Por qué 32 pinturas de Andy Warhol, que presentaban solo latas de sopa, se convirtieron en una sensación artística

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

9 de julio de 1962 artista poco conocido Andy Warhol abrió una pequeña exposición en la Ferus Gallery de Los Ángeles. El tema de la exposición fue simplemente una explosión de ideas: ¡eran latas de sopa! Cada una de las treinta y dos pinturas representa diferentes sabores y aromas de las sopas Campbell, que van desde el tomate hasta el pimiento y la crema de apio. ¿Qué significado le dio el artista a estas obras? ¿Cuál es el secreto del éxito sensacional y el reconocimiento universal?

Para Warhol, que entonces tenía treinta y cuatro años, esta fue la primera exposición individual de pintura. Para entonces, había sido un artista comercial líder durante casi una década, trabajando con imperios comerciales como Tiffany & Co. y Dior. Andy estaba decidido a convertirse en un artista "real", reconocido por museos y críticos. ¿Su arma secreta? El estilo emergente del "arte pop".

¿Qué significan las imágenes de la sopa?

El arte pop puso patas arriba el arte tradicional. En lugar de retratos, paisajes, escenas de batalla u otros objetos que los expertos consideraban "arte", artistas como Warhol tomaron imágenes de anuncios, cómics y otros elementos de la cultura popular. Utilizaron el humor y la ironía para comentar cómo la producción en masa y el consumismo llegaron a dominar la vida y la cultura estadounidenses (y no estadounidenses).

Los artistas abstractos de la década de 1950, como Jackson Pollock, podían glorificarse a sí mismos como genios creativos e individualistas. Los artistas de la década de 1960 adoptaron el enfoque opuesto. Intentaron suavizar o eliminar todo rastro de sus propios procesos artísticos, por ejemplo, las pinceladas. Siempre intentaron hacer que su trabajo se sintiera casi mecánico, como el artículo producido en masa que ella retrataba. Casi.

Para pintar la lata de sopa Campbell's, Warhol proyectó la lata de sopa en su lienzo en blanco, delineó el contorno y los detalles y luego lo llenó cuidadosamente con pinceles y pinturas. Para mantener la coherencia, usó un sello de mano para dibujar un patrón heráldico alrededor del borde inferior de cada etiqueta, pero no siempre funcionó bien. Pequeños detalles, diminutos puntos rojos en el cuadro Sopa de tomate, el lirio heráldico estampado irregularmente en otros, delataban el origen artesanal de los cuadros. Utilizando técnicas de arte visual para representar objetos cotidianos, Warhol atrapó una controversia significativa en el arte pop. Si bien se suponía que debían verse como si hubieran sido hechos mecánicamente, cada pintura era ligeramente diferente, y no solo la etiqueta.

Hay una cosa en común que tienen en común las treinta y dos pinturas. En lugar de detallar el intrincado medallón en el centro de la etiqueta de cada lata, que representa la "medalla de oro por la calidad" que ganó la sopa Campbell en la Exposición de París de 1900, Warhol la reemplazó por un simple círculo dorado. El biógrafo de Warhol, Blake Gopnik, lo pensó de esta manera: “¿Es solo porque otras pinturas no se quedan bien con el oro? ¿O es porque se necesita demasiado esfuerzo para conseguir medallas de verdad? ¿O tal vez simplemente le gustó el sello gráfico del círculo dorado?"

El efecto gráfico y la atmósfera de nostalgia pueden ser dos razones por las que Warhol eligió la línea de productos Campbell como su icono pop. El diseño clásico de la etiqueta ha cambiado poco desde su debut a principios del siglo XX. Incluyendo la hogareña cursiva "Campbell", que según el archivero de la empresa era muy similar a la firma del fundador Joseph Campbell. Y el propio Warhol creció con la sopa Campbell. "Me lo comí. El mismo almuerzo durante veinte años”, dijo.

Cómo las pinturas vieron la luz por primera vez

Cuando se inauguró la Exposición de Warhol en 1962, la cultura pop estaba en su infancia. La gente no tenía idea de qué hacer con el arte, que era tan diferente de todo lo que se suponía que era el arte.

Primero, Irving Blum, uno de los propietarios de la galería Ferus, decidió exhibir las pinturas en estantes estrechos a lo largo de la galería, como en el pasillo de un supermercado. "Los bancos están en los estantes", dijo más tarde sobre su instalación. ¿Por qué no?

El espectáculo no causó el impacto que esperaban Blum y Warhol. De hecho, la poca respuesta que se recibió del público o de los críticos de arte fue bastante dura. "Este joven 'artista' es un tonto tonto o un charlatán terco", escribió un crítico. Una caricatura en Los Angeles Times se burla de las pinturas y de su público objetivo. "Francamente, la crema de espárragos no me funciona", le dice un amante del arte a otro, de pie en una galería. "Pero la horrible riqueza de los fideos de pollo me da una genuina sensación de zen". El marchante de arte junto a la Galería Ferus fue aún más agudo. Dejó latas reales de sopa Campbell en su ventana, junto con la leyenda: “No se deje engañar. Obtén el original. Nuestro precio más bajo es dos por 33 centavos ".

A pesar de todo esto, Blum logró vender cinco pinturas, en su mayoría a amigos, incluido el actor Dennis Hopper. Pero incluso antes de que cerrara el espectáculo, repentinamente cambió de opinión. Al darse cuenta de que las pinturas eran las más adecuadas para un juego completo, Blum compró las que vendió. Aceptó pagarle a Warhol 1.000 dólares por todo. Warhol estaba encantado, siempre pensó en Campbell's Soup Cans como un set. Tanto para el artista como para el marchante, esta decisión fue un movimiento "complicado" que dio sus frutos en el futuro.

¿Por qué las pinturas se convirtieron en tal sensación?

Una vez que el público y los críticos superaron el impacto, comenzaron a madurar hasta convertirse en las latas de Warhol. Primero, fue una idea nueva en el arte. ¿Qué tan difícil es entender una pintura si el original probablemente esté en el estante de la cocina? Los críticos comenzaron a notar el humor astuto e irónico en los "retratos" de Warhol de Scotch Broth y Chicken Gumbo. Y la decisión de Blum de mantener las pinturas juntas aumentó su influencia.

La exposición en la Ferus Gallery marcó un punto de inflexión en la carrera de Warhol. Después de Campbell's Soup Cans, Warhol pasó del dibujo a la serigrafía, un proceso que produjo más resultados mecánicos y le permitió crear múltiples versiones del mismo trabajo. Su reputación siguió creciendo. Para 1964, el precio de venta de una pintura de lata de sopa que faltaba en el set de Blum había aumentado a $ 1,500, y los miembros de la alta sociedad de Nueva York usaban latas de sopa para imprimir vestidos de papel hechos a medida por el propio Warhol.

La propia Campbell's Soups pronto se unió a la diversión. A fines de la década de 1960, la compañía aprovechó la fantasía entonces popular de los vestidos de papel con un vestido Souper y un pequeño bolso cubierto con etiquetas de sopa al estilo Warhol. Cada vestido tenía tres franjas doradas en la parte inferior, por lo que el usuario podía cortar el vestido a la longitud perfecta sin cortar el patrón de lata. Precio: $ 1 y dos etiquetas de sopa Campbell.

Hoy en día, las latas de sopa de Warhol siguen siendo un ícono de la cultura pop, desde platos y tazas hasta corbatas, camisetas, tablas de surf y tablas de skate. Una de las fotografías más llamativas involucró al propio Warhol: en la portada de Esquire en mayo de 1969, se estaba ahogando en una lata de sopa de tomate Campbell.

Al final, las latas de Warhol fueron reconocidas por el Museo de Arte Moderno como dignas de ser llamadas arte. En 1996, el museo compró las treinta y dos pinturas de Irving Blum por 15 millones de dólares cósmicos, un sorprendente retorno de su inversión de 1.000 dólares en 1962. Incluso el vestido Souper ha sido declarado clásico. En 1995, un año antes de que las pinturas llegaran al Museo de Arte Moderno, ingresaron a la colección del Museo Metropolitano de Arte.

El arte nos hace detenernos a pensar, pero ¿qué quería decir realmente el artista? A menudo sucede que simplemente nos golpea en el corazón, despertando admiración por la habilidad del creador de la obra maestra. Lea nuestro articulo cuál es el secreto de los frescos "astutos" del siglo XVII en la iglesia romana de San Ignacio: tecnologías 3D del pasado.