Por qué se llamó a Caravaggio "el pintor de los pies sucios": las obras más provocativas del maestro

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

¿Has visto piernas en los cuadros de Caravaggio? ¡Definitivamente visto! Pero, ¿prestaron atención a cómo fueron retratados por Caravaggio? Casi todas las referencias a sus héroes tienen una descripción de "pies sucios". Y lo más interesante es que sus dueños son, por regla general, personas santas, héroes de las sagradas escrituras. ¿Por qué se llamó a Caravaggio el "pintor de pies sucios"?

Sobre el maestro

Michelangelo da Merisi, nacido en Milán, donde también fue bautizado, pasó la mayor parte de su infancia en la ciudad ultracatólica de Caravaggio. Criado y educado según las creencias católicas, el joven Caravaggio se guió en su obra por las enseñanzas de su tío capellán, quien más tarde lo recomendó al cardenal del Monte en Roma, formulando así su visión de un mundo inspirado en el pauperismo. El pauperismo es la pobreza masiva, el empobrecimiento de las masas debido al desempleo, las crisis económicas, la explotación, etc.

La ideología de los "pies sucios" de Caravaggio

Caravaggio construyó una ideología que se opuso fuertemente a todas estas consecuencias de la contrarreforma, que consideró demasiado dogmática o alejada de las necesidades de la gente común que vive en la pobreza. No es de extrañar, por tanto, que los héroes de sus lienzos, aunque sean temas sagrados, sean muy parecidos a la gente corriente de esa época. Sucio, pobre, hambriento. Para los contrarreformadores de Roma (donde Caravaggio se mudó a la edad de 20 años), los mendigos eran problemáticos e incluso superfluos. Y todo porque los pobres no eran de interés para la iglesia, ya que los líderes religiosos los consideraban ignorantes de la verdad cristiana y por lo tanto eran considerados pecadores o incluso criminales. En el Vaticano, la ideología del pauperismo comenzó a extenderse activamente, que incluso incluyó a cardenales influyentes que trabajaron con Caravaggio o lo patrocinaron.

Así, los pies desnudos y sucios sobre las parcelas sagradas de Caravaggio son los pies de quienes creían que Jesús, el hijo de Dios, creó al hombre y vivió en la pobreza. Estos son los pies de sus discípulos, amigos, los pies de la madre de Cristo, que tenían esencia divina y humana al mismo tiempo. Incluso los agustinos, que en ese momento eran la hermandad más influyente y cultural de Roma, reconocieron la modestia y la moderación, así como la naturalidad y el naturalismo, en las pinturas de Caravaggio. El poder de mecenazgo del artista Caravaggio fue grande, dado que la profesión de arte anteriormente tenía una calificación baja. Ser artista significa trabajar con las manos, por lo que esta profesión se clasificó como una forma de trabajo manual, un oficio y no un arte liberal, que es propiedad de talentos individuales. Cuando Caravaggio pintó santos y mártires descalzos, apoyó y se unió al ala pobre de la Iglesia católica. No solo dio la bienvenida explícitamente a los pobres en sus pinturas, haciéndolos sentir como parte de la misma familia empobrecida de Cristo y sus seguidores, sino que también alentó indirectamente a los ricos a seguir el ejemplo de San Francisco (un santo católico, fundador del mendicante orden que lleva su nombre - la Orden Franciscana).

Obras escandalosas de Caravaggio

La presencia de estas figuras sucias y groseramente escenificadas contradecía la alta elegancia del Renacimiento y el manierismo. La iglesia en ese momento consideraba que estos mismos pies eran un símbolo de los pobres y humildes. Por lo tanto, no es de extrañar que los sacerdotes odiaran su apariencia junto con la ropa remendada en pinturas destinadas a la decoración de iglesias. La iglesia no acogió a los pobres ni a los mansos y no les permitió sentir que, en última instancia, eran parte de la sociedad. Vincenzo Giustiani fue un mecenas y protector influyente de Caravaggio. Probablemente fue él quien ayudó a Caravaggio a escribir la segunda versión. "San Mateo y el ángel" para el altar de la capilla Contarelli. El caso es que la iglesia rechazó la primera versión precisamente por los pies sucios del santo, su excesiva sencillez. Es una insolencia inaudita retratar al santo como un campesino. La primera variante fue adquirida más tarde por Giustiani.

La Crucifixión de San Pedro es un cuadro de Caravaggio, pintado en 1601 para la capilla Cerasi de la Iglesia de Santa Maria del Popolo en Roma, junto con la Conversión de Saulo en el camino a Damasco (1601). La pintura representa el martirio de San Pedro. Según una antigua y conocida tradición, Pedro, cuando fue condenado a muerte en Roma, exigió ser crucificado boca abajo, porque creía que una persona no era digna de ser asesinada de la misma manera que Jesucristo. Ambas obras de Caravaggio, junto con el retablo de la Asunción de la Virgen María de Annibale Carracci, fueron encargadas para la capilla en 1600 por Monseñor Tiberio Cherazi, fallecido poco después. Las versiones originales de ambas pinturas fueron rechazadas por la misma razón común a Caravaggio, la inconsistencia de la iconografía, y terminaron en la colección privada del cardenal Sannessio.

Otra obra atrevida de Caravaggio es Madonna de Loreto (1604). Representa a peregrinos sencillos y pobres que se aferraban a la puerta de la Virgen María. Según el canon, Madonna di Loreto está representada de pie con el Niño en brazos en el techo de una casa, levantada en el aire por ángeles. Caravaggio, por supuesto, rompió todas las reglas. La pintura provocó una oleada de descontento por la inusual apariencia de la Virgen, que no se muestra en el resplandor celestial, sino de pie en la pared ruinosa de una miserable vivienda (así es como el artista presenta la casa de Nuestra Señora en Loreto).

Dos peregrinos, arrodillados de espaldas al espectador, están representados con los pies descalzos: son un símbolo de pobreza, típico de la obra de Caravaggio. Ningún otro artista ha concedido jamás una importancia tan destacada a la obra religiosa de dos héroes arrodillados. Se trata de una de las mejores obras de Caravaggio, cuya trama no se corresponde con la iconografía tradicional, sino que recrea una situación real. La idea de pintar una imagen de la Virgen, que se parece más a una campesina en el umbral de una casa romana, en contacto directo con dos peregrinos con la ropa remendada y los pies sucios, es completamente nueva.

"Madonna del Rosario" o "Madonna del Rosario" es otro ejemplo vívido de la ideología de Caravaggio. La pintura estaba destinada al altar de la capilla familiar de la iglesia dominicana y marcó una nueva etapa en la pintura del artista. Sin embargo, el retablo nunca se instaló en la capilla. Después de la finalización de la pintura, Caravaggio tuvo un conflicto con los monjes dominicos, quienes se reconocieron en los personajes representados, lo que no se correspondía con las ideas tradicionales sobre la pintura religiosa. Y aquí vemos los mismos pies sucios, en la misma parcela con la celestial Virgen María pura. De una carta del joven Peter Paul Rubens al duque de Mantua fechada el 15 de septiembre de 1607 desde Nápoles. "… También vi algo maravilloso, creado por Caravaggio, que se realiza aquí y ahora está destinado a la venta … Estas son dos de las pinturas más hermosas de Michelangelo da Caravaggio. Una es Madonna del Rosario, y está ejecutada como un retablo Otro es un cuadro de tamaño mediano con medias figuras - "Judith matando a Holofernes" … ".

Caravaggio revolucionó la historia del arte de varias formas: 1. En primer lugar, creó imágenes de héroes de una manera poco ortodoxa: invitó a personas de la calle a su taller y las pintó directamente de la naturaleza. A Caravaggio no le preocupaba el estudio académico del dibujo. Esto llevó a que sus cuadros se distinguieran por un realismo impactante hasta el más mínimo detalle: por ejemplo, si un “invitado” invitado desde la calle tenía las uñas sucias, Caravaggio las plasmó en un lienzo. Incluso si fuera una imagen de un santo.2. La segunda gran innovación de Caravaggio fue el uso de la luz. Esto es por lo que es más conocido. Usó la luz para capturar la forma, crear espacio y agregar dramatismo a las escenas cotidianas.