Cómo la Amazonía de la vanguardia rusa conquistó París y más allá: Natalia Goncharova

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Natalia Goncharova es una destacada artista, diseñadora y escritora rusa. Se hizo famosa en todo el mundo gracias a sus obras brillantes, jugosas y extraordinarias que combinan varios estilos: desde el fauvismo y el cubismo hasta el futurismo y el Art Nouveau. También fue conocida por sus disfraces y decorados para ballet y teatro, que llamaban la atención por su versatilidad y diseño inusual para aquellos tiempos.

Durante las dos primeras décadas del siglo XX, el arte ruso absorbió nuevos estilos y filosofía del arte de Europa occidental y pasó a la vanguardia de la cultura. Goncharova y su esposo Mikhail Larionov, con su trabajo y esfuerzos para organizar exposiciones y equipos creativos, se encontraron en el centro de esta revolución artística, que precedió y acompañó la agitación política en el país.

Natalia nació en Nagaevo en Rusia Central. La familia Goncharov perdió su fortuna basada en la producción de lino a finales del siglo XVIII. El famoso poeta Pushkin se casó con una de sus antepasados, Natalia Goncharova, de quien fue nombrada. Su padre era arquitecto. La familia de la madre de Natalia, la familia Belyaev, dio a luz a varios sacerdotes y eran conocidos como mecenas de la música.

En sus primeros años, Natalya asistió a un gimnasio en Moscú. Y en una edad más consciente, habiendo decidido convertirse en artista, ingresó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura (Moscú), donde estudió escultura con Pavel Trubetskoy, quien trabajó al estilo de Auguste Rodin. Dejó la universidad tres años después, a pesar de ganar una medalla de plata y no completar un período de estudio de diez años para el plan de estudios. Esto coincidió con su aceptación de la pintura como su medio de expresión preferido.

1. Carrera y esposo

En 1900, Goncharova conoció a su futuro esposo, Mikhail Larionov. También fue a la universidad, pero al departamento de pintura. Su decisión de dedicarse a la pintura fue apoyada por Mikhail, su pasión por el juego de luces y la armonía del color en el futuro se convirtió en el sello distintivo de la artista.

Como muchos artistas rusos de su tiempo, los primeros años del siglo XX fueron un período de conocimiento y aceptación de los estilos que se desarrollaron en las capitales de Europa Occidental. En ese momento, se sintió atraída por el impresionismo y el divisionismo, estilos asociados respectivamente con Monet y Seurat. Ambos estilos enfatizaron no la imagen de objetos sólidos, sino la captura de luz (color) que se reflejaba del objeto al ojo. Como resultado, el dibujo solía ser suelto y el énfasis estaba en el color y en los trazos de pintura. Esto llevó a una conciencia de la pintura, los trazos de pincel, la textura y la pintura sobre lienzo. Estos dos estilos fueron fundamentales para liberar al arte de un carácter puramente representativo. Los artistas comenzaron a darse cuenta de que el arte es una expresión estética, inspirada en la apariencia del mundo físico, pero que no depende de él.

Una vez, el gran empresario del ballet ruso Diaghilev organizó la inclusión de la colección de pinturas de Goncharova y Larionov en la sección rusa del Salón de Otoño de París. Su inclusión en esta exposición anual de reciente creación de nuevo arte radical (en el mismo año 1906 se presentó allí el primer grupo de fauvistas) atestigua que ambos artistas fueron considerados modelos de las tendencias vanguardistas de su país. Durante los siguientes nueve años, antes de su emigración de Rusia, Natalia participó en una serie de exposiciones importantes, muchas de las cuales organizaron ella y Mikhail. Durante este período, también se presentó en la exposición posimpresionista de 1912 organizada por Roger Fry en la Grafton Gallery de Londres, así como en exposiciones personales en Moscú y San Petersburgo, y en una exposición en la Paul Guillaume Gallery de París. con el catálogo del célebre crítico Apollinaire.

2. Estilo de distritalismo

El medio siglo que precedió al inicio de la guerra fue un período de rápido desarrollo de las bellas artes en Rusia. Natalia estuvo a la vanguardia de este movimiento.

Sorprendentemente, tres direcciones diferentes se manifestaron simultáneamente en su trabajo: regionalismo, neoprimitivismo y cubo-futurismo.

El primero de ellos es el estilo original concebido por Mikhail y ampliamente investigado por Natalia.

El distrismo era en ese momento uno de los estilos completamente abstractos del arte occidental. Como el impresionismo, el regionalismo se concentra en los rayos de luz reflejados por los objetos. El espacio en la imagen de un radiante no se puede medir, pero es una atmósfera cargada con la energía de un número infinito de rayos de luz, ya sea directamente del sol o, más probablemente, rayos que se reflejan de un lado a otro de los objetos físicos que lo rodean. El principio rector es puramente estético en el sentido de que los colores se eligen por su armonía o efecto visual.

Durante más de tres décadas, los artistas han estado fascinados con la idea de crear arte no figurativo basado en la orquestación del color. Si la música es completamente abstracta y, al mismo tiempo, infinitamente expresiva, entonces no puede haber un arte que use el color (en lugar del sonido) que sea igualmente abstracto y expresivo.

En lugar de las formas fragmentadas e interconectadas que se encuentran en el cubismo, la serie Cats se basa en trazos de color largos y cortantes. El distritismo fue un estilo efímero que llegó a su fin en 1914. Franz Marc, asociado con el Munich Blaue Reiter (con quien Natalia había expuesto dos años antes), admiraba su trabajo y escribía de una manera inspirada en el distritalismo, posiblemente debido a su influencia.

3. Estilo del primitivismo

Desenfrenada e inquieta, en busca de nueva inspiración, también se basó en gran medida en los primeros pintores cubistas como Pablo Picasso durante algún tiempo. Esta etapa de su obra duró varios años y cubrió su pintura, inspirada en la tradición rusa.

Pero sus ilustraciones para varios libros de poesía de Velimir Khlebnikov y Alexei Kruchenykh mostraron su devoción por las antiguas formas de arte ruso, como iconos, frescos religiosos y grabados en madera. En 1913, declaró dramáticamente que se estaba alejando de Occidente, expresando su simpatía por Oriente.

En una de sus primeras exposiciones se presentaron pinturas primitivistas y cubistas, y en una exposición posterior, organizada por su esposo, se exhibieron más de cincuenta obras de Natalia. Se inspiró para el primitivismo en los iconos y el arte popular rusos, también conocidos como estampados populares. La segunda exposición, posterior, se concibió como una ruptura deliberada con la influencia artística europea y la creación de una escuela rusa independiente de arte contemporáneo. El hecho resultó polémico, y el censor confiscó la obra de temática religiosa "Evangelistas" de Natalia, por considerar que era una blasfemia exhibirla en una exposición llamada "La cola de burro". Natalia y Mikhail han sido perseguidos durante mucho tiempo por sus obras y la forma en que se expresaron. Pero incluso en las obras posteriores de Natalia, la influencia del futurismo ruso es notable. Inicialmente fascinada por la pintura de iconos y el primitivismo del arte popular étnico ruso, Natalia ganó fama en Rusia por su trabajo futurista (uno de los cuales era una pintura llamada El ciclista).

Natalia y Mikhail, pintándose la cara con jeroglíficos y flores, caminaron por las calles como parte de un movimiento artístico primitivista. La propia Natalia de vez en cuando no temía aparecer en público semidesnuda con símbolos en el pecho. Como líderes de los futuristas de Moscú, organizaron noches de conferencias provocativas en la misma línea que sus homólogos italianos. Además, Natalia escribió e ilustró varios libros de vanguardia.

Natalia ha sido miembro del grupo de vanguardia Blue Rider desde el primer día de su fundación (1911). Cuatro años más tarde, se dedicó al desarrollo de trajes y decorados de ballet en Ginebra. Y pronto comenzó a trabajar en una serie de bocetos para el ballet de Diaghilev, pero, desafortunadamente, el ballet nunca se realizó.

Unos años más tarde se mudó a París, donde creó varios decorados para los ballets rusos de Diaghilev. También expuso en el Salón de Otoño y participó regularmente en el Salón de las Tullerías y el Salón de los Independientes.

Natalia y Mikhail colaboraron en cuatro eventos benéficos en Moscú. Ambos desarrollaron la mayoría de los materiales promocionales del evento.

4. Estilo de neoprimitivismo

Paralelamente al rayonismo, Natalia escribió en un estilo que ahora se llama neoprimitivismo. Era un fenómeno que había tenido lugar anteriormente en Francia y en otros lugares y parece estar relacionado con un cambio en las aspiraciones políticas, sociales y culturales. Combinado con la democratización del pensamiento político y social, a menudo ha habido una tendencia a tratar de descubrir el carácter más profundo de las culturas nacionales recurriendo al arte popular o campesino tradicional en busca de inspiración. Debido a los antecedentes eclesiásticos de su familia y al hecho de que pasó su juventud viviendo en una finca, Natalia se sentiría atraída por el arte religioso y folclórico tradicional como parte de su experiencia formativa y como las artes visuales de sus compatriotas. Este fue el período en el que la intelectualidad comenzó a ver los iconos (imágenes litúrgicas rusas) como una importante herencia cultural nacional. La gran exposición de iconos de Romanov emocionó a muchas personas estéticamente sensibles.

Natalia ha estado escribiendo sobre temas religiosos durante varios años, sintiendo que el significado intensamente religioso y el significado de los íconos es uno de los objetivos más importantes que una artista debe capturar en su trabajo. Los ricos colores, los deslumbrantes efectos decorativos y la naturaleza altamente formalizada y estilizada de los iconos ya la han inspirado a trabajar.

Esto la llevó a recurrir a una forma ajena a la práctica académica. Además de enfatizar las cualidades decorativas planas, a veces la pintura parecía salpicar la superficie o se aplicaba rápidamente para lograr un efecto espontáneo. El encanto y la ingenuidad, que anteriormente se cantaban en la pintura de Henri Rousseau, aparecieron en la obra de la artista rusa y, lo que es muy importante para ella, fueron tomados de fuentes locales.

5. Estilo del cubo-futurismo

Entre 1913 y 1914, el cubofuturismo, aspectos de los estilos entonces modernos del cubismo y el futurismo, aparecieron en la pintura de Natalia. Los artistas rusos conocían el cubismo a través de publicaciones, exposiciones y colecciones como las colecciones Morozov y Shchukin. El cubismo fue ambivalente hacia el color a favor de un nuevo sentido de estructura-fragmentación y cohesión de la forma, dando como resultado una composición uniformemente animada en la que se elimina la relación figura / fondo.

El futurismo italiano también tuvo seguidores en Rusia en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial.

Su futurismo, como el de los italianos, estaba lleno de colores. Las sensaciones de movimiento fueron causadas por repeticiones rítmicas de figuras o líneas. La inclusión de palabras coloreadas o fragmentos de palabras como si fueran de signos y parte del entorno por el que pasaba la persona, contribuyó aún más a esta percepción. Las ondas sonoras también estaban implicadas por efectos rítmicos y, a veces, por el uso de notación musical.

6. Los últimos años de vida

Natalia pasó el resto de su vida en París, reconocida como un miembro importante de la comunidad artística de la ciudad. Continuó pintando, pero su trabajo más notable fue en el campo de la escenografía. En esta área, tanto ella como Michael se convirtieron en estrellas mundiales. Natalia identificaba cada vez más su trabajo con Francia. En 1936, ella y Mikhail participaron en un importante concurso internacional de arte teatral celebrado en Milán. Prefirieron exhibir su trabajo en la sección francesa en lugar de en la sección soviética, y cuando ganaron la medalla de plata, fue Francia la que se quedó con ellos.

Después de la invasión de Francia por Adolf Hitler en la primavera de 1940, Natalia y Mikhail se encontraron bajo la ocupación alemana. En los difíciles años que siguieron, ambos lograron continuar su carrera en el teatro. Luego, una exposición de sus pinturas sesgadas en París recordó al público su papel destacado en el desarrollo del arte contemporáneo en el cambio de siglo. Como algunos han argumentado, los dos artistas superaron deliberadamente parte de su trabajo, a veces por más de una década, para solidificar su reputación como artistas pioneros.

Mikhail sufrió un derrame cerebral y la situación económica de los cónyuges, que nunca había sido especialmente cómoda, se volvió aún más precaria. Sobrevivieron en parte vendiendo sus primeras pinturas. Natalia también sufría muchas dolencias físicas, incluida una forma grave de artritis, que le impedía dibujar en un caballete. Continuando demostrando su dedicación al trabajo, colocó el lienzo frente a ella en una posición nivelada para seguir manipulando el pincel.

Natalia hizo su último intento de diseño teatral en el 57. Consistía en vestuario y decorados para una serie de ballets en Montecarlo. Un año después, realizó la exposición final de su pintura en París, mostrando una veintena de lienzos inspirados en el lanzamiento ruso del satélite espacial Sputnik.

La pareja todavía estaba plagada de problemas económicos. Solo la venta de una parte significativa de la biblioteca y las obras de los cónyuges al Victoria and Albert Museum de Londres ayudó a mantener su solvencia.

Natalia murió de cáncer en París. En su lápida estaba escrito simplemente que era artista y pintora. La muerte de Mikhail se produjo poco después. Fue enterrado junto a ella con la misma inscripción en su lápida.

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