7 obras maestras del Hermitage que vale la pena ver en 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Los científicos han demostrado durante mucho tiempo que el arte tiene un efecto beneficioso sobre la salud humana al reducir el nivel de ansiedad y estrés en el cuerpo. Esto es especialmente cierto para las bellas artes y la contemplación de lo bello. Por lo tanto, para que 2020 se llene de un estado de cuerpo y espíritu favorable, vale la pena visitar el Hermitage y ver las exposiciones más famosas del museo.

"Apóstoles Pedro y Pablo" de El Greco

El Greco es uno de los artistas más brillantes y originales. De origen griego, estudió pintura en Italia en el taller del gran Tiziano. Aprendió la técnica del aceite de su ídolo y también se inspiró en las técnicas artísticas del manierismo italiano. El Greco se destacó entre sus colegas por la originalidad del estilo dramáticamente expresivo. En sus retratos, prestó gran atención a la caracterización psicológica. En este cuadro del Hermitage, el artista representa a dos tipos diferentes de personas. A la izquierda está el apóstol Pedro, quien negó la existencia de Cristo tres veces. Su rostro transmite tristeza e incertidumbre, mientras que sus gestos están teñidos de arrepentimiento y súplica. El apóstol Pablo, quien, como saben, originalmente fue un celoso perseguidor de los cristianos, en la imagen muestra fervor espiritual al afirmar la verdad. Los gestos de las manos que forman el centro compositivo de la obra expresan un diálogo que une a los dos apóstoles.

Peter, de pelo gris, envuelto en una túnica dorada, inclinó la cabeza hacia un lado. En su mano izquierda sostiene su símbolo, la llave del Reino de los Cielos. Pavel presiona firmemente su mano izquierda contra el volumen abierto sobre la mesa, su mano derecha se eleva en un gesto de aclaración cuando mira directamente al espectador. San Pedro y San Pablo aparecen numerosas veces en la obra de El Greco, y están representados con sorprendente coherencia. El artista siempre muestra a Petra con el pelo y la barba grises, y a menudo lleva una túnica amarilla sobre una túnica azul. Paul siempre se está quedando un poco calvo, con cabello oscuro y barba, con una túnica roja sobre ropa azul o verde.

"María Magdalena penitente" de Tiziano

La Penitente María Magdalena es un retrato de Santa María Magdalena Tiziano de aproximadamente 1531, con la firma 'TITIANUS' en el recipiente de la izquierda. Según la trama, se trata de una mujer de pasado disoluto que, según el Evangelio (Lucas 7, 36-50), llegó a la casa de Simón el fariseo para pedirle perdón a Jesús. Es una figura femenina retratada por Tiziano con trazos densos, concentrados y tonos cálidos. La paleta resalta unos ojos increíbles empapados de lágrimas de cristal. El cabello rubio cobrizo que cubre la figura está increíblemente escrito. El tema de la arrepentida María Magdalena, alzando los ojos al cielo, ganó gran popularidad en Italia en el siglo XVI entre aristócratas, líderes religiosos y la clase media adinerada. La falta de ropa simboliza el rechazo de la Magdalena de las joyas, el oro y los pasatiempos mundanos por la fe en Cristo. Además, el cabello dorado y la figura general de la Magdalena cumplen con los estándares de la belleza del Renacimiento.

"Madonna Litta" de Leonardo da Vinci

La pintura recibió su nombre de la familia noble milanesa, en cuya colección se encontró durante la mayor parte del siglo XIX. En 1865, el zar ruso Alejandro II compró el lienzo para el Hermitage, donde se exhibe hasta el día de hoy. Esta obra representa a la Virgen amamantando al Niño Jesús. Tenga en cuenta la ausencia de imágenes fantasma en esta imagen. Varios lienzos de Leonardo demuestran esta misma característica. Las figuras están ubicadas en un interior oscuro con dos aberturas arqueadas que muestran una vista del paisaje montañoso. Un detalle interesante: en el centro del cuadro, en la mano izquierda de Cristo, hay un jilguero, que es símbolo de la pasión de Cristo.

El sentimiento de la alegría de la maternidad en el cuadro "Madonna Litta" está representado de manera especialmente deliciosa gracias a la riqueza de la imagen misma de María: aquí encontró su expresión madura de la belleza femenina de Leonardo. El rostro dulce y hermoso de la Virgen da una espiritualidad especial a los ojos entornados y una leve sonrisa. La composición de la pintura es sorprendente por su sorprendente claridad y perfección. La Virgen y el Niño fue un motivo común en el arte cristiano durante la Edad Media y continuó hasta el Renacimiento.

"Tocador de laúd" Caravaggio

La pintura fue encargada por el cardenal Francesco del Monte, quien patrocinó al artista. Caravaggio retrató a un joven fascinado por la música: su mirada está llena de inspiración, sus dedos se aferran a las cuerdas. La figura de un joven con camisa blanca se destaca claramente sobre un fondo oscuro. La iluminación lateral dura y las sombras que caen dan a los objetos un volumen y un peso casi perceptibles. Los objetos colocados en la imagen atestiguan el gran amor del artista por el mundo que lo rodea, su deseo de reproducir la naturaleza con sinceridad, de transmitir la calidad material de cada detalle. En el cuaderno que está frente al héroe con laúd, están escritas las notas iniciales del madrigal popular del siglo XVI "Sabes que te amo".

El amor como tema de esta obra también está indicado por otros objetos. Por ejemplo, el laúd agrietado era una metáfora del amor que falla. En los albores de la creatividad, Caravaggio solía dar a los jóvenes rasgos femeninos, que, sin embargo, eran típicos del arte italiano de finales del siglo XVI. Es interesante que el músico del cuadro del Hermitage a menudo se confundiera con una niña, y la composición se llamaba "El laudista".

"La dama de azul" Thomas Gainsborough

Una de las mejores obras del artista, "La dama de azul", fue creada por Gainsborough en la plenitud de sus poderes creativos. La figura de una mujer joven con un vestido abierto de tela blanca transparente se destaca suavemente sobre un fondo oscuro. Su cabello empolvado tiene un peinado peculiar. Los rizos grandes caen sobre los hombros inclinados. La frescura del rostro juvenil se ve acentuada por los labios entreabiertos y los ojos oscuros en forma de almendra. Con un ligero movimiento de su mano derecha, sostiene el pañuelo de seda azul. Los tonos grisáceos, azulados, rosáceos y blancos aquí y allá se realzan con trazos brillantes, y ayudan a transmitir la elegancia y belleza del modelo.

La audacia de las técnicas pictóricas de Gainsborough asombró a sus contemporáneos. Entonces, Reynolds notó "puntos y rasgos extraños" en las pinturas de Gainsborough, "que parecen más el resultado de la casualidad que de una intención consciente". Esta tradición no académica es uno de los mayores logros de Gainsborough. "La Dama de Azul" entró en el Hermitage en 1916 de la colección de A. 3. Khitrovo por testamento.

El regreso del hijo pródigo de Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Esta obra maestra del arte bíblico confirma una vez más el estatus de Rembrandt como uno de los mejores pintores de todos los tiempos y el más grande de todos los Antiguos Maestros en la representación de escenas bíblicas. El cuadro El regreso del hijo pródigo, completado por el artista en los últimos años de su vida, representa una escena de la parábola de Lucas 15: 11–32. Según el destacado crítico de arte Kenneth Clarke, el lienzo es una de las mejores pinturas de todos los tiempos. Según la trama, el padre, como el patriarca, pone sus manos sobre los hombros de un penitente afeitado y vestido con ropas gastadas. Tiene los ojos casi cerrados. El acto de perdonar se convierte en una bendición de un sacramento casi sacramental.

Se trata de un cuadro con la máxima espiritualidad, libre de todo aspecto anecdótico, en el que todos los movimientos y acciones se han paralizado. La escena se sumerge en la oscuridad, como un túnel, desde donde brillan pálidamente los rostros del padre y de su hijo mayor. Sus túnicas rojas le dan un brillo a esta oscuridad. Rembrandt ha pintado repetidamente sobre el tema del hijo pródigo, pero en esta monumental versión al óleo llegó a su formulación más emocionante y, gracias al contraste del hijo mayor y el hijo menor (pródigo), la formulación psicológicamente más difícil.

"Danza" de Henri Matisse

"Danza" es una de las obras más famosas de Henri Matisse: una oda a la vida, la alegría, el rechazo físico y un símbolo del arte contemporáneo. La pieza fue encargada por el influyente coleccionista ruso Sergei Shchukin en 1909 para decorar su mansión. Caracterizada por su sencillez y energía, esta orgía artística dejó una huella imborrable en el arte del siglo XX. La danza fue escrita a la altura de la estética fauvista y encarna la emancipación de las tradiciones artísticas occidentales tradicionales. La elección estética de Henri Matisse para esta pintura provocó un verdadero escándalo en los salones de arte en 1910. La desnudez atrevida y los tonos ásperos le dieron a la imagen un carácter extraordinario para esa época, que a los ojos de algunos espectadores parecía bárbaro.

Matisse usó solo tres colores para representar esta danza: azul, verde y rojo. De acuerdo con las asociaciones de colores tradicionales fauvistas, estos tres tonos crean un contraste intenso. Sin embargo, el objetivo de Matisse no era sorprender a la audiencia. Al contrario, buscó unir a las personas entre sí y con la naturaleza. Como dijo el artista, "Lo que sueño es un arte equilibrado, limpio y tranquilo que pueda evitar problemas o decepciones".