"El triunfo de la muerte": cuál es el secreto de la pintura de Bruegel, que ha estado sacudiendo la mente y la imaginación de la gente durante casi 500 años

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Hay pinturas en la historia de la pintura que dejan una profunda huella en la memoria de una persona para toda la vida; vale la pena verlas al menos una vez. Las impresiones de lo que vio parecen penetrar en el subconsciente y excitar el alma durante mucho tiempo y hacerte pensar. Tal obra, sin duda, es "El triunfo de la muerte" Pieter Bruegel, erradicando la línea entre el reino de los muertos y el mundo de los vivos, mostrando claramente la omnipotencia de la Muerte y la impotencia del hombre.

El pintor del Renacimiento tardío de los Países Bajos, pasó a la historia del arte como un maestro magnífico que logró unir las tendencias del nuevo Renacimiento y el arte tradicional holandés, creando su propio mundo inolvidable en sus obras.

Prehistoria de la creación de "Death Triumph"

Bruegel fue testigo de la ferocidad de la Inquisición a mediados del siglo XVI en los Países Bajos. Luego, los destacamentos armados del ejército español, en misión punitiva, encabezados por la fanática católica Alba "a fuego y espada", marcharon por el territorio de su colonia norteña, tratando de reprimir el levantamiento popular. De esta forma, España intentó exterminar el protestantismo que allí nacía. En aquellas provincias por donde habían pasado los españoles, quedaba tierra quemada y montones de cadáveres, estimados en decenas de miles.

El rey Felipe II de España, siendo un ferviente católico, declaró: El país estaba sumido en un terrible miedo y desesperación. Bajo una impresión tan increíblemente inquietante de los acontecimientos que estaban teniendo lugar, Pieter Bruegel creó alrededor de 1562 una de sus creaciones más siniestras y al mismo tiempo más asombrosas: "El triunfo de la muerte". Durante casi cinco siglos, este cuadro del maestro deja una huella imborrable en el público y hace pensar una vez más en la inevitabilidad del lecho de muerte.

Triunfo de la muerte

En su pintura, el artista creó un espeluznante "elogio" de la Muerte. Por primera vez, cuando ves este lienzo, grandioso en su contenido, recibes un impacto considerable. Algo incomprensible y ominoso se abre a los ojos: muchos esqueletos y cráneos, ya muertos y latiendo en agonía, personas despedazadas y preparándose para la ejecución, además de festejar y tratar de resistir.

Y solo mirando esta inimaginable creación de manos humanas, centímetro a centímetro, se puede penetrar y comprender lo que el autor pretendía y lo que quería transmitir a la conciencia de contemporáneos y descendientes.

Ante el espectador se abre una inmensa panorámica de un paisaje monstruoso que se asemeja a un desierto abrasado, donde la tierra yerma, al resplandor de los fuegos, está sembrada de pilares con ruedas de tortura y horca. Y en la misma línea del horizonte se puede ver un mar poco profundo con barcos que se hunden. La línea alta del horizonte hizo posible que el artista expandiera a gran escala una imagen ominosa de lo que está sucediendo debajo, en el suelo.

El desierto quemado está lleno de abundantes instalaciones de tortura y ejecución en todas partes. Los guerreros de la muerte los utilizan activamente para exterminar a sus víctimas.

La muerte en sí tiene un enorme significado simbólico y compositivo, uniendo todo lo que sucede a su alrededor. Como puede ver, en la pintura La muerte es una imagen de un esqueleto con una guadaña, galopando a toda prisa sobre un caballo huesudo en medio de los acontecimientos. El jinete del apocalipsis lidera las hordas de su ejército. Triunfa cuando ve cómo se desarrolla la "danza de la muerte".

Hordas de esqueletos, escondidos detrás de las tapas de los ataúdes, como escudos, crearon una barrera para la multitud, que la Muerte empuja hacia un enorme ataúd abierto, algo así como una trampa para ratones. Nadie puede alejarse de ella, ella distorsionará a todos con su guadaña: reyes y cardenales, afiladores de cartas y comerciantes, campesinos y caballeros, mujeres y niños. Ella no se detendrá ante nada ni ante nadie.

La muerte se apodera de los héroes de la imagen en todas partes: en una carnicería masiva y un duelo, en el trabajo, en una comida e incluso en una cita amorosa. No puedes esconderte de él en ningún lado, no hay salvación de él. Ella es omnipresente. Literalmente, todos aparecen frente a la Muerte como un impotente grano de arena en el embudo del tornado, donde tarde o temprano será atraído. Todos comienzan a comprender que la muerte les espera a todos, independientemente de su estatus y posición.

En la parte inferior izquierda del lienzo, el artista pintó una figura reclinada con una túnica real. El monarca está claramente en agonía, su tiempo está contado. La muerte ya lo miró a los ojos y ahora solo le importa el oro que yace al lado del rey. Ella sabe exactamente a qué precio se obtuvo.

En el lienzo, también puedes ver a varios temerarios tratando de resistir a los guerreros de la Muerte, pero todo en vano: sus minutos están contados. Aunque la vida sigue brillando en la esquina inferior derecha: hay una mesa puesta rodeada de banquetes y una pareja de enamorados tocando música, jugando agradable. Pero el bufón, después de haber visto algo mal, intenta esconderse debajo de la mesa, y un temerario agarró la espada. Sin embargo, está bastante claro que en un momento, y todos están condenados a morir.

La espeluznante vista se ve amplificada por un carro con calaveras, que es arrastrado por un huesudo nag, controlado por un esqueleto.

En "El triunfo de la muerte", la atención del espectador es atraída por otro momento importante: en el centro del lado izquierdo del lienzo, los muertos, vestidos con togas blancas, han tomado su asiento de juicio. Parados en un podio alto junto a la cruz, tocan las trompetas y van a proclamar algo. Los conocedores de la historia encuentran en esto una alusión directa al tribunal de la Santísima Inquisición. Aunque durante la creación del cuadro, los censores españoles nunca pudieron criticar la creación del artista: el motivo del lienzo estaba permitido en el mundo cristiano y, además, era bastante común. Afortunadamente, Bruegel a menudo logró crear obras muy sinceras con un significado muy relevante oculto bajo los motivos tradicionales de la trama.

Una mirada más cercana a los detalles revela una circunstancia sorprendente: parecería que decenas de cientos de esqueletos y la misma cantidad de cráneos son exactamente iguales, pero el autor logró escribir estas imágenes de tal manera que se puede ver su rostro nítido. Expresiones Guiña un ojo, luego sonríe, luego se burla diabólicamente, y luego, cruelmente, con una amenaza, miran las fallas de las cuencas de sus ojos. El artista transmitió estos detalles de manera asombrosa, y esto habla de su mayor habilidad.

Por cierto, Bruegel tomó mucho en su trabajo de su compatriota y predecesor Hieronymus Bosch, un pintor holandés del Renacimiento del Norte.

Entonces, a través de alegorías y metamorfosis, el maestro expresó su protesta contra lo que sucedía en su tierra natal, y de esta manera trató de transmitir a los descendientes la terrible verdad sobre lo que vio y vivió.

Continuando con el tema de los famosos pintores holandeses, me gustaría revelar algunos hechos fascinantes poco conocidos. sobre la vida y obra de Hieronymus Bosch, considerado el predecesor del surrealismo.