¿Cuál es el secreto de los paisajes de artistas famosos que cargan al espectador de "energía sublime"?

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Las pinturas de paisajes sublimes son uno de los temas más perdurables e icónicos de la historia del arte: desde las torres de ensueño del Renacimiento hasta el romanticismo hirviente del siglo XIX y los experimentos de la modernidad, todo esto evoca una ráfaga de emociones que te hace suspirar. con deleite, disolviéndose en la atmósfera creada por el artista.

El término "sublime" fue definido por el filósofo Edmund Burke en su estudio de 1757 sobre los orígenes de nuestras ideas de lo sublime y lo bello. Burke también llamó lo sublime nada menos que la emoción más poderosa que la mente puede experimentar; no es sorprendente que los artistas buscaran adoptar este estilo para transmitir la belleza del momento capturado.

1. Pieter Bruegel el Viejo

La pintura de Pieter Bruegel el Viejo "Huida a Egipto", de 1563, personifica la sublime pintura de paisajes del Renacimiento del Norte, combinando paisajes impresionantes con narrativas religiosas. Diminutas figuras de María y José caminan por un peligroso acantilado en primer plano, huyendo de la persecución en Belén. El paisaje está íntimamente ligado a su historia, envuelto en la oscuridad y el peligro de lo desconocido. Bruegel buscó contrastar las áreas de inmovilidad y movimiento dentro de esta imagen unificada, pintando rocas y montañas como una constante constante e inmóvil en comparación con el movimiento constante del agua, las personas y los pájaros. Este equilibrio de opuestos entre oscuridad / luz, fragilidad / permanencia y quietud / movimiento ha jugado un papel importante en el arte, donde la pintura de paisajes sublimes se ha convertido en una de las imágenes más perdurables de todos los tiempos.

2. Philip Jacob Lutherburg

El artista británico nacido en Francia Philip Jacob Lutherburg pintó Avalancha en los Alpes en 1803, en un momento en que los pintorescos pero peligrosos Alpes franceses eran un epítome cada vez más popular del sublime paisaje. Además de la pintura, a Philip le gustaba el teatro y era un diseñador de escenarios teatrales, cuyo papel le permitió poner un drama asombroso en sus lienzos a través de una iluminación brillante, profundidad y movimiento.

En su pintura alpina, las distantes montañas francesas comienzan a desmoronarse en una avalancha, "arrojando" terriblemente enormes nubes de polvo y humo en el escenario y oscureciendo el cielo. Un destello de luz blanca en el centro llama la atención sobre figuras diminutas y asustadas de personas que literalmente se congelaron frente a las piedras que caían alrededor. La trama de esta imagen es hermosa y terrible, tanto que el espectador permanece inmóvil durante varios minutos, observando con atención y fascinación lo que está sucediendo.

3. Joseph Mallord William Turner

Blizzard: Hannibal and His Army Crossing the Alps, 1812, personifica la agonizante belleza de la era romántica con monstruosas nubes de tormenta curvas que se ciernen sobre las personas pequeñas que se encuentran debajo. Dedicado a Hannibal Barca, comandante del ejército cartaginés en 200-100 a. C., la pintura muestra a los soldados de Hannibal tratando de cruzar los Alpes en 218 a. C., con tribus salatianas luchando contra la retaguardia de Hannibal.

Aquí, la tormenta se convierte en una poderosa metáfora de la lucha que amenaza la vida, ya que las nubes negras y pesadas forman un vórtice aterrador y arremolinado que repele a los soldados diminutos e indefensos. En la distancia, el sol es una bola brillante de luz hechizante, un rayo de esperanza en medio de la tragedia de la guerra. Pero aparte de las referencias narrativas, este sublime paisaje de Turner es, en última instancia, un reflejo de la pura y destructiva crueldad de la naturaleza que amenaza con engullir despiadadamente a las personas de abajo.

4. Caspar David Friedrich

Una de las pinturas de paisajes más icónicas y sublimes de todos los tiempos, El vagabundo sobre el mar de niebla, del artista alemán Caspar David Friedrich, de 1817, encarna el espíritu soñador e idealista del romanticismo europeo. De pie solo sobre una roca alta y oscura, la figura masculina contempla su lugar en el universo mientras la niebla se arremolina sobre valles y montañas distantes. Frederick convierte el paisaje sublime aquí como una localidad inhóspita e incomprensible, que refleja el encanto del siglo XIX de la naturaleza salvaje y desenfrenada.

A diferencia de otros artistas de la época, que buscaban crear pequeñas figuras para enfatizar la grandeza del paisaje, Friedrich le da a su figura un papel central, dejándola completamente anónima, permitiendo así al espectador sumergirse lo más posible en el misterioso paisaje neblinoso..

5. Karl Eduard Biermann

Mount Wetterhorn de Karl Eduard Biermann, 1830, encarna el estilo paisajístico sublime del artista alemán, con un terreno vasto y accidentado rodeado de una espectacular iluminación teatral. El primer plano rocoso está cuidadosamente pintado en ricos tonos oscuros de verde y marrón, lo que lleva al espectador a una franja de árboles y rocas que desaparecen en la sombra negra. Al fondo, la épica cordillera está iluminada por un rayo de sol, acentuando sus agujas heladas como un lugar místico e inalcanzable, mientras las nubes pululan en lo alto como si amenazaran con estallar en una tormenta.

Como muchos pintores románticos, Birman enfatiza el asombro, la sorpresa y la escala aterradora de la escena al colocar dos diminutas figuras en primer plano que permiten al espectador imaginarse a sí mismo en el lugar de los personajes principales, tratando de escalar rocas irregulares y hierba pantanosa, mientras como una cascada pasa junto a ellos en los reflejos de la luz.

6. Arnold Böcklin

Una de las pinturas de paisajes más sublimes jamás creadas, La isla de los muertos del artista alemán Arnold Böcklin, 1880, representa una isla imaginaria que se eleva desde el mar contra un cielo oscuro. El cuadro fue encargado por una viuda que pidió el cuadro "para soñar". En respuesta a su pedido, el artista dotó a su obra de matices de muerte y duelo. En primer plano, una figura blanca fantasmal se dirige hacia la isla en un pequeño bote de remos junto a un objeto que parece un ataúd.

El remero se compara con el antiguo personaje griego Caronte el barquero, que transportaba las almas de los muertos a través del río Estigia hasta el Hades. Filas de cipreses amenazadoramente oscuros, tradicionalmente asociados con cementerios, se extienden a lo largo de la isla, y rocas luminosas dentadas detrás de ellos parpadean con puertas y ventanas graves. A diferencia de muchos paisajes sublimes, un silencio inquietante impregna la escena, dándole esa atmósfera profunda y misteriosa. El propio Böcklin incluso describió el trabajo como "tan silencioso que una persona se asustaría si escuchara un golpe en la puerta".

7. Edvard Munch

Edvard Munch creó White Night en 1901 en su carrera posterior, en un momento en que abandonó la figuración en favor de los paisajes atmosféricos, pero permaneció la misma ansiedad generalizada de su arte temprano. Esta sublime pintura de paisaje representa a su Noruega natal en medio del invierno, mirando hacia abajo a través de árboles amenazadoramente oscuros hacia un fiordo helado. El bosque de abetos forma un borde irregular, afilado como una hoja de sierra, una advertencia de hielo peligroso detrás de él.

Los árboles negros en primer plano se asemejan a rostros o criaturas fantasmales, pero apenas son visibles al amparo de la noche. Combinando la brillante luz de la luna con estas cualidades de peligro y amenaza, la escena invernal nocturna de Munch captura la sublime belleza del invierno noruego. Al reflexionar sobre cómo sus escenas de paisajes podrían combinar la observación con una mente interior, Edward escribió:

8. Axeli Gallen-Kallela

El lago Keitele de Akseli Gallen-Kallela, 1904, muestra el famoso lago finlandés como un fascinante espejo luminoso atravesado por corrientes de viento en zigzag. La pintura fue pintada en un momento en que había un creciente deseo de independencia en toda Finlandia. Esta sublime pintura de paisaje, que celebra la gran vida salvaje virgen del país, se ha convertido en un poderoso símbolo del nacionalismo y el orgullo finlandeses. Aunque no hay señales de vida humana aquí, las corrientes naturales de tráfico visibles a través del agua eran una característica bien conocida del lago.

Estos carriles eran tan conocidos históricamente que en la antigua cultura finlandesa estaban asociados con el personaje mitológico Väinämöinen, de quien se decía que dejaba ondas mientras viajaba por el lago. Estas sutiles representaciones del movimiento tenían un gran simbolismo nacionalista para Gallen-Kallela, celebrando la misteriosa y enigmática belleza de la antigua cultura finlandesa y sus estrechos vínculos con la tierra. Los describió así:

9. Thomas Moran

El pintor estadounidense Moran, uno de los líderes de las Escuelas de Hudson y las Montañas Rocosas, estaba tan fascinado por la peligrosamente hermosa campiña virgen de Colorado que se sumergió profundamente en la campiña y la atmósfera circundante, donde antes que él pocos se atrevían a pintar más de treinta escenas que representan este paisaje único y sublime.

El Gran Cañón de Colorado captura una visión idealizada y romantizada del Gran Cañón, con rocas afiladas que caen y desaparecen en la luz antes de desaparecer en el horizonte distante cuando una tormenta inminente se acelera en lo alto. Los espectadores quedaron tan deslumbrados por las representaciones de Moran del gran desierto estadounidense que hoy se le atribuye haber influido en la creación de un sistema de parques nacionales que preservó la integridad del majestuoso paisaje de Estados Unidos.

10. Peter Doig

La chaqueta de esquí de 1994 del artista escocés Peter Doig es un aluvión de energía y movimiento nevados. Basado en una imagen fotográfica de estudiantes esquiadores esparcidos por una montaña japonesa, Doig distorsiona y degrada deliberadamente la imagen original partiéndola en dos por la mitad y uniéndolos nuevamente para crear un espeluznante efecto de espejo de Rorschach.

Doig es bien conocido por mezclar material fotográfico con letreros pictóricos, lo que permite que dos estilos en conflicto jueguen entre sí, como se ve en esta imagen, donde los árboles cuidadosamente pintados están rodeados por franjas ligeramente superpuestas de rosa, blanco y verde. Estas transiciones de pintura acuosa sugieren las propiedades frías y resbaladizas del hielo y la nieve que impregnan la imagen y le dan una ambigüedad peligrosa, lo que aumenta el miedo de los esquiadores diminutos que se enfrentan al terreno escarpado y traicionero que los rodea.

Continuando con el tema, lea también sobre obras de las que los artistas españoles son más apreciados en todo el mundo y esa fue la razón principal.