Por qué la pintura "Entierro" fue la única obra de Caravaggio, que los críticos y la iglesia admiraron

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

El Entierro es la única pintura de Caravaggio que ha recibido elogios unánimes de la crítica. Además, este es el primer trabajo que la iglesia aceptó sin demoras y ajustes. Los artistas de esa época copiaron muchas veces la obra de Caravaggio. Hay al menos 44 copias conocidas, una de las cuales pertenece a Paul Cezanne.

Evaluación de la sociedad

Incluso los críticos más empedernidos (Ballione y Bellori) admiraban la "posición en la tumba" de Caravaggio. Con una cascada diagonal de dolientes y llevando el cuerpo del Cristo muerto, esta pintura de contrarreforma refleja tanto una revolución en la pintura como un verdadero duelo. Caravaggio se encuentra entre los mejores artistas de todos los tiempos por su enfoque ultranaturalista del arte barroco.

El "Entierro" es tan trágico como la "Piedad" de Miguel Ángel, en la que Caravaggio se inspiró claramente y sobre la base de la cual creó su propia obra maestra. Así se desarrolló la vida de un artista barroco que los críticos de arte se enteraron de su biografía de fuentes de registros policiales. A partir de estos documentos, el mundo se enteró de que Caravaggio tenía un carácter irascible, podía ser cruel con los demás, a menudo era arrestado y encarcelado por ataques. Caravaggio aparece en los registros policiales por delitos menores, como portar un arma sin permiso, y por delitos más graves cuando estuvo involucrado en peleas violentas. ¡Una vez incluso fue interrogado por insultar a una mujer y a su hija! Es inconcebible que un pintor tan talentoso pueda matar a un hombre por una apuesta y pasar los últimos años de su vida huyendo de la policía. ¿Son ciertas todas estas historias? Entonces seguirá siendo un misterio.

Héroes

La pintura es un grupo figurativo muy compacto de seis personajes, incluido el cuerpo del Cristo muerto. La mitad superior del cuerpo de Cristo está sostenida por Juan el Evangelista (con un manto rojo). Su mano derecha toca la herida de Cristo. La mitad inferior está sostenida por San Nicodemo, quien tradicionalmente quitó los clavos de los pies de Cristo en la cruz. Nicodemo es el personaje dominante en la pintura, y su cuerpo es el ancla compositiva y espiritual del lienzo. Constantemente mira al espectador desde el plano de la imagen, casi obligándolo a intervenir en el ritual. Los dos héroes del grupo en duelo llevan con cuidado el cuerpo de Cristo a la tumba-cueva, apenas visible en la oscuridad a la izquierda.

Detrás de los dos hombres: la madre de Cristo, María, María Magdalena, enjugándose las lágrimas con un pañuelo blanco, y María de Cleofes, que levanta las manos al cielo en un gesto de dolor desesperado. Juntas, las tres mujeres representan expresiones de sufrimiento diferentes y complementarias. Con esta obra, Caravaggio creó una imagen sorprendentemente monumental y dramática, que se enfatiza con un pronunciado claroscuro.

Gestos de héroe

El artista transmitió hábilmente la tragedia de la trama a través de los gestos de los héroes. Es imposible no prestar atención al gesto de Nicodemo abrazando las piernas de Jesús. O San Juan tocando la herida de Cristo con los dedos. Y aquí está María Magdalena, bendiciendo a Cristo y extendiendo sus brazos para abrazar a todo el grupo. Es importante tener en cuenta: en el trabajo de Caravaggio, siempre debe prestar atención a las manos. Ocultan el mensaje del artista hasta los momentos más culminantes. Con mucho, el detalle más importante de la trama es la mano derecha sin vida de Cristo colgando. De gran importancia fue la dirección de las manos en la "Conversión de San Pablo en el camino de Damasco" (al cielo), en la "Llamada de San Mateo" (a Leví). En la misma obra, la mano que cae del Hijo del Hombre toca la piedra. Y la mano de María afligida hace un gesto hacia el cielo (clama misericordia). En cierto sentido, este fue el mensaje de Cristo: Dios descendió a la tierra y la humanidad se reconcilió con el cielo. Las manos levantadas de María Cleofé se asemejan a un gesto similar de consentimiento de San Pablo. Su rostro, el único después del rostro de Cristo, está completamente iluminado y mira hacia arriba. Y sus ojos parecen estar buscando una respuesta divina a la situación actual.

Técnica de composición y sombreado

Si en el Alto Renacimiento la composición tiene una forma piramidal estable, entonces en el arte barroco son diagonales y, a veces, diagonales que se cruzan en la forma de la letra X. La composición diagonal es una característica muy común del arte barroco. En El entierro, Caravaggio organizó la composición para que pareciera que el cuerpo de Cristo se bajaba directamente al espectador. Una de las tareas más importantes del arte barroco es atraer al espectador. El artista le da al espectador la oportunidad de sentirse en el mismo epicentro de una trama religiosa. El cuerpo de Cristo parece verdaderamente muerto, las figuras luchan por soportar el peso de su cuerpo y sumergirlo suavemente en la tumba.

Otra de las principales características del arte barroco es la destrucción de la barrera entre el espacio del espectador y el espacio del cuadro, por lo que el espectador muchas veces se siente cómplice de la trama. Los pintores barrocos suelen utilizar el escorzo. También aquí, en "El lugar en el ataúd", todo se encuentra muy cerca del espectador. Este es el cuerpo de Cristo, tan cerca que puedes sentirlo e incluso tocarlo. Y muy cerca del espectador está la protuberancia de la tumba, que borró todos los límites y pasó al espacio del espectador.

Uno de los momentos icónicos de la obra de Caravaggio es la oscuridad. El maestro demostró un dominio absoluto de la luz y la oscuridad, utilizando la técnica del claroscuro para agregar volumen a sus figuras y el tenebrismo para dar a sus pinturas un verdadero drama. Posteriormente este estilo de "caravaggismo" sería copiado por algunos de los grandes maestros antiguos como Rubens, Rembrandt y Vermeer. Caravaggio pintó esta escena como si tuviera lugar en la más absoluta oscuridad con las luces encendidas en las figuras. Sin fondo, solo oscuridad. La impresión es muy dramática. No hay arquitectura, no hay paisaje y, por lo tanto, el espectador logra enfocarse en los personajes mismos en el primer plano de la imagen. En su ubicación, el grupo es compacto y monumental, como una escultura. Una recesión ligeramente diagonal hacia la izquierda indica la dirección de su movimiento y evita que la trama se vuelva estática, al igual que el borde afilado de la cubierta de piedra de la tumba en la que se encuentran. Esta losa de piedra se refiere iconográficamente a Cristo como el fundamento de la Iglesia.

El Entierro es el retablo más monumental y admirable de Caravaggio, pintado para la Iglesia de Santa María en Vallichella en Roma. El artista recibió un pedido de Alessandro Vittrice en 1601. El original forma parte actualmente de la colección del Museo del Vaticano y una copia cuelga en la Capilla della Pieta. A pesar de su merecida fama de "genio malvado", Caravaggio fue sin duda el más grande de todos los artistas barrocos italianos de principios del siglo XVII.