15 obras sinceras de Caravaggio, que te hacen sentir incómodo

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

La mayoría de las pinturas de Caravaggio se centraron en el ciclo de la tortura, la lucha inmensa y la muerte. Artistas como Ruben, Rembrandt, José de Ribera y Gian Lorenzo Bernini fueron fuertemente influenciados por su trabajo y se llamaron a sí mismos Caravaggists. Y por más lamentable que parezca, Miguel Ángel tuvo una vida personal traumática, además de todo esto, fue condenado a muerte por un cargo de asesinato, por el que se vio obligado a huir de Nápoles. Y a pesar de que el gran artista murió en 1610, hasta el día de hoy existe opinión y controversia sobre su muerte, y algunos apuntan que fue un asesinato.

1. Incredulidad del apóstol Tomás, 1601-1602

Y en esta obra, el artista utilizó la técnica del claroscuro, donde la interacción ideal de tonos oscuros y claros es claramente visible. Cristo sostiene con firmeza la mano derecha de Santo Tomás, guiando su dedo índice por la herida que le ha sido infligida. Junto a Santo Tomás, el retrato representa a dos apóstoles más, que se presentan de forma rústica. Cristo se presenta como una persona común, no como un ser divino, ya que no está rodeado por un halo.

2. Crucifixión de San Pedro, 1600

El cuadro representa a San Pedro, medio clavado en la cruz, al revés, ya que no quiso representar a un rival de Cristo Salvador. Hay una sensación de serenidad en torno a este trabajo, ya que el rostro de la víctima está desprovisto de dolor o tensión, en cambio parece aceptar su martirio con los brazos abiertos, lo que contrasta con el estado de ánimo de los verdugos que luchan por cumplir con eficiencia su tarea. No hay espectador que sea testigo de la crucifixión, que por tanto lo convierte en una crisis personal y no en un hecho histórico.

3. Beso de Judas, 1602

Esto representa el arresto de Cristo. Además de Jesús, otras figuras presentes incluyen a Juan, los tres soldados, Judas y un hombre con una linterna en la mano. Las figuras se colocaron sobre un fondo oscuro con una linterna como única fuente de luz. Además de la disposición de la iluminación en blanco y negro, la representación realista de figuras, el desempeño dramático y la dimensión espiritual lo llevan a un nivel completamente diferente, haciendo que la imagen sea increíblemente conmovedora y realista.

4. Tocador de laúd, 1596

Hay dos versiones de esta pintura, la primera de las cuales está en la colección de Wildenstein y la segunda en el Hermitage. Al final resultó que, hay una tercera opción, descubierta en 2007 en Gloucestershire Badminton House. En las tres versiones, se ve a un chico moreno de rasgos suaves con un laúd en la mano, absorto en una canción de amor. Los de Badminton House y el Hermitage muestran una mesa sin mantel con flores y frutas en un lado y un violín en el otro. En la colección Wildenstein, el mantel cubre la mesa, mientras que la spinetta reemplaza al bodegón, y el pájaro cantor, que está en la jaula, también es visible en el marco.

5. Escribiendo a San Jerónimo, 1605-1606

Caravaggio escribió esta obra por orden del cardenal Scipio Borghese, sobrino del papa Pablo V. El anciano santo está absorto en las Escrituras mientras extiende sus delgados brazos hacia un extremo de la mesa, mientras una calavera lo "observa", que a su vez es un recordatorio de las muertes de poderes que no puede evitar, pero que lucha por superar. El cuadro fue robado en 1986 y recuperado dos años después.

6. Sacrificio de Isaac, 1603

Se dice que dos pinturas entre 1598 y 1603 tienen el mismo título. Aunque atribuido a Caravaggio, se especula que es obra de Bartolomeo Cavarozzi, su seguidor. Esto representa el momento en que Abraham está a punto de sacrificar a su hijo después de cumplir un mandato divino.

7 Natividad con San Francisco y San Lorenzo, 1600

Se dice que Fabio Nuti encargó este cuadro en 1600 durante su estancia en Palermo. La imagen captura el momento en que el niño Jesús yace en el suelo y la Virgen se sienta a su lado. Los personajes que la rodean mantienen una postura normal y una apariencia elegante. Esta pintura se ha procesado con mucha precisión y el acabado está más pulido en comparación con la mayoría de las otras pinturas de Caravaggio. Esta obra maestra fue robada en 1969 y aún no se ha encontrado.

8. Descanso en el camino a Egipto, 1597

Esta obra de arte gira en torno al descanso del niño Jesús con José y María mientras se preparan para viajar a Egipto. Caravaggio captura completamente la escena que representa a la madre María durmiendo con su hijo, mientras que José ve el manuscrito de un ángel para tocar un himno. Esta fue la primera obra del artista, ejecutada a gran escala, donde logró salir de su pasión por la pintura en espacios oscuros. El ángulo crea un aura sensual y luminosa, mientras que la representación de la madre y el niño parece estar ejecutada de manera muy sutil.

9. Entierro de Santa Lucía, 1608

Caravaggio realizó este cuadro teniendo como tema principal a Santa Lucía, la famosa mártir cristiana. Lo escribió en 1608 después de escapar de la cárcel y en esto fue ayudado por Mario Minniti.

10. Naturaleza muerta con frutas, 1601–1605

Hay una cesta de mimbre llena de verduras y frutas sobre una mesa de piedra. La perfecta interacción de la luz y la oscuridad hace que esta pieza sea increíblemente profunda y atractiva.

11. Negación (renuncia) de San Pedro, 1610

Este trabajo presentó el tema bíblico de Pedro negando a Cristo después de que este último fue arrestado. Se dice que es una de sus dos últimas obras, posiblemente terminada en el verano de 1610. Se dice que Caravaggio experimentó muchos trastornos personales en ese momento, y la naturaleza desenfocada de este trabajo atestigua lo mismo. Las figuras están dispuestas de manera apretada, mientras que grandes áreas se dejan en la oscuridad, por lo que en su mayor parte, la esencia física de los personajes está oculta.

12. Resurrección, 1619

Caravaggio utiliza sombras profundas e iluminación intensa para retratar vívidamente el intenso drama que rodea a la resurrección de Cristo. La vista es muy compleja ya que todos los cuerpos están torcidos y colocados sobre un fondo oscuro. El equilibrio general se creó maravillosamente mezclando colores brillantes con tonos suaves y apagados.

13. La Virgen y el Niño con Santa Ana, 1619-20

Esta es una de las obras religiosas posteriores de Caravaggio, que, sin embargo, no tuvo tanto éxito como sus otras pinturas. La Virgen María ocupa un lugar central con su hijo pequeño y pisa una serpiente que representa el pecado y las malas acciones. Jesús está desnudo y también descalzo, como su madre. En el escenario también está presente una abuela anciana y arrugada que contempla todo este espectáculo. Estas figuras se proyectan a la luz mientras todo el lienzo está en tinieblas. El clero consideró esta obra indecente, retirándola de la Basílica de San Pedro exactamente dos días después de su exhibición.

14. Siete actos de misericordia, 1607

Esta obra, también conocida como Los siete actos de misericordia, es un reflejo de las siete prácticas de misericordia que siguen las normas cristianas. El artista vuelve a recurrir a la técnica del claroscuro, creando un marcado contraste en todo. Según Ralph van Buuren, un historiador del arte nacido en Alemania, la luz brillante representa metafóricamente la misericordia, lo que ayuda a los espectadores a incorporarla a su estilo de vida.

15. Coronación de espinas, 1607

La pintura representa una corona de espinas, colocada a la fuerza sobre la cabeza de Jesús justo antes de su crucifixión, para reírse de sus reclamos de poder. El cuerpo de Cristo se presentó en forma retorcida, una técnica para la que Caravaggio se inspiró en el Belvedere Torso, una estatua de mármol.

Otras pinturas famosas de Caravaggio incluyen La adoración de los pastores (1609), La resurrección de Lázaro (1609) y La flagelación de Cristo (1607).

Pero el principal romántico de Alemania de una manera muy inusual, a saber, paisajes atmosféricos.