Quién realmente creó Rodin "El pensador" o "El doliente": el verdadero significado de las obras de arte famosas

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Cualquiera puede notar fácilmente que el tema del duelo es muy popular entre los artistas. Y a menudo la gente moderna ni siquiera conoce la historia del origen de algunas pinturas o esculturas y su verdadero significado.

"Retrato de Venecia Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Parece que la joven duerme tranquilamente. Sin embargo, cuando el artista flamenco Anthony van Dyck en 1633 trató de transmitir en un lienzo toda la belleza aristocrática de Venecia Stanley, Lady Digby, en realidad estaba pintando un retrato … de un cadáver de dos días tendido en su lecho de muerte.

Angustiado por el dolor al descubrir que su esposa había muerto repentinamente por la noche, a la edad de 33 años, el esposo de Venice, Sir Kenelm Digby, pidió a Van Dyck, el pintor de la corte del rey Carlos I, que pintara a su difunta esposa ante "los cirujanos y forenses". llegó."

Anthony van Dyck escribió Venecia, Lady Digby en su lecho de muerte en 1633, dos días después de que la mujer muriera mientras dormía.

Van Dijk se puso manos a la obra, ignorando los terribles cambios que se producen en el cuerpo humano después de la muerte. En el pálido y encantador cuello de Venecia, dibujó un collar de perlas y en el borde de la sábana esparció pétalos de rosa. Digby creía que la pintura de Van Dyck, que ahora se encuentra en la Galería de Arte Dulwich de Londres, fue el mayor logro de la creación del artista. Según él, esta "rosa" parecía "desvanecerse" incluso a primera vista y se suponía que simbolizaba la muerte de su esposa.

A pesar de que han pasado casi 4cientos años, todavía hay rumores de que Digby, que no solo era cortesano y diplomático, sino también inventor y alquimista, provocó la muerte de su esposa. Algunos dicen que le dio a Venecia una mezcla de sangre de víbora para beber, con la que esperaba preservar su belleza. Otros creen que la mató en un ataque de celos; después de todo, supuestamente dijo una vez sobre el notorio libertinaje de Venecia que "un hombre sabio y fuerte puede hacer una mujer honesta incluso con un trabajador de burdel". Curiosamente, aunque se realizó una autopsia, sus resultados no se han conservado.

Sin embargo, Digby se sintió devastado por la muerte de Venecia. Le escribió a su hermano que el retrato póstumo de Van Dyck “es el único compañero constante que tengo ahora. Se queda todo el día frente a mi silla y mi mesa … y toda la noche junto a la cama. Cuando la tenue luz de la luna cae sobre él, me parece que realmente la veo muerta.

En otras palabras, según la carta de Digby, el pequeño óleo de Van Dyck, de menos de un metro cuadrado, se ha convertido en un consuelo y consuelo para el viudo desconsolado. Si la rosa de la imagen es de hecho el "emblema" de la fugacidad de la vida, la imagen en sí simboliza lo que se puede llamar el arte de la tristeza.

Además de los monumentos funerarios en las iglesias, que se instalaron principalmente en memoria de los difuntos, el tema del dolor en el arte occidental antes de la era de Van Dyck, en la Edad Media y durante el Renacimiento, por regla general, se encontraba solo en los religiosos. pintura y esculturas dedicadas a la trágica historia de la muerte de Cristo. …

Piedad de Miguel Ángel en la Basílica de San Pedro

La impresionante piedad de mármol de Miguel Ángel en la Basílica de San Pedro es la única obra de escultura que ha firmado. Representa a la Virgen María afligida con el Cristo muerto acostado en su regazo. Este es quizás el ejemplo más famoso, pero hay muchos otros. Por ejemplo, se puede destacar un cuadro de otro artista del Alto Renacimiento y amigo de Miguel Ángel, Sebastiano del Piombo. Según los expertos de la Galería Nacional, la pintura (en la que del Piombo trabajó con Miguel Ángel) "Lamentación del Cristo Muerto" (c.1512-1516) es "el primer paisaje nocturno a gran escala de la historia", y su cielo iluminado por la luna. coincide perfectamente con el estado de ánimo sombrío.

La Piedad de Miguel Ángel en la Basílica de San Pedro es una versión famosa de una de las imágenes más comunes en el catolicismo: el dolor de la Virgen María por la muerte de su hijo.

Por supuesto, el tema tradicional del duelo por Cristo ha sido retratado por muchos autores famosos de la historia del arte, desde Giotto y Mantegna hasta Rubens y Rembrandt. Estos son solo algunos de los miles de artistas que han representado esta escena bíblica de una forma u otra a lo largo de los siglos. De hecho, el arte del duelo se ha vuelto tan omnipresente que a veces la gente olvida lo que está mirando. El curador de la nueva exposición de Rodin en el Museo Británico publicó recientemente un artículo sugiriendo que la famosa escultura francesa The Thinker debería llamarse The Mourner. "Mire de cerca la mano y la barbilla", dijo Ian Jenkins, una autoridad en el arte griego antiguo. - Si esta persona estuviera pensando en algo, se habría tapado la barbilla con la mano en un gesto de consideración. Pero en esta escultura, la mano sostiene la barbilla. Y en la antigua Grecia era un gesto de duelo ".

"Isla de los Muertos" de Arnold Böcklin

Óleo sobre madera de Arnold Böcklin "Isla de los muertos", 1880. Su trama se basa en la mitología griega antigua. La pintura inspiró la película de terror del mismo nombre de Jacques Tourneur.

Si ingresa la palabra "dolor" en un motor de búsqueda en línea de cualquier museo internacional, obtendrá muchos resultados. Por ejemplo, en el Reino Unido, una búsqueda de esta palabra clave en el sitio web de la Tate Gallery arrojó 143 obras de arte sobre el tema del dolor y el sufrimiento de diferentes períodos.

Por ejemplo, en el siglo XVIII, los artistas comenzaron a ver el dolor y la tristeza a través del prisma del drama de Shakespeare. Un tema favorito fue la muerte de la hija de King Lear, Cordelia. En el siglo XIX, la increíblemente detallada pintura Ofelia (1851-52) de John Everett Millais, para la que la modelo Elizabeth Siddal posó durante varias horas al día en la bañera durante cuatro meses, es una expresión visual de dolor famosa y muy poética. Representa a una mujer noble danesa de Hamlet de Shakespeare que se volvió loca de dolor por el asesinato de su padre y se ahogó en un arroyo.

El pensador de Rodin

Ian Jenkins, del Museo Británico, cree que El pensador de Rodin debería llamarse The Mourner porque la figura apoyó la barbilla en un puño cerrado, una clara señal de que la persona está retraída y sumergida en su propio dolor.

El dolor fue un tema muy importante para los artistas durante la época victoriana, cuando era popular una compleja "cultura del duelo". En su Art of Death (1991), el historiador de arte Nigel Llewellyn señala que "una impresionante cultura visual de la muerte" fue un sello distintivo del siglo XIX.

"Mujer que llora" de Picasso

En el siglo XX, los artistas continuaron la tradición de sus antepasados victorianos de expresar dolor en sus obras. Quizás el mejor ejemplo sea La mujer que llora de Picasso (1937), que está vinculada a su épico cuadro Guernica del mismo año, pintado durante la Guerra Civil española como respuesta al bombardeo de un avión alemán en una ciudad vasca. Guernica es considerado por muchos como la máxima expresión del dolor colectivo del siglo XX. Por supuesto, hay muchos ejemplos de otras pinturas del siglo XX, cuyo tema está relacionado con la tristeza. Por ejemplo, puede recordar un pequeño cuadro de Lucian Freud, pintado por él en 1973: un retrato de su madre, entristecida por la muerte de su esposo.

"Tríptico" de Francis Bacon

Francis Bacon pintó en el panel izquierdo del Tríptico (agosto de 1972) a su amante George Dyer, que se suicidó

El tríptico de Francis Bacon, que también se exhibe hoy en la Tate, ha logrado tocar el dolor tanto personal como público. Uno de los llamados Trípticos Negros de Bacon fue pintado después del suicidio de su amante George Dyer, cuya imagen se puede ver en el panel de la izquierda. Así, el tríptico es un testimonio inolvidable y muy personal del sufrimiento del pintor (que, por cierto, está representado en el panel derecho).

Naturalmente, dos guerras mundiales del siglo XX no pudieron dejar de tener un impacto en el arte. Los críticos de arte argumentan que la guerra tuvo un efecto profundo en la forma en que los artistas retrataron el dolor, en comparación con el siglo XIX. A diferencia del duelo victoriano, donde las familias individuales experimentaron un dolor individual, casi todas las familias en Europa sufrieron repentinamente.

Memoriales de guerra

Una consecuencia de esto fue un esfuerzo oficial del gobierno para "crear una cultura visual apropiada para el duelo". Las figuras funerarias clásicas y alegóricas tan queridas por los victorianos pasaron de moda. En su lugar había monumentos de guerra que enfatizaban el sacrificio nacional común en lugar de la pérdida de individuos.

El Cenotaph War Memorial cerca de Whitehall, Londres, diseñado por Edwin Lutyens, es un ejemplo arquetípico de este nuevo enfoque: en lugar de figuras humanas, hay un ataúd vacío que puede asociarse con cualquier soldado. Las familias en duelo pueden usarlo como símbolo universal.

Taryn Simon realizó la instalación "Ocupación de la pérdida", a la que asistieron 21 "dolientes profesionales" de diferentes culturas

La versatilidad del duelo sigue siendo un tema abordado por los artistas contemporáneos. A principios de este año, la fotógrafa estadounidense Taryn Simon recibió críticas muy favorables por su instalación en vivo Occupation of Loss, realizada en una sala subterránea en el norte de Londres. Para el trabajo, que se estrenó en Nueva York en 2016, Simon invitó a 21 "dolientes profesionales" de todo el mundo, incluidos Albania, Azerbaiyán, Ecuador, Ghana y Venezuela. La audiencia pudo escuchar a cada una de estas mujeres.