9 obras maestras de artistas brillantes que inspiraron a grandes diseñadores de moda y crearon colecciones únicas

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

A lo largo de la historia, la moda y el arte han ido de la mano para crear una gran combinación. Muchos diseñadores de moda han tomado prestadas ideas de movimientos artísticos para sus colecciones, lo que ha permitido interpretar la moda como una forma de arte que sirve principalmente para expresar ideas y visiones. Influidos por esto, algunos diseñadores de moda de renombre internacional han creado colecciones destacadas basadas en los movimientos artísticos del siglo XX.

1. Madeleine Vionne

Nacida en el centro-norte de Francia en 1876, Madame Madeleine Vionne era conocida como "la diosa del estilo y la reina de la sastrería". Durante su estancia en Roma, quedó fascinada por el arte y la cultura de las civilizaciones griega y romana, y se inspiró en las antiguas diosas y estatuas. A partir de estas obras de arte, modeló la estética de su estilo y combinó elementos de la escultura y la arquitectura griegas para dar una nueva dimensión al cuerpo femenino. Con su habilidad para drapear e inclinar vestidos, Madeleine revolucionó la moda moderna. A menudo consultaba obras de arte como La victoria alada de Samotracia para sus colecciones de arte.

Las similitudes entre la obra maestra del arte helenístico y la musa de Vionne son sorprendentes. El drapeado profundo de la tela al estilo del quitón griego crea rayas verticales de luz que fluyen por la figura. La escultura fue creada en homenaje a Nike, la diosa griega de la victoria, y es admirada por su representación realista del movimiento. La caída fluida del diseño de Vionnet recuerda el movimiento de la tela ondulante que se adhiere al cuerpo de Nike. Los vestidos pueden ser como seres vivos con alma, como cuerpo. Al igual que la Victoria alada de Samotracia, Madeleine creó vestidos que despiertan la esencia humana escondida en lo más profundo. El clasicismo, tanto una filosofía estética como una filosofía de diseño, le dio a Vionne la oportunidad de transmitir su visión en armonía geométrica.

También le fascinaban los movimientos artísticos contemporáneos como el cubismo. Madeleine comenzó a incorporar formas geométricas en sus creaciones y adoptó otro método para cortarlas llamado corte en bisel. Por supuesto, Vionne nunca afirmó haber inventado el corte oblicuo, sino que solo amplió su uso. Mientras las mujeres lograban grandes avances en la lucha por sus derechos a principios del siglo XX, Madeleine defendió su libertad aboliendo el corsé victoriano de larga duración del uso diario de las mujeres. Por lo tanto, se convirtió en un símbolo de la liberación de las mujeres de la restricción del corpiño y, en cambio, lanzó nuevas telas más ligeras que literalmente fluían sobre los cuerpos de las mujeres.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli es el diseñador jefe de Valentino y se siente muy atraído por las obras religiosas de la Edad Media. El punto de partida de inspiración para él es el momento de transición de la Edad Media al Renacimiento del Norte. Colaboró con Zandra Rhodes y juntos desarrollaron una colección inspiradora en la primavera de 2017. Piccioli quería conectar la cultura punk de finales de los 70 con el humanismo y el arte medieval, por lo que volvió a sus raíces y al Renacimiento, y se inspiró en la pintura de Hieronymus Bosch El jardín de las delicias terrenales.

El famoso pintor holandés fue uno de los representantes más destacados del Renacimiento del Norte en el siglo XVI. En el "Jardín de las Delicias", que Bosch pintó antes de la Reforma, el artista quiso representar el Paraíso y la creación de la humanidad, la primera tentación de Adán y Eva, así como el Infierno, anticipándose a los pecadores. En el panel central, la gente parece satisfacer su apetito en un mundo de placer. La iconografía de Bosch destaca por su originalidad y sensualidad. El cuadro completo se interpreta como una alegoría del pecado.

En el mundo de la moda, la pintura ganó popularidad debido a que varios diseñadores de moda estaban fascinados por sus motivos. Combinando épocas y estética, Piccioli reinterpretó los símbolos de Bosch con vestidos transparentes voladores, mientras que Rhodes creó estampados románticos y patrones bordados ligeramente similares a la obra de arte original. Sin duda, los colores eran parte del mensaje que los diseñadores querían transmitir. Así, la colección de vestidos de ensueño voladores se basa en la paleta de colores del norte de los huevos de petirrojo verde manzana, rosa pálido y azul.

3. Dolce y Gabbana

Peter Paul Rubens pintó magistralmente a las mujeres con amor, aprendizaje y diligencia. Presentó su "Venus frente al espejo" como el símbolo supremo de la belleza. Peter retrató exclusivamente su rostro claro y cabello rubio, que contrasta con la criada de piel oscura. El espejo es un símbolo absoluto de la belleza, que enmarca a la mujer como un retrato, y al mismo tiempo enfatiza sutilmente la desnudez de la figura. El espejo que Cupido sostiene para la diosa muestra el reflejo de Venus como una representación de la atracción y el deseo eróticos. Rubens, quien fue uno de los fundadores del arte barroco, y su concepto de "colores sobre líneas" influyeron en varios diseñadores de moda, entre ellos Dolce & Gabbana. El estilo barroco se desvió del espíritu del Renacimiento, abandonó la serenidad y la elegancia y, en cambio, buscó la elegancia, la emoción y el movimiento.

Los diseñadores de moda Domenico Dolce y Stefano Gabbana querían crear una campaña que celebrara el lado sensual y romántico de la belleza femenina. Peter Paul Rubens fue la fuente de inspiración más adecuada. Las creaciones del dúo de culto estaban en gran armonía con el arte del artista flamenco. En esta colección, las modelos posan con gran nobleza, como si acabaran de bajarse de uno de los cuadros de Rubens. Las decoraciones fueron diseñadas para parecerse a espejos barrocos y detalles bordados. La gracia de las figuras y la paleta de colores pastel fueron bellamente enfatizadas por el vestido rosa brocado. La elección de los diseñadores de moda para incluir una variedad de modelos contribuyó aún más al tipo de cuerpo de esa época. Las líneas curvas que utilizaban Dolce y Gabbana iban en contra de la discriminación de los diferentes tipos de cuerpos en la industria de la moda.

La colección Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 muestra muchas de las características de la arquitectura barroca italiana. Esta colección combina perfectamente con las características ricamente decoradas del estilo barroco siciliano. Los diseñadores se centraron en la arquitectura barroca, como se ve en las iglesias católicas de Sicilia. El punto de referencia fue el cuadro de Rubens "Retrato de Anna de Austria". En su retrato real, Anna de Austria está representada a la moda española. El vestido negro de Anna está decorado con rayas verticales de bordado verde y detalles dorados. Vestidos y capas de diseño ingenioso hechos con textiles lujosos como el encaje y el brocado se han convertido en la característica principal del desfile de Dolce and Gabbana, que conquistó el mundo con su creatividad.

4. Cristóbal Balenciaga

Cristobal Balenciaga se puede llamar un verdadero maestro que reformó la moda femenina en el siglo XX. Nacido en un pequeño pueblo de España, trajo la esencia de la historia del arte español a sus proyectos contemporáneos. A lo largo de su carrera, Balenciaga quedó impresionado por el Renacimiento español. A menudo buscaba inspiración en la familia real española y miembros del clero. El diseñador de moda transformó los artículos de la iglesia y las túnicas monásticas de la época en obras maestras de la moda para vestir.

Una de sus grandes inspiraciones fue el manierista El Greco, también conocido como Dominikos Theotokopoulos. Al mirar al cardenal El Greco Fernando Niño de Guevara, puedes ver las similitudes entre la capa del cardenal y el diseño de Balenciaga. La pintura representa al cardenal español Fernando Niño de Guevara de la época de El Greco en Toledo. Las ideas de El Greco fueron tomadas del neoplatonismo del Renacimiento italiano, y en este retrato presenta al cardenal como símbolo de la gracia de Dios. El manierismo está presente en todo el cuadro. Esto se nota en una figura alargada con una cabeza pequeña, miembros elegantes pero extraños, colores intensos y un rechazo a las medidas y proporciones clásicas.

La pasión de Balenciaga por la ropa histórica es evidente en este extravagante abrigo de noche de su colección de 1954. Tenía la visión y la capacidad de inventar formas a la moda moderna. El cuello exagerado de este abrigo se hace eco del estilo holgado de la capa de un cardenal. El color rojo de la ropa del cardenal simboliza la sangre y su disposición a morir por la fe. El famoso diseñador consideraba que el rojo vibrante era extraordinario, ya que a menudo favorecía las combinaciones de colores atrevidos y los tonos vibrantes. Su gran innovación fue la eliminación de la cintura y la introducción de líneas fluidas, cortes sencillos y mangas tres cuartos. Al hacer esto, Balenciaga revolucionó la moda femenina.

El diseñador también introdujo mangas hasta brazaletes que permitían a las mujeres exhibir sus joyas. En la década de 1960, con la introducción paulatina de la mujer en la industria del trabajo, Balenciaga tuvo la idea de dar comodidad, libertad y funcionalidad a las mujeres a las que vestía. Promovió vestidos sueltos y cómodos que contrastaban con las siluetas ajustadas de la época.

5. Alexander McQueen

Artista austriaco, maestro del simbolismo y fundador del movimiento de secesión de Viena, Gustav Klimt sentó las bases de la historia del arte del siglo XX. Sus pinturas y su estética artística han inspirado durante mucho tiempo a los diseñadores de moda. Otros como Aquilano Rimondi, L'Rene Scott y Christian Dior, el diseñador que hizo referencia directa a Klimt fue Alexander McQueen. En la colección Resort Spring / Summer 2013, ha diseñado piezas únicas que parecen inspiradas en la obra del artista. Al mirar un vestido negro fluido con un patrón dorado repetido en la parte superior, puede venir a la mente una imagen específica. McQueen ha utilizado diseños abstractos, geométricos y mosaicos en tonos bronce y oro, incorporándolos a sus diseños.

En 1905, Gustav Klimt pintó el cuadro "El abrazo", que representa a una pareja atrapada en un suave abrazo, que se convirtió en símbolo del amor. El artista austriaco es conocido por sus pinturas en oro, así como por la perfecta combinación de abstracción y color presente en estas obras. Todos los mosaicos tienen ricos tonos dorados con adornos caleidoscópicos o naturales que han tenido una gran influencia en la moda. Esta pintura llama la atención por las formas geométricas contrastantes entre la ropa de los dos amantes. La ropa de los hombres consta de cuadrados negros, blancos y grises, mientras que el vestido de las mujeres está decorado con círculos ovalados y motivos florales. Así, Klimt ilustra magistralmente la diferencia entre masculinidad y feminidad. Alexander adoptó algo similar para su ropa.

6. Christian Dior

Fundador del Impresionismo y uno de los más grandes pintores franceses de la historia del arte, Claude Monet dejó un gran legado artístico. Utilizando su casa y jardín en Giverny como inspiración, Monet capturó el paisaje natural en sus pinturas. En particular, en la pintura "El jardín del artista en Giverny" logró manipular el paisaje natural de acuerdo con sus necesidades. El contraste de la pista de tierra marrón con el color vibrante de las flores complementa la escena. El famoso impresionista a menudo eligió la flor del iris debido a su color púrpura para crear el efecto de un sol brillante. Esta pintura está llena de vida mientras las flores florecen y saludan, abrazando la primavera. Pétalos de rosa y lila, lirios y jazmín forman parte de un paraíso colorido representado en un lienzo blanco.

En la misma línea, Christian Dior, pionero de la moda francesa, dejó una gran huella en el mundo de la moda que aún hoy se siente. En 1949 diseñó una colección de alta costura para la temporada primavera / verano. Uno de los aspectos más destacados de esta exposición fue el icónico vestido de Dior, completamente bordado con pétalos de flores en varios tonos de rosa y morado. Dior ilustró a la perfección los dos mundos del arte y la moda e imitó la estética de Monet con este vestido funcional. Pasó mucho tiempo en el campo, pintando sus colecciones en su jardín en Granville, como hizo Monet. Así, definió el elegante estilo Dior incorporando la paleta de colores y los motivos florales de Monet en sus creaciones.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian fue uno de los primeros artistas en crear arte abstracto en el siglo XX. Nacido en los Países Bajos en 1872, fundó todo un movimiento artístico llamado De Stijl. El objetivo del movimiento era unir el arte y la vida contemporáneos. Este estilo, también conocido como neoplasticismo, era una forma de arte abstracto en el que el uso de solo principios geométricos y colores primarios como rojo, azul y amarillo se combinaba con neutros (negro, gris y blanco). El estilo innovador de Pete de principios del siglo XX obligó a los diseñadores de moda a reproducir este tipo puro de arte abstracto. El mejor ejemplo de este estilo de pintura es la composición con colores rojo, azul y amarillo.

Amante del arte, el diseñador de moda francés Yves Saint Laurent incorporó las pinturas de Mondrian a sus creaciones de alta costura. Se inspiró por primera vez en el trabajo de Pete cuando leyó un libro sobre la vida del artista que su madre le regaló para Navidad. El diseñador expresó su agradecimiento al artista en su colección de otoño de 1965, conocida como la colección Mondrian. Inspirado por las líneas geométricas y los colores atrevidos del artista, presentó seis vestidos de cóctel que celebraban su estilo icónico y la era de los sesenta en general. Cada uno de los vestidos de Mondrian era ligeramente diferente, pero todos compartían una forma simple de línea A y una longitud de la rodilla sin mangas que era perfecta para cada tipo de cuerpo.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, nacida en 1890 en una familia aristocrática de Roma, pronto expresó su amor por el mundo de la moda. Comenzó a desarrollar su estilo revolucionario, inspirado en el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo. A medida que avanzaba su carrera, interactuó con surrealistas y dadaístas tan famosos como Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp y Jean Cocteau. Incluso colaboró con el artista español Salvador Dali.

Una de las mayores colaboraciones en la historia de la moda fue la colaboración entre Dali y Elsa Schiaparelli. Este vestido fue creado con Salvador Dali como parte de la colección de circo de Schiaparelli en el verano de 1938. El vestido hace referencia a la pintura de Dalí, en la que representaba a mujeres con proporciones corporales distorsionadas.

Para los artistas surrealistas, la búsqueda de la mujer ideal estaba condenada al fracaso, ya que el ideal existía solo en su imaginación, no en la realidad. Sin embargo, no era la intención de Dalí retratar a las mujeres de manera realista, por lo que sus cuerpos no son en absoluto estéticos. Schiaparelli quería experimentar con este juego de esconder y revelar el cuerpo, creando la ilusión de vulnerabilidad e inseguridad. El vestido con ilusión de lágrimas fue confeccionado con crepé de seda azul pálido, rindiendo homenaje a Salvador y sus desproporcionadas mujeres.

9. Gianni Versace

La era del arte pop fue probablemente el período más influyente para los diseñadores de moda y artistas en la historia del arte. Andy Warhol fue pionero en la combinación de la cultura pop y la alta costura, lo que lo convirtió en un símbolo icónico del movimiento del arte pop. En los años sesenta, Warhol comenzó a practicar su técnica característica conocida como serigrafía.

Una de sus primeras e indudablemente sus obras más famosas fue el Díptico de Marilyn. Para esta pieza, se inspiró no solo en la cultura pop, sino también en la historia del arte y los artistas expresionistas abstractos. Andy capturó los dos mundos de Marilyn Monroe, la vida social de una estrella de Hollywood y la trágica realidad de Norma Jeane, una mujer que luchaba contra la depresión y la adicción. El díptico intensifica la vibración a la izquierda, mientras que a la derecha desaparece en la oscuridad y la oscuridad. En un intento de representar una sociedad de consumo y el materialismo, describió a los individuos como productos en lugar de personas.

El diseñador italiano Gianni Versace tenía una larga amistad con Andy Warhol. Ambos hombres estaban fascinados por la cultura popular. Para honrar a Warhol, Versace le dedicó su colección Primavera / Verano de 1991. Uno de los vestidos presentaba estampados de Warhol con Marilyn Monroe. Incorporó los vibrantes retratos en seda de Marilyn y James Dean de la década de 1960 en faldas y vestidos largos.

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