11 de las piezas de arte estadounidenses más caras vendidas en subasta en los últimos 10 años

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

La primera década del siglo XXI resultó ser favorable para la industria del arte: la pintura más cara del mundo se vendió en una subasta por una suma fabulosa, el interés cada vez mayor por el arte de los pueblos indígenas y las minorías, también ya que la influencia perdurable de las redes sociales en la perspectiva estética hizo su trabajo, desempeñando uno de los papeles principales. El arte estadounidense no fue la excepción, y algunas de las obras maestras más valiosas de los Estados Unidos pasaron de mano en mano, estableciendo nuevos récords mundiales en las subastas.

El siglo XX vio una explosión de creatividad e innovación en el arte estadounidense, reflejada en las once obras maestras que se enumeran aquí. Si bien algunos de ellos se han alojado en los departamentos de arte contemporáneo de las principales casas de subastas, cada uno ha contribuido a la reputación y el éxito del arte estadounidense en general.

1. Norman Rockwell

Originalmente creada como una portada para el Saturday Evening Post, la escena del camerino de Norman Rockwell pronto se convirtió en un ícono de culto. A lo largo de mediados del siglo XX, las prolíficas ilustraciones de Norman ayudaron a dar forma a la identidad nacional y, como uno de los equipos de béisbol de las Grandes Ligas más antiguos y queridos del país, los Boston Red Sox fueron una forma segura de tocar los corazones incluso de los estadounidenses más duros.

Esta pintura que representa a jugadores de béisbol reconocibles y publicada durante el retiro de la leyenda del béisbol Ted Williams sigue siendo relevante hoy en día, y se considera una pintura atemporal. La pintura muestra al novato evocando emociones en conflicto, ya que la parafernalia de los Medias Rojas representa una sensación de triunfo y gloria, mientras que el incómodo recién llegado no puede evitar causar sentimientos de ansiedad e incluso vergüenza. La profunda respuesta emocional generada por la imagen aparentemente simple es sin duda la razón por la que esta pintura fue subastada en 2014 por la asombrosa cantidad de 22 millones de dólares.

2. Edward Hopper

Edward Hopper, uno de los artistas más importantes e influyentes del siglo XX, se distinguió de sus contemporáneos por capturar escenas de la vida cotidiana estadounidense con una honestidad emocional pero descarada. Esto se materializa en The East Wind Over Weehawken.

A pesar de la falta de dramatismo o belleza evidente, la pintura está cargada de tensión y emoción, sobre todo a raíz del letrero “Se vende”, que puede significar avance y progresión, pero también implica dificultad y lucha, provocando sentimientos ambiguos. En 2013, esta obra se vendió en Christie's por cuarenta y un millones de dólares.

3. Georgia O'Keeffe

Inspirándose constantemente en el mundo vegetal, Georgia O'Keeffe ha llevado la naturaleza estadounidense a una escala completamente nueva. En lugar de paisajes expansivos y amplias vistas, eligió pequeños capullos u hojas individuales como tema de sus pinturas, con la esperanza de que incluso los neoyorquinos ocupados tuvieran la oportunidad de apreciar la belleza del mundo natural.

Una flor que aparece en muchas de las pinturas de O'Keeffe es la hierba de Jimson (droga común), una planta venenosa que descubrió cerca de su casa en Nuevo México. Sus cuadros en primer plano, que representan una flor delicada pero venenosa, transforman lo peligroso en belleza y congelan lo efímero, haciéndolo inmortal.

A pesar del subtexto íntimo que a menudo se atribuye a sus pinturas florales, O'Keeffe insistió en que eran tributos a la belleza de la naturaleza y que tales interpretaciones eran el resultado de las propias proyecciones de la crítica, no de sus intenciones”. Apareció en Sotheby's en 2014, causó sorpresa y entusiasmo del público en el mismo momento en que se vendió por casi cuarenta y cinco millones de dólares, lo que la convirtió en la obra más cara de una mujer artista.

4. Mark Rothko

Aunque a primera vista parece tan simple que cualquiera con un pincel y un lienzo podría pintar el número 10, una de las pinturas más famosas de Mark Rothko. De hecho, este trabajo representa la habilidad del artista tanto en instrumentos como en técnica. Los óleos parecen brillar con un brillo sobrenatural que le da energía y movimiento a la pintura. La paleta de colores evoca asociaciones directas con el calor, el fuego y la pasión, y las áreas donde el amarillo se encuentra con el naranja y el rojo se convierte en negro están imbuidas de un sentido obsesivo de lo desconocido.

Quién sabe qué motivó a uno de los postores anónimos de Christie's, que sin remordimientos se despidió con una impresionante suma de ochenta y dos millones de dólares, habiendo adquirido el "No. 10" para su propia colección.

5. Andy Warhol

Después de interpretar a personajes como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Marlon Brando, era casi inevitable que el artista pop recurriera al Rey del Rock para completar su panteón de íconos estadounidenses. La fascinación de Warhol por la cultura popular convirtió a Elvis Presley en el tema ideal para una de sus características serigrafías. La superposición de imágenes monocromas similares a películas y la idea de una pantalla plateada reflejada en un fondo pulido llevan al espectador al mundo de Hollywood de los años 50 para una experiencia inolvidable. Esta apariencia es tan poderosa que se compró en Christie's en 2014 por la friolera de $ 82 millones.

6. Barnett Newman

Entre 1958 y 1966, Barnett Newman (Newman) creó una serie de pigmentos negros sobre lienzos abiertos. Su simplicidad e interacción simbólica entre la luz y la oscuridad encarnan la sensación de solemnidad e inmensidad generada por la pérdida de su hermano por parte del artista. Newman tradujo su dolor y preocupación por la mortalidad en obras de arte que son ásperas y tensas, pero sofisticadas y armoniosas al mismo tiempo.

La referencia al fuego en el título invita al espectador a ver movimiento y pasión incluso en un rayo lineal y una paleta monocromática. La pieza ciertamente encendió un fuego en el corazón de un postor anónimo que compró Black Fire I de Christie's en 2014 por $ 84 millones.

7. Mark Rothko

"Naranja, rojo, amarillo": los colores como la pintura de Mark Rothko atraen la atención y las emociones por muchas de las mismas razones que el número 10. Su paleta de colores cálidos parece emitir luz del óleo, y las áreas liminales en las que se vuelve la sombra. diferentes, requieren una contemplación especial. Sin embargo, a diferencia del número 10, esta pieza irradia vitalidad y no tiene indicios de oscuridad, lo que parece significar el final.

Una miríada de trazos de luz crean una variedad de texturas, desde casi transparentes hasta una rica opalescencia, lo que le da a la pintura una sorprendente sensación de profundidad. Combinado con la enorme extensión del lienzo, que tiene casi dos metros y medio de altura, esto crea el efecto de envolver al espectador en una estela íntima de calidez. Por eso esta obra de Rothko fue subastada en Christie's en 2012 por casi ochenta y siete millones de dólares.

8. Edward Hopper

Chop Suei a menudo se considera la pintura más perfecta de Edward Hopper debido a que atrae a todos los sentidos e invita al espectador a crear una historia en su mente. Al igual que el viento del este sobre Weehawken, Chop Suei se centra en los momentos más tranquilos de la vida estadounidense, presentando una escena cotidiana con pinceladas amplias y tonos apagados.

En lugar del realismo fotográfico al que aspiraban muchos de sus compañeros, este estilo evoca el efecto de un recuerdo o un sueño. La encantadora y misteriosa escena estableció el récord del trabajo más caro de Hopper cuando se vendió en Christie's en 2018 por poco menos de noventa y dos millones de dólares.

9. Roy Lichtenstein

Mucho antes de que se vendiera en Christie's por noventa y cinco millones de dólares en 2015, Nurse de Roy Lichtenstein se ha convertido en una obra icónica del arte estadounidense, que encarna el desafío del arte pop al arte visual tradicional. Tomando un ejemplo de las campañas publicitarias modernas, los cómics y el comercialismo, el arte pop le dio a su audiencia una nueva lente a través de la cual era posible interpretar el mundo que los rodeaba y los mensajes que recibían.

El trabajo de la enfermera conserva una sensación de profundidad y energía generada por el vasto campo de puntos estampados a mano (en lugar de hechos a máquina) que componen el rostro, las mangas y el fondo de la mujer. Combinado con líneas y colores atrevidos que componen el resto de la imagen, la pintura cuelga en algún lugar entre la parodia, la sinceridad y la ironía.

10. Jean-Michel Basquiat

Después de recibir una copia de Grey's Anatomy mientras se recuperaba de un accidente automovilístico, Jean-Michel Basquiat se interesó por el cuerpo humano, como lo demuestran las pinturas que creó cuando era adulto. La calavera es una de las imágenes más reconocibles que aparece habitualmente en su obra, símbolo que tiende un puente entre la vida y la muerte.

Un ejemplo de ello es su obra "Sin título", en la que colores brillantes y trazos ásperos y caóticos contrastan con una calavera hundida y muda. Combinando una base científica con un estilo urbano, la pintura encarna el nuevo enfoque del arte de Basquiat. Esto se mostró en la exposición Basquiat, que no fue nombrada como la única pieza expuesta, y en Sotheby's, donde la pintura se vendió por ciento diez millones de dólares en 2017.

11. Andy Warhol

Al igual que Triple Elvis, Silver Car Crash de Andy Warhol usa una combinación de serigrafía y pintura plateada, pero el efecto es completamente diferente. The Silver Crash enfatiza que si bien el automóvil puede ser la esencia de la libertad, la industria y el sueño americano, también tiene la capacidad de causar muerte, destrucción y desastre.

La representación tentadoramente espantosa de un coche destrozado, repetida una y otra vez, y el lienzo inquietantemente en blanco junto a él, llamó la atención de tres coleccionistas de arte extremadamente famosos: Gian Enzo Sperone, Charles Saatchi y Thomas Amman. Un subastador anónimo de Sotheby's compró la pintura en 2013 por ciento cinco millones de dólares, el precio más alto jamás pagado por Warhol.

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