Cómo se crearon las pinturas más famosas del mundo: historias fascinantes de las pinturas de grandes artistas

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Grigory Landau, periodista y filósofo, dijo una vez: "El arte es un diálogo en el que el interlocutor guarda silencio". La pintura es un arte sutil, alegórico, emotivo, que da libertad de interpretación. Este es un mundo entero de secretos y misterios sin resolver. Intentemos abrir el velo del secreto sobre la historia de la creación de las pinturas más famosas de grandes artistas.

# 1. San Jorge y el Dragón, Paolo Uccello, 1470

De hecho, el artista tiene dos versiones de esta pintura. En esta versión, George derrota al dragón, que la Bella Dama sostiene con la correa. La pintura tiene un profundo significado religioso. Según la leyenda, un dragón se asentó en el lago de una ciudad de Libia. El emperador pagano ordenó que le sacrificaran hermosas muchachas. Cuando ya no quedaban mujeres jóvenes en la ciudad, el emperador envió a su propia hija al dragón. El valiente guerrero George fue a salvarla y derrotó al dragón. La princesa aquí simboliza la Iglesia cristiana perseguida, el dragón, el paganismo, y George, la fe cristiana. Hay versiones que George, más tarde reconocido como un santo, pisotea no solo el paganismo, sino al diablo mismo, la "serpiente antigua".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" es un autorretrato del artista. Así revela el significado de su trabajo: “El color está en todas partes. Creo que el color es vida. Nuestra cabeza debe girar en espiral para comprender que todo lo que nos rodea no es más que colores. El color es el universo, el universo es vida, la pintura es vida ".

# 3. Baño, Jean-Leon Gerome, 1885

Los expertos creen que esta imagen y una serie de otras similares en la obra de Jerome simbolizan el esnobismo "blanco". Esto se puede ver en la dinámica de las figuras representadas en el lienzo. La mujer blanca es el sujeto dominante, mientras que la mujer negra es sumisa.

# 4. Jardín de las delicias, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch es uno de los artistas más misteriosos del mundo. El simbolismo de sus pinturas es tan confuso que es simplemente imposible encontrar una sola explicación para la gran cantidad de símbolos representados en ellos. Esta obra en particular recibió su nombre de los críticos de arte que la estudiaron. El nombre original permaneció desconocido. Los historiadores creen que el panel izquierdo del tríptico es el cielo, el central es la vida humana moderna y pecaminosa y el panel derecho representa el infierno. Pero la imagen plantea muchas más preguntas de las que responde.

# 5. Sharpie, Caravaggio, 1594

Este trabajo no es en absoluto una caricatura del vicio del juego sucio. Es una narración bastante tranquila de la que Caravaggio era muy consciente. Después de todo, el propio artista llevó su vida de manera muy frívola e incluso violenta. La trama se reduce a describir un drama que se desarrolla, un drama de engaño e inocencia perdida. El ingenuo joven fue puesto en circulación por experimentados agudos. El anciano mira sus cartas y hace señas a otro tramposo.

# 6. Watson y el tiburón, John Singleton Copley, 1778

La imagen muestra un caso de la vida real. En 1749, en La Habana, Brooke Watson, un grumete de 14 años, decidió darse un chapuzón. Un tiburón lo atacó. El capitán del barco en el que servía el niño, intenta salvarlo matando al tiburón con un arpón. El capitán tuvo éxito solo en el tercer intento. Watson, en esta desigual batalla, perdió el pie. Toda su vida luego caminó con una pierna de palo. Esto no le impidió convertirse en alcalde de Londres. Al mismo tiempo, conoció al artista y le contó esta historia. Cuál fue la inspiración de John Copley.

# 7. Composición VIII de Wassily Kandinsky, 1923

Desde la infancia, Kandinsky estaba fascinado por el color. El artista creía que tenía propiedades trascendentales. Kandinsky escribió sus composiciones como compositor de una sinfonía. Cada composición reflejó la visión del artista en su propio período de tiempo. Kandinsky usó formas geométricas en sus obras, porque creía en sus propiedades místicas. Los colores de las figuras reflejaban emociones.

#ocho. Saturno devorando a un hijo, Francisco Goya, 1823

Con la vejez, Goya quedó sordo y su salud en general, tanto física como psicológica, se deterioró. Es a esto que los historiadores asocian sus escritos a una serie de 14, como se denominaron "Imágenes sombrías". Que pintó por dentro en las paredes de su casa. "Saturno devorando a un hijo" es uno de ellos. Este es un mito griego antiguo muy conocido sobre el titán Cronos (más tarde los romanos lo rebautizaron como Saturno). A Cronos se le dijo que sería derrocado por su propio hijo. Y Saturno se comió a todos sus hijos recién nacidos. En Goya, Saturno es representado como un anciano terrible y medio loco que no se come a un bebé, sino a un niño adulto. Hay muchas interpretaciones del significado de este lienzo. Pero lo más importante es que el artista no lo escribió para el público. Quizás de esta forma, Goya intentaba exorcizar sus propios demonios.

#nueve. El ciervo en Sharkey, George Wesley Bellows, 1909

El artista representó una escena común de la vida cotidiana en Nueva York a principios del siglo XX. Un club de lucha privado como el que se encontraba habitualmente en los barrios pobres. Los forasteros que no eran miembros del club eran llamados "ciervos" allí. Recibieron membresía temporal para poder luchar. Bellows pintó el cuadro de tal manera que cuando lo miras, tienes la impresión de que estás entre los espectadores de la batalla.

#diez. Un amigo necesitado, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"Un amigo necesitado" es la película más popular de la serie Dogs Playing Poker de Cassius Marcellus Coolidge. Esta serie fue encargada por Coolidge por Brown & Bigelow para publicitar puros. Aunque las pinturas de Coolidge nunca fueron consideradas un verdadero arte por los críticos, desde entonces se han vuelto icónicas.

#once. Los comedores de patatas, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh quería retratar a los campesinos como realmente son. Quería mostrar una forma de vida completamente diferente, diferente a la de las clases altas. Más tarde le escribió a su hermana y le dijo que The Potato Eaters era su pintura más exitosa.

# 12. La balsa de Medusa, Theodore Gericault, 1819

El lienzo "Balsa de Medusa" ("Le Radeau de la Méduse") muestra las secuelas del colapso de la fragata naval francesa "Medusa". Algunas personas caben en los botes, para las 147 personas restantes se construyó una balsa apresuradamente. Los botes remolcaban la balsa. Pero el capitán, al darse cuenta de que la balsa era demasiado pesada, ordenó cortar las cuerdas. Casi un centenar de personas se quedaron sin comida ni agua. Durante 13 días de su viaje en balsa, con una esperanza fantasmal de salvación, de 147 personas sobrevivieron 15. Locos de hambre y sed, la gente se comía y bebía sangre. Francia quiso silenciar esta vergonzosa historia, pero fue demasiado descarada y no tuvo éxito.

# 13. Transportistas de barcazas en el Volga, Ilya Repin, 1873

Este trabajo es el más famoso de Ilya Repin. La imagen se ha convertido en un culto. El trabajo que realizó el artista fue serio. Repin conoció personalmente a todos los transportistas de barcazas representados en la pintura. El artista escribió cientos de bocetos y dedicó 5 años a este trabajo. Tanto historiadores como contemporáneos consideran que la pintura es una condena directa al arduo trabajo de las clases oprimidas. Aunque Repin siempre negó esta opinión.

#catorce. Susana y los ancianos, Artemisia Gentileschi, 1610

Susana y los ancianos es una historia bíblica del Antiguo Testamento. Durante el reinado del emperador Nabucodonosor, el pueblo judío cayó en esclavitud de los babilonios. Entre ellos estaban Susanna con su esposo Joachim. La mujer poseía una belleza sobrenatural y dos ancianos la deseaban. La amenazaron con que si Susanna no era amable con ellos, le dirían a la gente que era una adúltera. La mujer se negó y los ancianos cumplieron con sus amenazas. Fue condenada a muerte según la ley judía. Pero entonces intervino el joven profeta Daniel. Se le ocurrió la idea de interrogar a los hombres, primero por separado y luego juntos. Sus versiones no coincidieron, se reveló la calumnia. Susana fue absuelta y los ancianos fueron ejecutados. Es muy notable que la artista solo tenía 17 años cuando pintó este cuadro. Para la propia Artemisia, se volvió profética, porque, más tarde, le sucedió una historia similar.

#15. Clínica Gross, Thomas Eakins, 1875

La trama de esta imagen se basa en una operación presenciada por Eakins. Fue realizado por uno de los mejores cirujanos de Estados Unidos, el Dr. Samuel Gross. El operativo se llevó a cabo en el aula frente a los estudiantes con el propósito de enseñar. El médico mostró cómo tratar la infección con una operación conservadora, en lugar de la amputación de toda la extremidad (que era estándar en ese momento). El lienzo representa la realidad sin adornos: tanto la serena profesionalidad de Gross como el sufrimiento de la mujer de la esquina inferior izquierda. Los investigadores creen que la madre del paciente. Los críticos y espectadores calificaron el trabajo, para consternación de Eakins, como extremadamente negativo. Las personas que contemplaban con calma las tramas de sangrientas batallas no estaban preparadas para contemplar el realismo de una operación médica.

#dieciséis. El vagabundo sobre el mar de niebla, Caspar David Friedrich, 1818

"Vagabundo sobre el mar de niebla" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") es un lienzo donde el artista se mantuvo fiel a su estilo romántico. En la imagen, Friedrich se representaba a sí mismo, de pie solo, de espaldas al espectador, sobre una roca oscura y empinada. "El vagabundo sobre el mar de niebla" es una metáfora. Se trata de autorreflexión, de un futuro desconocido. Friedrich dijo sobre este trabajo de esta manera: "Un artista debe dibujar no solo lo que está frente a él, sino también lo que ve dentro de sí mismo". # 17. Los cosechadores, Jean-Francois Millet, 1857

La pintura Des glaneuses muestra a tres campesinas recogiendo las espiguillas que quedan después de cosechar un campo. El trabajo duro y humilde de los campesinos despertó la simpatía del artista. Fueron estas emociones las que se expresaron en la imagen. Pero en la sociedad, el trabajo provocó críticas negativas de las clases altas. Francia experimentó recientemente una revolución y la nobleza consideró que esta imagen era un recordatorio desagradable de que la sociedad francesa se basa en el trabajo de las clases bajas. Y dado que en ese momento la clase trabajadora superaba en número a la clase alta, temían que el panorama, de alguna manera, empujara a la clase baja a rebelarse.

#Dieciocho. El grito, Edvard Munch, 1893

El Grito es una de las obras maestras más misteriosas de la pintura mundial. Munch dijo que una vez salió a caminar al atardecer. La luz del sol poniente tiñó las nubes de un rojo sangre. Y Munch escuchó de repente, sintió, como él mismo lo expresó, "el grito interminable de la naturaleza". Otra explicación podría ser el resultado del estado emocional de Munch, ya que su hermana fue enviada recientemente a un manicomio. Esta pintura ha sido secuestrada muchas veces. La trama puede considerarse profética: a finales del siglo XIX, Munch describió las catástrofes del siglo XX.

# 19. La gran ola de Kanagawa, Katsushika Hokusai, 1829-1833

La composición consta de tres elementos principales: un mar tormentoso, tres barcos y una montaña. La montaña cubierta de nieve es el monte Fuji, que los japoneses consideran sagrado. Es un símbolo de identidad y belleza nacional. Tales juegos con espacio y colores brillantes, inusuales para la pintura asiática. La imagen simboliza el miedo de una persona a un elemento indomable y una sumisión forzada a él.

#20. La noche estrellada, Vincent Van Gogh, 1889

"Starry Night" es una obra maestra que, habiéndola visto solo una vez, nunca más la volverás a olvidar. El artista lo pintó mientras estaba en un hospital para enfermos mentales. Estos vórtices, estrellas enormes … Algunos creen que Van Gogh representó una vista desde la ventana. Pero a los enfermos no se les permitió salir a la calle, incluso se les prohibió trabajar en la sala. El hermano de Vincent pidió a la dirección del hospital que le diera una habitación para que pudiera escribir. Los investigadores creen que Van Gogh representó en su pintura un fenómeno como la turbulencia: los vórtices fluyen desde el agua y el aire. Esto no se puede ver, pero la percepción aumentada del artista lo ayudó a ver lo que está oculto a los ojos de los mortales comunes. 10 obras maestras perdidas y nuevas de grandes maestros. Basado en materiales