Cómo 7 grandes pintores expresionistas conquistaron el mundo, cuyas obras son apreciadas en todo el mundo: Munch, Kandinsky, etc

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

El trabajo de los artistas expresionistas es un misterio tan difícil de resolver, y las imágenes que crean son tan multifacéticas y contradictorias que, mirándolas, hay un lugar para que la imaginación deambule. El énfasis en los colores, las líneas discontinuas y los trazos rasgados es solo una pequeña parte de lo que, desde los primeros segundos, atrae la atención del espectador, llevándolo al excéntrico mundo del arte, donde no todo es tan simple como parece a primera vista., porque cada cuadro tiene su propia historia, y cada artista tiene su propio estilo insuperable y reconocible, que se ha convertido en una tarjeta de visita durante siglos …

1. Edvard Munch

Edvard Munch, que nunca se casó, llamaba a sus cuadros sus hijos y odiaba estar separado de ellos. Viviendo solo en su finca cerca de Oslo durante los últimos veintisiete años de su vida, cada vez más venerado y cada vez más aislado, se rodeó de trabajos que se remontan al comienzo de su larga carrera. Tras su muerte en 1944, a los ochenta años, las autoridades encontraron tras puertas cerradas en el segundo piso de su casa una colección de más de mil cuadros, cuatro mil quinientos dibujos y casi quince mil quinientos grabados, como así como xilografías, aguafuertes, litografías, piedras litográficas, xilografías, placas de cobre y fotografías. Sin embargo, en la última ironía de su difícil vida, Munch es conocido hoy como el creador de una imagen que eclipsó su logro general como artista y grabador pionero e influyente.

Su Grito es un ícono del arte moderno, una pintura que representa a una criatura asexual y retorcida con rostro fetal, boca bien abierta y ojos bien abiertos en un grito de horror, recreó una visión que se apoderó de él una noche en su juventud cuando caminaba. con dos amigos, en el atardecer.

En Ackley, se dedicó a la pintura de paisajes, retratando el campo y la vida agrícola a su alrededor, primero con colores alegres y luego con colores más oscuros. También volvió a sus imágenes favoritas, creando nuevas versiones de algunas de las pinturas.

En los últimos años de su vida, el artista apoyó económicamente a los sobrevivientes de su familia y se comunicó con ellos por correo, prefiriendo no visitarlos. Pasó la mayor parte de su tiempo solo, describiendo el sufrimiento y la humillación de sus años avanzados. Cuando fue golpeado por una gripe casi fatal durante la Gran Pandemia, capturó su figura delgada y barbuda en una serie de autorretratos tan pronto como pudo agarrar un pincel.

Además, pintó una serie de autorretratos, en uno de ellos titulado "Entre el reloj y la cama", que datan de 1940-1942, poco antes de su muerte, el espectador ve qué fue de un hombre que, como escribió, se quedó atrás de "Danza de la vida".

Congelado y físicamente incómodo, se para entre el reloj de su abuelo y la cama, como si se disculpara por ocupar tanto espacio. En la pared detrás de él estaban sus "hijos", uno encima del otro. Como padre devoto, sacrificó todo por ellos …

2. Wassily Kandinsky

Uno de los pioneros del arte abstracto contemporáneo, Wassily Kandinsky utilizó la relación evocadora entre el color y la forma para crear una experiencia estética que involucró la vista, el sonido y las emociones del público. Creía que la abstracción completa permite una expresión profunda y trascendental y que copiar de la naturaleza solo interfiere con este proceso.

Muy inspirado por la creación de arte que transmitiría un sentido universal de espiritualidad, introdujo un nuevo lenguaje pictórico que solo conectaba vagamente con el mundo exterior, pero expresaba mucho sobre la experiencia interior del artista. Su vocabulario visual se desarrolló en tres etapas, pasando desde los primeros lienzos representativos y su simbolismo divino hasta sus composiciones entusiastas y operísticas, así como sus posteriores representaciones geométricas y biomórficas en colores planos. El arte y las ideas de Vasily han inspirado a generaciones de artistas, desde sus estudiantes en la Bauhaus hasta los expresionistas abstractos después de la Segunda Guerra Mundial.

3. Egon Schiele

Con su estilo gráfico característico, abrazando la distorsión figurativa y el desafío audaz de las normas de belleza convencionales, Egon Schiele fue una de las figuras principales del expresionismo austriaco.

Sus retratos y autorretratos, ardientes estudios de la psique y la intimidad de sus modelos, son algunas de las obras más impactantes y memorables del siglo XX. El artista, sorprendentemente prolífico durante su corta carrera, es famoso no solo por su obra rica en psicología y erótica, sino también por su intrigante biografía: su estilo de vida licencioso está marcado por el escándalo, la notoriedad y una muerte trágicamente prematura a causa de la gripe a la edad de 19 años. veintiocho, tres días después, después de la muerte de su esposa embarazada, y en un momento en que estaba al borde del éxito comercial que lo eludió durante la mayor parte de su carrera.

Egon fue una figura clave en el desarrollo del expresionismo en la pintura. Ha escrito una cantidad fenomenal de autorretratos y ha completado más de tres mil dibujos. Su trabajo a menudo tiene un contenido emocional intenso además de una exploración franca del cuerpo humano. Trabajó junto a Gustav Klimt y Oskar Kokoschka, otros artistas austriacos clave de la época.

La corta pero fructífera carrera artística de Egon, el contenido erótico explícito de su obra y las acusaciones de acoso íntimo lo convirtieron en objeto de numerosas películas, ensayos y representaciones de danza, y el Museo Leopold de Viena tiene la mayor colección de obras de Schiele: más de doscientas exhibiciones.

4. Marc Chagall

Las obras de Chagall están impregnadas de su herencia judía, y a menudo incluyen recuerdos de su hogar en Vitebsk, Bielorrusia, y su cultura popular. Como regla general, el artista siempre volvió a estos temas. Algunos argumentan que su estilo de pintar después de la guerra fue más comedido, melancólico, incluso retrocedió en el tiempo hacia el posimpresionismo, pero, como siempre, su obra fue completamente única, realizada con un estilo propio e inimitable. Mark ha combinado elementos de muchas escuelas de arte moderno a lo largo de su carrera, incluidos el cubismo, el fauvismo, el simbolismo, el surrealismo, el orfismo y el futurismo. Sin embargo, su trabajo reveló niveles más profundos de resonancia, estética emocional lírica, música y cultura, una comprensión profunda e interna de la herencia judía.

En 1985, Chagall murió y fue enterrado en Francia. En el momento de su muerte, dejó varias de sus extensas colecciones en varios campos y estilos de arte. El trabajo de Mark demuestra una comprensión magistral del color y una profunda resonancia emocional, que es quizás la razón por la que su trabajo sigue siendo tan popular en la actualidad.

Su contribución al mundo del arte del siglo XX es una que muy pocos artistas pueden reclamar.

5. Paul Klee

Paul era ambicioso e idealista, pero mantuvo un perfil bajo y tranquilo. Creía en la evolución orgánica gradual de los eventos en lugar de forzar el cambio, y su enfoque sistemático del trabajo se hacía eco de este enfoque metódico de la vida.

Era principalmente dibujante (zurdo, por cierto). Sus dibujos, a veces muy infantiles, eran muy precisos y controlados.

Klee fue un gran observador de la naturaleza y los elementos naturales, lo que fue una fuente inagotable de inspiración para él. A menudo obligaba a sus estudiantes a observar y dibujar ramas de árboles, el sistema circulatorio humano y acuarios con peces para estudiar su movimiento.

No fue hasta 1914, cuando Paul fue a Túnez, que comenzó a comprender y explorar el color. Además, en sus estudios de color se inspiró en su amistad con Kandinsky y en las obras del artista francés Robert Delaunay. Paul aprendió de Delone lo que puede ser el color cuando se usa de una manera puramente abstracta, independientemente de su función descriptiva.

El artista también fue influenciado por sus predecesores como Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc y otros miembros del grupo Blue Rider, quienes creían que el arte debía expresar lo espiritual y lo metafísico, y no solo lo que se ve y tangible.

A lo largo de su vida, la música tuvo una gran influencia, manifestándose en el ritmo visual de sus imágenes y en las notas entrecortadas de sus acentos cromáticos. Creó una imagen muy similar a la forma en que un músico toca una pieza musical, como si hiciera visible la música o audible el arte visual.

El legado artístico de Klee fue inmenso, incluso si muchos de sus sucesores no citaron abiertamente su trabajo como una fuente o influencia obvia. Incluso durante la vida de Paul, los surrealistas descubrieron que su yuxtaposición aparentemente aleatoria de texto, signos abstractos y símbolos reductivos sugiere cómo la mente en un estado de sueño recombina objetos cotidianos dispares y, por lo tanto, brinda una nueva comprensión de cómo el inconsciente tiene poder incluso sobre la realidad. de despertar …

La reputación del artista creció significativamente en la década de 1950, cuando, por ejemplo, los expresionistas abstractos pudieron ver su obra en exposiciones en Nueva York. El uso de signos y símbolos de Paul fue de particular interés para los artistas de la Escuela de Nueva York, especialmente aquellos interesados en la mitología, el inconsciente y el primitivismo (así como el arte de la autoeducación y el arte de los niños). El uso del color por parte de Klee como un medio expresivo para expresar las emociones humanas en sí mismo también atrajo a artistas con preferencia por una paleta de colores rica, como Jules (Jules) Olitzky y Helen (Helene) Frankenthaler.

6. Franz Marc

Como figura destacada del movimiento expresionista alemán, Mark ayudó a redefinir la naturaleza del arte. El movimiento expresionista fue conocido por su interés en la espiritualidad y el primitivismo, así como por su uso de la abstracción. Franz incorporó su amor por la teología y los animales en su trabajo para crear una visión alternativa y más espiritual del mundo. Retrató el mundo a través de los ojos de los animales, que utilizó para resaltar aspectos de la modernidad que veía desfavorablemente. Pero sus trabajos posteriores también se movieron más allá de las formas representativas hacia la abstracción pura, allanando el camino para la próxima generación de artistas.

Aunque su carrera fue corta, sus formas lineales expresivas y el uso simbólico del color han tenido una influencia duradera en los mundos de la abstracción y el expresionismo. Sin embargo, artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning pueden llamarse descendientes suyos. Estos artistas se inspiraron en la capacidad de Mark para evocar sentimientos de emoción con su interés en lo espiritual y lo primitivo, así como en su uso de colores vibrantes. Los expresionistas abstractos se basaron en las contribuciones de Franz para crear pinturas que enfatizaban formas más minimalistas y generalizadas, centrándose principalmente en la expresión lineal y el color.

Estos nuevos enfoques del expresionismo buscaron resaltar las luchas personales de los artistas con los cambios que tuvieron lugar después del final de la Segunda Guerra Mundial. Las generaciones posteriores de expresionistas, como los pintores del campo del color que llevaron el expresionismo a su estado más minimalista y simplista, pueden considerarse descendientes de Mark y sus contemporáneos. De hecho, Franz Marc, como uno de los fundadores del expresionismo alemán, jugó un papel decisivo en la definición del modernismo en el siglo XX y más allá.

7. Van Gogh

Se pueden ver ejemplos ilustrativos de la amplia influencia de Van Gogh a lo largo de la historia del arte. Los fauvistas y los expresionistas alemanes trabajaron inmediatamente después de Van Gogh y adoptaron su uso subjetivo y espiritualmente inspirado del color. Los expresionistas abstractos de mediados del siglo XX utilizaron las amplias y expresivas pinceladas de Van Gogh para mostrar el estado psicológico y emocional del artista. Incluso los neoexpresionistas de la década de 1980 como Julian Schnabel y Eric Fischl tienen una deuda con la paleta y el pincel expresivos de Van Gogh.

En la cultura popular, su vida ha inspirado la música y numerosas películas, incluida Lust for Life (1956) de Vincent Minnelli, que explora la relación volátil entre Van Gogh y Gauguin. Durante su vida, Van Gogh creó novecientas pinturas e hizo mil cien dibujos y bocetos, pero durante su carrera vendió solo una pintura. El artista no tuvo hijos propios y la mayoría de sus obras fueron para su hermano Theo.

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