó de la crueldad del martirio al pintar varias escenas diferentes de crucifixión. A algunos no les gustó la forma en que el artista retrató a los santos con luz natural y humana. Otros consideraron que su trabajo era perverso y vulgar.

Y cuando en 1606 Caravaggio mató a un hombre, se vio obligado a huir de Roma. El Papa le impuso la pena de muerte y Caravaggio murió cuatro años después sin recibir el indulto papal.

2. Rembrandt

Rembrandt fue el mayor pintor holandés de su época y una de las figuras más importantes del arte europeo. Los numerosos autorretratos que pintó a lo largo de su vida son una especie de autobiografía visual.

Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, hijo del dueño de un molino. En 1621 comenzó sus estudios con un artista local, y en 1624-1625 estuvo en Amsterdam, estudiando con Peter Lastman, quien había visitado Italia y ahora introducía al joven artista en las tendencias internacionales.

A lo largo de su vida se buscó a sí mismo, probando cada vez nuevas técnicas y estilos. Su carrera fue cuesta arriba rápidamente, luego se convirtió en tartaras, dejando atrás una serie de problemas y dificultades, incluida la quiebra con la confiscación de la propiedad. Pero a pesar de la racha negra de la vida, siguió recibiendo órdenes. Rembrandt estaba interesado en el dibujo y el grabado, así como en la pintura, y sus grabados fueron mundialmente famosos durante su vida.

A lo largo de su carrera, atrajo a estudiantes que también se desempeñaron como sus asistentes. Su trabajo era a veces muy difícil de distinguir del trabajo del propio Rembrandt, ya que todos lo imitaban a fondo.

3. Bernini

Bernini dominó el mundo del arte romano del siglo XVII, floreciendo bajo el patrocinio de sus cardenales y papas y desafiando las tradiciones artísticas modernas. Sus proyectos escultóricos y arquitectónicos revelan una interpretación innovadora de la trama, el uso de formas y la combinación de medios. Allanando el camino para futuros artistas, fue fundamental en la creación de un vocabulario dramático y elocuente del estilo barroco.

Una de sus obras maestras, Éxtasis de Santa Teresa (hecha de mármol multicolor), es una figura mística sacudida físicamente por una visión milagrosa. Llamado a Francia por el rey Luis XIV para trabajar en el Palacio del Louvre, Bernini dejó Roma por un corto tiempo. Aunque sus planes arquitectónicos fueron rechazados, completó el retrato-busto de Luis XIV (Castillo, Versalles), una majestuosa representación de un monarca con un traje que revoloteaba dramáticamente, y regresó a casa.

Bajo el papa Urbano VIII, Bernini recibió el primero de varios encargos para la Basílica de San Pedro: un enorme baldaquino de mármol, bronce y dorado que se encontraba sobre el altar papal. Poco después, se dedicó a crear un monumento a Urbano VIII, obra que determinó la iconografía de los futuros monumentos funerarios papales.

En las últimas obras de Pedro el Grande, colocadas en un ábside para rodear el antiguo Trono que se cree perteneció a San Pedro, la luz natural se amplifica con rayos dorados dispersos, creando un escenario divino, y la pieza sagrada capta inmediatamente la atención del espectador. El último trabajo de Bernini para la Iglesia de San Pedro, iniciado bajo el Papa Alejandro VII, fue el proyecto de una plaza gigantesca que conducía a la iglesia. Él mismo comparó el espacio ovalado, delimitado por dos columnatas independientes, con una iglesia madre que extendía los brazos para abrazar a los creyentes.

También demostró su habilidad como arquitecto en la iglesia de Sant'Andrea Al Quirinale, y sus habilidades de ingeniería lo ayudaron a crear las fuentes.

4. Velázquez

La obra de Velázquez es ampliamente considerada como la representación más perfecta del barroco español. Donde el énfasis se desplaza de los rasgos renacentistas de luz brillante y una perspectiva matemática, el barroco favorece la esencia de la humanidad, mostrando las cosas como deben ser vistas. El desarrollo del claroscuro significó que la sombra se volvió tan importante como la luz, en la que las cosas pueden ser vistas. estar oculto. o resaltado, contrastado o alardeado. Velázquez utilizó a menudo este efecto.

Su temprana formación como alumno de Pacheco le dio una base en el realismo italiano, que se convirtió en la principal característica de su arte. A medida que su estilo artístico se volvió más autosuficiente, se inclinó más hacia una visión naturalista de las cosas, por ejemplo, en "Epifanía" recrea esta famosa escena con miembros de su propia familia en oposición a los tradicionales María y Jesús. Esto sirve para universalizar la escena, haciéndola relevante para todas las familias.

Durante los viajes de Velázquez por Italia, estuvo fuertemente influenciado por los grandes maestros de Venecia, y esto fue especialmente notable en su uso del color. Las famosas "Maids of Honor" y "Surrender of Delirium" son buenos ejemplos de ello. Este último cuadro terminó en la sala del trono del rey Felipe IV, donde se celebraron sus victorias militares. La imagen es tan conmovedora que Velázquez se centró en el sentimiento humano, más que en el derramamiento de sangre y la agresión de la guerra. El rostro del comandante español Spinola rebosa compasión cuando el Fuerte holandés finalmente se rinde después de un asedio de cuatro meses.

Se incluyó a sí mismo en muchas de sus pinturas, especialmente en las posteriores. Esto enfatiza la inextricable conexión del artista con su obra, y también insinúa que Velázquez se veía a sí mismo como una figura bastante exaltada, y no como un artista modesto.

Trabajó en la corte real, creando retratos del rey y su familia, y su elección de pintar bufones y enanos de la corte contribuyó a un mayor estudio de la forma humana. "El enano sentado en el suelo" es un buen ejemplo de cómo Velázquez demostró que todos son dignos de ser dibujados.

5. Rubens

Rubens nació en Siegen, Alemania, en Westfalia. Su padre, Jan Rubens, abogado y concejal de Amberes, huyó de los Países Bajos españoles (Bélgica actual) en 1568 con su esposa Maria Pipelinx y cuatro hijos para evitar la persecución religiosa por sus creencias calvinistas.

Después de la muerte de Jan en 1587, la familia regresó a Amberes, donde el joven Peter Paul, criado en la fe católica romana de su madre, recibió una educación clásica. Su educación artística comenzó en 1591 con un aprendizaje con Tobias Verhecht, un pariente y paisajista de modesto talento. Un año después, se mudó al estudio de Adam Van North, donde permaneció durante cuatro años hasta que se convirtió en aprendiz del principal artista de Amberes, Otto van Veen, decano del Gremio de Artistas de St. Luke.

La mayoría de las obras juveniles de Rubens han desaparecido o permanecen sin identificar. En 1598, Rubens fue admitido en el gremio de artistas de Amberes. Probablemente continuó trabajando en el taller de Van Veen antes de partir hacia Italia en mayo de 1600. En Venecia, absorbió el brillo y la expresividad dramática de las obras maestras renacentistas de Tiziano, Tintoretto y Veronés. Contratado por Vincenzo I Gonzaga, duque de Mantua, Rubens fue a Mantua, donde su principal deber era hacer copias de pinturas renacentistas, principalmente retratos de bellezas cortesanas.

En octubre del mismo año, Paul acompañó al duque a Florencia para asistir a la boda de la hermana de Gonzaga, María de Medici, con el rey Enrique IV de Francia, una escena que Rubens recrearía un cuarto de siglo después para la reina. Al final del primer año, ya había viajado por toda Italia con un cuaderno de bocetos en sus manos. Las copias de pinturas renacentistas hechas por él brindan una rica descripción de los logros del arte italiano en el siglo XVI.

En agosto de 1601, Rubens llegó a Roma. Allí, el nuevo estilo barroco proclamado por Annibale Carracci y Caravaggio, Miguel Ángel y Rafael fue rápidamente adoptado por Rubens. Su primera gran obra romana consistió en tres grandes pinturas para la capilla de la cripta de Santa Elena en la Basílica de la Santa Croce.

Rubens se quejó de que era el hombre más ocupado y cansado del mundo, pero continuó asumiendo importantes asignaciones en la iglesia. Su Adoración de los Magos para la Abadía de San Miguel fue coronada con tres esculturas monumentales de su propio diseño.

Además, el artista no descuidó los pedidos y patrocinadores privados. Interpretó magistralmente a su médico y amigo Louis Nonnius, a su futura nuera Suzanne Fourment y a sus hijos Albert y Nicholas. Su paisaje con Filemón y Bavkid revela en una vena poética su visión heroica y catastrófica de la naturaleza. Y la infanta Isabel encargó a Rubens un extenso ciclo de tapices "El triunfo de la Eucaristía", que es una manifestación inédita del ilusionismo barroco.

Qué podemos decir, pero el arte ha sido, es y será invaluable durante siglos. Y no es de extrañar que el mundo esté lleno de personas que están dispuestas a incluir tal o cual pintura en su colección (la mayoría de las veces por medios ilegales). Alguien comete un crimen por dinero, y alguien simplemente intenta divertir su orgullo, toma las fotos de debajo de las narices de los guardias, sin dejar rastros.