Por qué se cree que un buen artista debería ser pobre e infeliz

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Los artistas contemporáneos han desacreditado con éxito el mito de que ciertamente deben verse excéntricos, usando una vieja boina sobre su largo cabello y un chaleco. La mayoría de los creadores lucen elegantes e incluso impresionantes. Pero no lograron lidiar con todos los estereotipos. Por ejemplo, todavía existe la creencia de que un artista talentoso debería ser pobre. Y ciertamente sufrir. Ya sea un amor infeliz, malos hábitos o simplemente las circunstancias de la vida, la pobreza no debería ser el único vicio. ¿De dónde vino y los artistas y otros creadores son realmente pobres e infelices?

Si pasamos inmediatamente a los hechos, entonces la UNESCO, por ejemplo, determinó el período entre pintar un cuadro y su reconocimiento mundial (por supuesto, en general, siempre que sea reconocido) en 50 años. Un tiempo enorme, si lo consideramos en el contexto de la vida humana, y no en la historia mundial. ¿No es por eso que la mayoría de los artistas, sin recibir reconocimiento durante su vida, murieron en la pobreza? Esto significa que este estereotipo no es más que una observación de la vida, una sabiduría popular.

Además, este principio es adecuado no solo en el caso de los artistas y sus creaciones, sino para cualquier creador e innovador. Ya sea una persona creativa, un matemático o un programador. La sociedad y la economía de mercado no aceptan inmediatamente algo conceptualmente nuevo. Por supuesto, si hablamos de artistas, entonces si este creador decora lo que se vende ahora, entonces puede ganar dinero, pero vale la pena anunciar la innovación, entonces todos fruncirán los labios con escepticismo. Por lo tanto, existe una gran diferencia si un artista trabaja para las edades o para el mercado. Sin embargo, hay ejemplos que demuestran que uno no interfiere con el otro.

Pero el hecho es que las creaciones ingeniosas se crean después del trabajo ordinario, y este último no se distingue en absoluto por la sublimidad. Sin embargo, no todos los creadores son tan sabios que, por regla general, al poseer una naturaleza compleja e impulsiva, no aceptaron tales compromisos, lo que los condenó a una existencia pobre.

Pobres y amantes del dólar

Salvador Dalí se llamó a sí mismo un "Amante del dólar", esbozando así sus propias ambiciones. Convirtió su nombre en una marca durante su vida y lo usó activamente. Por supuesto, sin su talento, no se le habría llamado la atención, pero deberíamos rendir homenaje al nivel de exageración del que se rodeaba, sería la envidia de las celebridades modernas. Cuál es su historia con su esposa Gala. Después de todo, el resto de los hombres consideraría vergonzoso revelar tales detalles sobre su vida familiar, pero Dali le dijo a todos, incluso en una entrevista, que su esposa vive con amantes en un castillo cercano, y él mismo solo viene a ella. por invitación.

¿Y esta historia que se ha generalizado? Diga, Dali, al pagar la cena en un restaurante, hizo un pequeño dibujo en el reverso. Un cheque de restaurante costaba más que el almuerzo en sí, por lo que nunca se cobraba. Para el artista, no valía nada.

A pesar de que nunca trabajó por salarios bajos, siempre recibió una gran cantidad de pedidos. Esto a menudo llevó al hecho de que derribó su propio mercado, reduciendo el costo del trabajo individual. Sin embargo, en lugar de tomarse un tiempo, comenzó a trabajar aún más duro, literalmente inundando el mercado con pinturas, bocetos, ilustraciones, proyectos de muebles.

Cuando otras celebridades ni siquiera habían pensado en filmar en publicidad, Dali ya había recomendado comprar una determinada marca de chocolate en las pantallas. Luego hubo un anuncio de una marca de automóviles, una aerolínea e incluso un chicle. Sin embargo, un verdadero escándalo en la aduana reveló la actitud de Dalí hacia el dinero: lo amaba mucho.

Los gráficos le aportaron un ingreso tangible, cuya autenticidad confirmó con su propia firma. Pero resultó que no iba a dibujar cada uno por separado. Se imprimieron en una placa de metal y se prepararon de antemano hojas en blanco firmadas con un metro. Fueron ellos en la cantidad de 40 mil ejemplares que se encontraron en la aduana. Las hojas eran baratas, pero Dalí las firmó muy rápidamente. En promedio, podía firmar hasta 70 mil dólares la hora.

A principios del siglo XX, la comunidad de artistas estaba tácitamente dividida en aquellos que trabajaban (o al menos buscaban) trabajar tan económicamente productivos como Salvador Dali, y aquellos que honraban exclusivamente a genios mendigos no reconocidos como Vincent van Gogh. Durante su vida, por una cantidad más o menos decente de 400 francos, vendió su única obra "Viñedos rojos". Todas las demás obras fueron evaluadas después de su muerte. No solo no pudo ganar dinero, ni siquiera pudo proveerse de una existencia decente.

Su familia siempre lo condenó, la sociedad no entendió y no aceptó, y lo único que lo consoló fue la pintura. Trabajó muy duro, aunque a esto no se le puede llamar trabajo, porque nunca recibió el pago por los cuadros. ¿Es posible aceptar la fama póstuma y la eternidad en la memoria de los descendientes como pago?

Van Gogh escribió que si pudiera ganar al menos mil francos al año, habría comenzado a pintar a toda velocidad y con mayor placer, pero esto no sucedió y el brillante artista se fue con resentimiento y talento no reconocido.

Una imagen idealizada de un artista hambriento

Para ser franco hasta el final, no solo los propios artistas participaron en la idealización de la imagen del genio no reconocido. Franz Kafka en su cuento "El hambre" describe a un hombre que tenía una actitud muy peculiar hacia el arte (sin embargo, como el propio Kafka) y toda la esencia de su autoexpresión estaba en una huelga de hambre. Ahora se llamaría performance, pero aparentemente en ese momento no se percibían realmente, porque la gente miraba, miraba al artista moribundo de hambre, y luego sacaba su cuerpo con un montón de paja.

Kafka demuestra con bastante ironía su actitud hacia la unión "artista-dinero", creyendo que un verdadero genio y creador debe sufrir, "morir de hambre" por su visión del arte. Y si gana bien, está bien alimentado, es próspero y está en armonía con el gobierno actual, entonces es un servidor de los capitalistas. El verdadero genio siempre es desconocido durante su vida y, preferiblemente, mendigos.

Knut Hamsun en su novela "Hambre" también participó en la creación de la misma imagen, describiendo al escritor con alucinaciones de hambre. Hemingway también creía que un escritor debería tener hambre para pensar mejor en lo eterno, para estar un paso por encima de sus lectores cenados. Sin embargo, el propio escritor se relajaba gloriosamente en los centros turísticos y vivía feliz para siempre, sin esforzarse en absoluto por un estilo de vida ascético.

Quizás la pobreza desate en cierta medida las manos de los creadores de pinturas y no solo. Un artista, no reconocido por nadie, creará de la forma que le sea más cercana, sin intentar impresionar a la crítica, sin tener en cuenta los deseos de futuros compradores y mucho más. Tiene la oportunidad de experimentar sin mirar atrás a la opinión de sus compañeros, no teme que el público no apruebe (ella ya no aprueba), se embarca en la comprensión de temas profundos y valores eternos. ¿No es este el requisito previo para crear una obra maestra?

Otros perciben la pobreza como libertad, porque si un artista se entrega por completo a la pintura, sin molestarse en trabajos banales y rutinarios en el mercado, entonces tiene mucho más tiempo para los experimentos y la pintura en sí. Pablo Picasso dijo que "la inspiración existe y llega durante el trabajo". Es decir, no debes recostarte en el sofá esperando la llegada de la musa, que te llevará de la mano al lienzo y te permitirá dibujar una obra maestra por valor de millones.

El músico de rock Nick Cave dijo que la inspiración no existe en absoluto. Llamando trabajo a la creatividad, no disminuyó en lo más mínimo el papel del talento. Pero el talento por sí solo no es suficiente, se necesita perseverancia y trabajo. Un montón de trabajo. Solo entonces suceden cosas brillantes. Por tanto, la recomendación de “crear la eternidad después del trabajo” es más bien una formulación teórica, prácticamente irrealizable en la realidad.

Sufrimiento y miedo por el artista

Lo único que todos, sin excepción, esperan de cualquier obra de arte: emociones. Alegría, deleite, horror, disgusto, miedo: no es importante, lo principal es que la energía emana de la imagen, de lo contrario, ¿por qué es todo? ¿Puede un artista que durmió, tomó un desayuno abundante y sabroso, cuya casa está llena, su amada esposa está ocupada con la cena y los niños (necesariamente sanos y heterosexuales) pueden llenar la casa (ciertamente luminosa y espaciosa, construida para sus propios gastos) con sus voces y risas, de repente crearon una obra maestra que pondría al revés las almas de otras personas? Dudoso.

Muchos artistas acumulan deliberadamente emociones negativas: miedo, ira, resentimiento, ayudan a darle a su trabajo el nivel necesario de energía y agudeza. Sin embargo, estos problemas no tenían nada que ver con su talento, sino que se derivaban de su estatus social y estilo de vida. El mismo Van Gogh sufrió trastornos mentales desde la infancia y el sufrimiento fue parte de su vida.

A menudo, los genios tienen trastornos mentales. Estos últimos, a pesar de que de hecho destruyen la personalidad, en las mejores épocas, pueden convertirse en causa y base para la creación de obras maestras o descubrimientos científicos. Pero, ¿es esto un pago suficiente por años de sufrimiento, tormento, ansiedad y depresión? Esquizofrenia, trastornos bipolares, ansiedad, depresión: todo esto puede y empuja a una persona hacia la expresión a través del arte, pero hace que la vida, tanto de la persona como de sus seres queridos, sea simplemente insoportable. A menudo, la vida de los genios terminaba en suicidio, otra evidencia de que el sufrimiento era insoportable.

Artel de arte ruso

En 1963, hasta 14 artistas abandonaron la Academia de las Artes de Rusia. Y además, con un escándalo. No se les dio la oportunidad de elegir los temas de las pinturas que debían presentarse a concurso. Tantos artistas, que se conocieron y de repente se liberaron de su ocupación principal, decidieron fundar su propia comunidad. Se unieron en un artel e intentaron ganar dinero con lo que sabían: pintando cuadros, incluso por encargo.

Incluso dieron una especie de publicidad en los periódicos con una indicación de la lista de servicios que brindan y su costo. La oferta de servicios fue muy diversa, artistas e iconostasios, y pinturas y retratos pintados. Y todo esto con óleos, acuarelas y pasteles. También se ofrecieron servicios de tutoría.

La vida en un artel le costaba al artista unos 25 rublos al mes, y la búsqueda colectiva de pedidos fue una muy buena idea y generó un buen beneficio. Por ejemplo, el precio de los retratos comenzó desde 75 rublos y más. En su mayor parte, el precio dependía de la experiencia y el talento del artista, su nombre y no del tamaño del lienzo.

Muchos artistas, cuyos lienzos pertenecen a las obras maestras del mundo y ahora se valoran en una fortuna, fueron de hecho creados por maestros que crean arte por el arte. Su conciencia, que no encaja en el marco de la normalidad, y por tanto el no reconocimiento de su talento durante la vida, se convirtió para muchos en la razón por la que sus nombres fueron inmortalizados en los anales de la historia. Los descendientes, como si se sintieran culpables ante el genio, cultivan su talento, ven la chispa de Dios en sus creaciones, y la trágica historia de su pobreza y privación solo complementa el panorama general.

A menudo, los genios, además de un carácter complejo y rarezas, también poseían desviaciones mentales. Algunos genios de la URSS, que dejaron su huella en la ciencia y el arte, son más propensos a deber esto a su esquizofrenia, que les permite pensar fuera del marco..