Por qué al insuperable Diego Velázquez se le llama el "artista de la verdad"

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

La importancia de su arte en el desarrollo de la pintura mundial es invaluable, y su legado creativo sirvió como fuente de inspiración para los destacados maestros franceses del siglo XIX. Kramskoy, Surikov y Serov cantaron críticas favorables sobre él. Los amantes del arte español deben haber adivinado que estamos hablando del insuperable Diego Velázquez.

Biografía

El mayor pintor de la escuela española nació en Sevilla en 1599. Pudo obtener una buena educación. Desde pequeño, creció como un niño curioso y bien entrenado, rápidamente aprendió a leer y desde muy joven comenzó a coleccionar su propia biblioteca, que al final de la vida del artista se convirtió en una colección monumental. A juzgar por los temas de los libros y manuscritos de esta biblioteca, Velázquez a lo largo de su vida se interesó seriamente por la literatura, la arquitectura, la historia, la filosofía, las matemáticas y la astronomía, leídas en latín, italiano y portugués. A los 12 años, Diego Velázquez finalmente decidió convertirse en artista. Comenzó a trabajar en el taller sevillano de Francisco Herrera el Mayor, y luego en el taller del artista Francisco Pacheco. En 1623, el artista fue invitado a la corte del rey Felipe IV para servir como pintor de la corte.

Trabajar en el palacio

Aunque en su actividad principal Velázquez siguió siendo uno de los pintores de la corte más famosos del rey de España, ganó la mayor fama gracias a su progresivo retrato y pintura temática. Fue en este género que ganó el estatus de un "artista de la Verdad" como un maestro de alta nobleza espiritual y sutil intelectualidad. Trabajando en la corte, Velázquez logró preservar la libertad interior y la dignidad humana. No subordinó su trabajo a los caprichos y gustos de los clientes nobles. Trabajando en los retratos, el artista estaba sinceramente interesado tanto en transmitir los rasgos de un hombre común como en alabarlo. Logró crear obras extremadamente individualistas e impresionantes. Velázquez sigue siendo uno de los artistas más importantes del "Siglo de Oro" español y de la pintura mundial en general.

Datos interesantes sobre Velázquez

A pesar de la abundancia de obras por orden real, el artista encontró tiempo para pintar retratos de la trama de personas y escenas comunes (ya sean hilanderos, bufones, sirvientes, etc.). Teniendo un alto estatus como artista de la corte, Velázquez logró reprimir las influencias externas de la opinión pública, que consideraba esta obra degradante, derrochadora o sin sentido, y creó lienzos verdaderamente irresistibles.

La sencillez del artista se reflejaba en sus obras: el estilo pictórico del maestro español era de naturaleza fotorrealista y estaba muy adelantado a su tiempo. Desarrolló sus propias técnicas para representar con precisión detalles y matices, incluido el uso de gradientes de luz, color y forma. No en vano se le llama el antepasado de los impresionistas y realistas.

Velázquez era un maestro en el uso del claroscuro (manipulación de luces y sombras) para crear un alto contraste. Usó esta técnica para resaltar momentos de particular importancia para el espectador y establecer una composición atmosférica general.

Por cierto, la composición fue para Velázquez una herramienta estratégica para gestionar la atención del espectador desde el punto de vista de su propia idea. Con este fin, a menudo utilizó líneas diagonales y horizontales y puntos focales complejos para dirigir la mirada del observador a la figura más importante.

Meninas

La obra maestra de Velásquez "Meninas" se ha convertido en una de las obras más analizadas de la pintura. En la pintura, el maestro representó su propio autorretrato en el papel de sí mismo. Colocándose como un artista en la escena privada cotidiana junto con la realeza, señaló no solo la posición del artista como una persona a la que se le permite ver momentos de intimidad incluso en la familia del rey, sino que también eleva el papel de este. profesión en esos tiempos difíciles.

Cargador de agua

Alrededor de 1620, Velázquez pintó El portador de agua, un retrato de un anciano pobre con una túnica marrón andrajosa que sirve un vaso de agua cristalina a un niño en la calle. Gotas de agua brillan en la superficie cremosa de un enorme recipiente de barro lleno de agua. Velázquez pintó el lienzo a una edad muy joven (20 años), pero logró transmitir con genialidad la idea más importante: a pesar de su pobreza, el aguacero tiene un alma cristalina, como el agua gracias a la cual gana un centavo por un viviendo. Los colores toscos y la gentil humanidad de la pintura transmiten perfectamente la profundidad de la compasión del artista.

Auto retrato

El autorretrato fue pintado por el artista a los cuarenta años, durante el apogeo de su talento y en los mismos años en que sus contemporáneos comenzaron a llamar a Velázquez "el artista de la verdad".

Retrato de Juan de Pareja

Juan de Pareja era un sevillano de ascendencia morisca y sirviente de un artista. Trabajó en el taller de Velázquez desde la década de 1630. El propio Parekha era un artista talentoso. El retrato demuestra la fuerza, el aplomo y el orgullo del héroe a pesar de su condición de esclavo. La paleta se elige sorprendentemente: los tonos grises generales de la ropa contrastan con los tonos más cálidos del rostro. La mirada es fuerte, decidida y expresiva. El retrato transmite un abrumador sentido de dignidad humana. El collar es de particular importancia aquí: lujoso y caro, es una composición cremosa deslumbrantemente rica. Esto, por supuesto, no es un atributo de la ropa de la clase baja, y aquí es un símbolo de libertad. Velázquez trató a Pareja con la misma solemnidad y respeto que se muestra en el retrato. La pintura es un testimonio significativo del amor de Velázquez por la imagen de la grandeza y la pureza de una persona común. Lo que es significativo: inmediatamente después de la finalización del retrato, el artista le otorgó la libertad a su amigo.

Retrato del Papa Inocencio X

Velázquez estudió retratos anteriores de papas de Rafael y Tiziano, pero pintó la imagen del Papa Inocencio X exactamente como lo vio: un anciano cauteloso y suspicaz que vigilaba el mundo. La magistral escritura de detalles y decoraciones de Velázquez es asombrosa: seda, lino, terciopelo, oro, texturas. El uso de luz con diferentes tonos de rojo y blanco crea una atmósfera de poder y poder del gobernante. En el retrato, el Papa Inocencio X aparece tan severo y cruel que a los conocidos de Velázquez les preocupaba que el Papa no estuviera contento con la obra. Al ver su retrato, le dijo al artista: "Demasiado cierto", pero al final aprobó el resultado.

Como otros grandes maestros, Velázquez fue el creador de su época, e independientemente del tema de su obra, ya sea una representación de dioses, reyes o aristócratas, enanos o artistas, su obra sigue viva después de su muerte. De hecho, Velázquez ha sido considerado por algunos de los artistas más destacados de la historia como su ídolo. Entre estos artistas estaban Paul Cezanne, Edouard Manet y Pablo Picasso, entre otros, y fue el talento y la pasión del artista por introducir nuevas técnicas en la pintura lo que convirtió a Velázquez en uno de los mejores artistas del mundo.

La creatividad de los grandes artistas es atemporal. Prueba de esto es la historia cómo Velázquez y Goya inspiraron al modisto más atrevido del siglo XX a crear alta costura.