¿Cuál es el secreto de una de las pinturas más misteriosas de Remedios Varo, que estableció un récord mundial en una subasta?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

"Armonía" es una de las obras más misteriosas y misteriosas creadas por Remedios Varo. Esta obra de arte es tan controvertida que muchos expertos todavía están tratando de desentrañar su secreto. Y no es de extrañar que el cuadro puesto a subasta se vendiera por más de seis millones de dólares, estableciendo así un nuevo récord mundial.

Remedios Varo Uranga es uno de los pintores para-surrealistas de renombre mundial del siglo XX. Nació en 1908 en la pequeña localidad de Angles en la provincia de Girona en España. Su arte único fue el resultado de la crianza y la lucha por la vida, la socialización en el mundo del arte y la filosofía, así como parte de su asombrosa imaginación.

Su padre, Rodrigo Varo, fue un intelectual que ayudó a Remedios a desarrollar su carrera artística desde temprana edad. A una edad muy tierna, Rodrigo ayudó a su hija a desarrollar habilidades de dibujo técnico. También animó a la niña a convertirse en una pensadora independiente. Introdujo a su hija en la ciencia y la ficción, comprándole libros de ciencia y aventuras, y también alentó el pensamiento filosófico temprano de la hija, que se desarrolló más allá de sus años.

Su madre, Ignatia Uranga, era una católica devota y estaba decidida a enviar a su hija a la escuela de un monasterio. Fue por esto que el futuro artista desarrolló una actitud crítica hacia la religión y se opuso a la ideología religiosa. Pero finalmente Reme abrazó los ideales universalistas y liberales.

Cuando era niña, la niña y su familia se mudaban a menudo de un lugar a otro: de Cádiz a Laras a Marruecos y Madrid. Estas reubicaciones la introdujeron a diferentes culturas y ampliaron su cosmovisión, que posteriormente se reflejó en su trabajo.

En 1923, mientras estudiaba en Madrid, Reme realizó su primera obra de arte: se pintó a sí misma, así como a toda su familia.

En 1924 ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, diplomándose como maestra de dibujo seis años después. Fue en esta academia donde conoció el surrealismo, un movimiento cultural y una filosofía que fomentaba la captura de la funcionalidad real del pensamiento humano sin el control de la razón y la moral. Fue por esos tiempos que se utilizó la obra de arte surrealista para expresar el movimiento filosófico.

Con el estallido de la Guerra Civil española, se vio obligada a abandonar el país y huir a París y luego a Barcelona. Fue en París donde fue influenciada aún más por el movimiento surrealista.

El arte de Reme también fue influenciado por su primer y segundo marido. Su primer marido, Gerardo Lizarraga, fue un pintor de renombre, y su segundo, Benjamín Pere, fue un poeta surrealista. En Barcelona, donde conoció a su segundo marido, formó parte del grupo de arte Logicophobiste, gracias al cual logró frenar su imaginación y plasmarla en arte. Más tarde regresó a París, pero se vio obligada a huir después de ser arrestada durante la ocupación nazi de Francia.

Se mudó a México en 1941, y fue allí donde la artista decidió emprender un viaje desconocido y hermoso en su imaginación.

En el nuevo lugar, se inspiró en creadores y genios locales, como Diego Rivera, así como en exiliados y expatriados, por ejemplo, Jean Nicollo y Walter Grün. Grün, una víctima austríaca de los campos de concentración en Europa, fue una gran inspiración para el futuro artista famoso. La animó a trabajar en su arte y, en 1949, el estilo de Remedios había madurado. De sus ciento cuarenta obras de arte, ciento diez nacieron en México.

Reme no solo era surrealista, sino también anarquista. Ella creía que el estado es un mal innecesario que se opone al comportamiento de las relaciones humanas. Sus reflexiones filosóficas sobre el estado pueden haber sido el resultado de su experiencia de vida en Europa. Esta filosofía se refleja en su estilo artístico aislacionista.

El feminismo fue otra escuela de pensamiento que influyó en el estilo artístico de la artista. Durante su tiempo como pintora surrealista, los surrealistas masculinos no veían a sus contrapartes femeninas como talentosas. Esto creó un ambiente en el que las mujeres artistas estaban aisladas. Los talentos incomprendidos de las mujeres se reflejan en su trabajo en forma de imágenes de mujeres tristes en lugares aislados y cerrados. Así reaccionó ante la injusticia de las mujeres en el mundo del arte de la época.

El estilo artístico de Varo era único; otros lo describieron como inquietante. Capturó sorpresa en su arte, así como yuxtaposiciones inesperadas. Su estilo surrealista único se ha convertido en un sello distintivo, porque las principales heroínas de sus obras fueron las mujeres del siglo XX. Ella retrató misteriosos personajes solitarios y místicos involucrados en actividades científicas. Esto se debió en gran parte a la indulgencia científica de su padre a una edad temprana. Varo usó la imaginación y el concepto de magia en su arte, así como símbolos andróginos que imitan sus rasgos físicos, como ojos grandes, nariz aguileña y rostros en forma de corazón, que se encuentran a menudo en su arte y se asemejan a sus propios rasgos faciales.

El arte también utilizó personajes autobiográficos que parecían reprimidos por fuerzas desconocidas. Fue una reacción a la marginación de las mujeres en el mundo del arte, ya que expuso el complejo de superioridad masculina surrealista masculina. Lo que también se encuentra a menudo en su trabajo es el uso de criaturas míticas, alquimia, vórtices brumosos y vehículos utópicos que pueden atravesar tierra, aire y agua con velas, engranajes y transmisiones que responden a energías superiores. La actitud inusual de su arte refleja pasividad, contemplación, inestabilidad y simbolismo. Aquellos que miran lo suficientemente de cerca sus obras pueden captar y apreciar esta asombrosa imaginación.

Pero, quizás, una de las obras más destacadas del artista es una pintura llamada "Armonía". Esta pieza muestra cómo el inconsciente es fundamental para la creación de arte, así como para la integridad de la conciencia humana.

Lo primero que llama la atención del espectador es la figura del alquimista-compositor andrógino.

Saca varios objetos del cofre: hojas, flores, conchas, formas geométricas transparentes y trozos de papel con números matemáticos escritos a mano, que ensarta en una partitura musical estereoscópica. La expresión del rostro del compositor sugiere que está distraído, como medio dormido. Este estado de ánimo medio dormido permitió que una figura femenina emergiera del papel tapiz, que, desapercibido para el compositor, ayuda a distribuir y ajustar los objetos en la partitura musical.

En sus obras, Varo ha utilizado repetidamente el motivo de una figura humana sobrenatural que emerge de las paredes para expresar la sorpresa de una revelación repentina o un avance hacia la supresión omnipresente, por ejemplo, en Renacimiento, Una visita al pasado, La aparición de la luz y Ancestros (miedo).

Pero en el caso de Harmony, la figura de la pared aparece con un aire tranquilo y elegante. Cerrando los ojos, llena el vacío consciente de la mente y mejora la música, que para Varo es un símbolo frecuente de integridad.

El inconsciente se presenta como el trabajo suave de la mente, que trabaja silenciosamente con la conciencia y así completa su integridad.

En Harmony, Reme visualizó las muchas capas del inconsciente y su intersección con la conciencia. La composición de la imagen comienza con el primer plano, donde el compositor se sienta con una figura en la pared, y luego gradualmente la imagen se mueve hacia las profundidades distantes, donde una figura similar en la pared trabaja sola. Luego la mirada se dirige a la estantería del fondo, la cama, las ventanas y el vacío rojo del exterior, y luego de nuevo a la puerta por la que sale el pájaro, y las baldosas del suelo, destrozadas por telas y plantas.

Primero, la figura de fondo que se eleva desde la pared trabaja sobre la obra aparentemente interrumpida del compositor, representando nuevamente el funcionamiento invisible del inconsciente, así como la creencia de Varo en el animismo, que se refiere a ciertos seres no humanos, ya sean animales, plantas. Muchas sociedades tienen características que la racionalidad tradicional occidental o euroamericana asocia exclusivamente con los seres humanos, enfatizando la espiritualidad de todos los objetos del mundo, incluso el papel tapiz.

Junto a la segunda figura de la pared hay una estantería y una cama. Colocar una cama sobre una estantería puede verse como un juego sobre la relación entre consciente e inconsciente, donde la civilización y el conocimiento deben apoyar el sueño, la forma más obvia del inconsciente.

Los dobles lucernarios, junto con la cama curva roja, forman la imagen de los ojos y labios del rostro, resaltados en rojo, que se puede interpretar como la sensualidad inconsciente de la mente humana.

En el lado derecho de la habitación hay una puerta que da al exterior, llena de un vacío pardusco, cuya niebla se cuela en la oficina. El pájaro, cuyo color azul grisáceo coincide con el interior del estudio, vuela en una niebla marrón, simbolizando el inconsciente. Este vivo contraste de colores entre lo interno y lo externo se puede leer como la intersección de diferentes niveles de conciencia. El papel tapiz gris de exploración, que representa un nivel del inconsciente, conduce a niveles más profundos, representados por el área exterior marrón. Otro indicio del juego de Varo en diferentes niveles de conciencia e inconsciencia se expresa en una silla roja colocada en la esquina más a la derecha de la habitación, con un nido de pájaros brotando de su almohada en la parte de atrás.

Nuevamente, hay un claro contraste entre rojos y grises. Un nido de pájaro sobre un cojín de respaldo rasgado infunde un encanto caprichoso. La ubicación del nido del pájaro es inesperada y antinatural, ya que el respaldo de una silla es apenas donde normalmente se puede ver el nido. Pero, ¿qué podría ser más natural que lo que el pájaro encuentra donde es posible anidar? A menudo, los animales organizan cómodamente sus viviendas en objetos abandonados por las personas. Esta imagen en particular es interesante en el sentido de que utiliza los instintos de supervivencia de los animales como una representación de las características inexplicables e inevitables del inconsciente. La representación de objetos que dividen las superficies de una silla como un desafío al concepto de espacio es un tema recurrente en la obra de Varo, causando un ligero shock en la mente del espectador y llevándolo a considerar esta ilusión como una representación del inconsciente, enfatizando su importancia en la formación de una conciencia humana integral.

Otra visualización de la imperceptible existencia del inconsciente son trozos de tela gris, que recuerdan a la que lleva una figura de la pared, arrastrándose hasta la oficina desde debajo de los azulejos, junto a varios brotes de plantas. La imagen de enredaderas y tejidos que invaden silenciosamente el espacio de la conciencia puede ser inquietante y perturbadora, porque crea una sensación de conciencia invisible e incontrolable que se cierne sobre la parte consciente de la mente. El papel de la planta invasora es paralelo al papel tapiz que simboliza el inconsciente. Por un lado, esto es imperceptible para el compositor, que está completamente enfocado en su conciencia y permanece fuera del foco principal de toda la imagen, y por otro lado, demuestra su existencia innegablemente significativa, el espacio que cautiva silenciosamente.

No es sorprendente que esta obra de arte enigmática y verdaderamente mística haya sido subastada recientemente por más de $ 6 millones, más de su costo estimado original de $ 3 millones.

En 1963, el mundo del arte perdió un talento importante con la muerte de Remedios. Murió de un infarto, que muchos atribuyen al esfuerzo excesivo. A pesar de la muerte de esta gran artista, su trabajo aún se disfruta en México y Estados Unidos. Aunque considera que América Latina es solo un refugio temporal, aquí es donde floreció su carrera y aquí dio su último suspiro. Después de su muerte, Grün, quien era su pareja en México, trabajó para que sus pinturas vieran la luz del día. Compró varias de sus obras en una subasta después de su muerte y las donó al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México en 1999. Obra de arte que quedó en el taller de Remedios, el bodegón renacentista le fue presentado a su madre.

Por tanto, sería justo decir que la vida de Remedios fue una aventura, tanto en viajes como en imaginación, compartida por todo el mundo a través del arte. Aquellos que buscan una mirada más cercana son capaces de comprender sus líneas y simbolismo. A pesar de que hoy no está aquí, Remedios Varo todavía vive de su arte.

Sobre cómo y cuánto están dispuestos a pagar por el trabajo que les gusta, lea el siguiente artículo.