Cómo el artista que admiraba al propio Goethe interpretaba los temas religiosos: Paolo Veronese

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Paolo Veronese fue uno de los pintores más destacados de su tiempo. Su trabajo es apreciado no solo en casa, sino también en el extranjero en todo el mundo. Tenía algunos de los mecenas más influyentes, e incluso el propio Goethe admiraba su trabajo. Pintó retratos de nobleza y motivos religiosos, decoró villas y monasterios, jugó con luces, sombras y colores, creando asombrosas obras maestras que son admiradas hasta el día de hoy.

El menor de cinco hermanos y hermanas, Paolo Cagliari, apodado Veronese por su lugar de nacimiento, nació en 1528 en la ciudad italiana de Verona, entonces provincia continental de la República de Venecia. Su padre, Gabriele, era picapedrero y su madre, Caterina, era hija ilegítima de un noble llamado Antonio Cagliari.

Paolo estudió primero con su padre y durante algún tiempo, como su padre, fue albañil. Sin embargo, mientras trabajaba con su padre, el talento desarrollado por Paolo para el dibujo fue evidente y, a los catorce años, su aprendizaje fue transferido al taller de un maestro local llamado Antonio Bandile (más tarde se casó con su hija). Algunas fuentes no confirmadas apuntan a que pudo haber estudiado al mismo tiempo en los talleres de Giovanni Francesco Caroto, de quien probablemente heredó su pasión por el uso del color.

Pronto, su talento superó todos los requisitos que generalmente se imponían a los discípulos de Bandila. Ya se había alejado de los tonos naturalistas del Alto Renacimiento y comenzó a desarrollar su propia preferencia por una paleta más colorida y expresiva. Ayudó a Antonio con los altares, y algunas partes de estas obras ya tenían su identidad corporativa. Al ver las obras de Veronese en los altares, Michele Sanmicheli, el arquitecto de muchos edificios importantes en Verona, le dio a Paolo su primera oportunidad importante: trabajar en los frescos del Palazzo Canossa. Veronese se trasladó brevemente a Mantua, donde conoció a Giulio Romano, el principal alumno y asistente de Rafael y uno de los pioneros del estilo manierista.

Paolo pintó frescos en el Duomo de la ciudad (Catedral Católica Romana) antes de partir hacia Venecia en 1552. 1553 fue un año muy importante para Paolo. Regresó a Venecia en cuanto se enteró de la muerte de su padre. Más tarde, Paolo tomó el apellido Cagliari de su madre con la esperanza de que esto le diera más acceso a la aristocracia veneciana, mientras que usó Veronese principalmente con el propósito de firmar y llamar la atención sobre su lugar de nacimiento.

Trabajar en Venecia le permitió aprovechar la nueva demanda de pintura veneciana generada por artistas como Giorgione, Tiziano y Tintoretto. Siguiendo sus respetados pasos, Paolo recibió rápidamente órdenes de los órganos de gobierno, incluido el Consejo de los Diez y la fraternidad de San Sebastián.

Pronto, Veronese comenzó a recibir el patrocinio de familias aristocráticas influyentes, como la familia Barbaro, para quienes decoró una villa (su casa señorial cerca de Mather). En la segunda mitad de la década de 1550, Paolo decoró la villa del arquitecto veneciano más famoso Andrea Palladio. La colaboración entre artista y arquitecto fue ampliamente vista como un triunfo del arte y el diseño, y Palladio describió más tarde a Veronese en sus cuatro libros sobre arquitectura como "el artista más excelente". Por su parte, Paolo se refirió a sus conexiones profesionales al incluir los edificios palladianos en su gran obra maestra Las bodas de Caná. Mientras tanto, Veronese continuó trabajando (al igual que Tintoretto) en la restauración del Palazzo Ducale durante las décadas de 1560 y 70 después de una serie de graves incendios. Paolo se casó con Elena (la hija de Bandila) en 1566, y dos años después tuvieron el primero de cinco hijos (cuatro hijos y una hija). La madre de Veronese, Caterina, también se había mudado a Venecia en ese momento.

A pesar de una década de gran incertidumbre para Venecia, Veronese solidificó su estatus y fuertes lazos familiares durante la década de 1570. Un año después, como parte de la Santa Liga (es decir, la Liga de las grandes potencias marítimas católicas), Venecia derrotó al Imperio Otomano, y Veronese nombró a su única hija Vittoria en honor a esta victoria en 1572.

La Contrarreforma resultante, que vio un gran resurgimiento de la cultura católica, comenzó a ejercer su influencia en Venecia. Ahora la demanda de obras eróticas o mitológicas disminuyó, y Paolo tuvo que crear pequeños cuadros dedicados al culto. Entre 1574 y 1577, grandes incendios y epidemias de peste azotaron Venecia (la peste se llevó a Tiziano en 1576), y Veronese comenzó a invertir su considerable riqueza en tierras y propiedades. En la década de 1580, fundó un taller con sus hijos y su hermano Benedetto. Veronese, que por cierto volvió a su nombre real Paolo Cagliari en 1575, murió de neumonía en 1588 y fue enterrado en la iglesia de San Sebastiano, rodeado de sus aportaciones artísticas a la iglesia.

Durante al menos diez años después de su muerte, la familia Veronese utilizó bocetos y dibujos para completar nuevas obras del estudio, firmadas con el título "Los descendientes de Paolo", mientras que los grabados de las obras de Veronese tuvieron una gran demanda incluso durante su vida, que fue extremadamente inusual para un artista vivo en ese momento. Esto permitió que su estilo manierista se llevara mucho más allá de su tiempo y lugar de origen. La crítica de arte Claire Robertson asocia a Veronese, por ejemplo, con el famoso pintor francés Eugene Delacroix, cuya obra Liberty guiando al pueblo (1830) utiliza una iluminación dramática y se refiere a la arquitectura moderna a la manera de la pintura veronesa Las bodas de Caná.

Xavier F. Solomon, autor del catálogo de Veronese de la National Gallery, por su parte, lo vinculó con el pintor barroco flamenco Peter Paul Rubens a través de su énfasis en la narración y el color luminoso, como se ve en obras como El Descenso de la Cruz.

También se sabe que Diego Velázquez adquirió "Venus y Adonis" de Veronese (hacia 1580) en algún momento de su viaje a Italia entre 1649 y 1651, y gracias a la compleja composición de figuras ambientadas en un duro escenario arquitectónico, la influencia de Veronese se puede rastrear en obras como Las Meninas (1656). También se sabe que en 1797 Napoleón tenía tan alta opinión de Las bodas de Caná (1563) que ordenó a sus tropas doblar la lona y transportarla a París. Al final, la pintura ocupó su lugar en el Louvre frente a la Mona Lisa, donde fue admirada no solo por Delacroix, sino también por el poeta Charles Baudelaire, que se emocionó lo suficiente como para escribir sobre los “colores celestiales de la tarde” de Veronese.

En cuanto a sus otras pinturas y obras, esta es una historia completamente diferente, que cuenta tramas, a menudo basadas en hechos reales y no solo. Tomemos, por ejemplo, La historia de Esther. Poco después de llegar a Venecia, Veronese, de veinticinco años, recibió un prestigioso encargo del prelado Bernardo Torlioni para trabajar en el techo de San Sebastiano. Su pintura muestra un momento temprano en la historia bíblica de Ester, cuando fue coronada reina por el rey persa Asuero. Ester continuó salvando al pueblo judío (del malvado Amán representado en la esquina inferior derecha de la imagen), y esta liberación de la destrucción se convirtió en la festividad religiosa judía de Purim.

Los murales de techo como estos, cuya función era proporcionar a la iglesia narrativas históricas, imágenes iconográficas y motivos decorativos, no estaban destinados a ser vistos a la altura de los ojos. De Sotto in su (de abajo hacia arriba) describe una técnica de pintura renacentista que requiere el escorzo de las figuras con el efecto (visto desde la Tierra) de que las figuras están suspendidas en el aire. Las figuras "flotantes" aquí se complementan con los colores brillantes de Veronese, que ayudan a realzar el carácter sagrado de la pintura y su efecto decorativo. El crítico de arte Carlos Ridolfi vio esta obra temprana como un símbolo del estilo de Veronese en la forma en que representaba a los reyes ricamente decorados, una variedad de cortinas en el contexto de una escena arquitectónica. El contrato de Veronese con San Sebastián se amplió varias veces entre 1558 y 1561, convirtiéndolo en el edificio más adecuado para su propio monumento funerario.

En cuanto a la obra "Las bodas de Caná", fue un encargo de los monjes benedictinos de San Giorgio Maggiore de Venecia para colgar en su nuevo refectorio, diseñado por Andrea Palladio. Los términos del encargo de Veronese estipulaban que haría una imagen del banquete de bodas lo suficientemente grande como para llenar toda la pared del refectorio. Paolo tardó quince meses en terminar el trabajo, probablemente con la ayuda de su hermano Benedetto Cagliari. La obra maestra se basa en la historia bíblica del primer milagro de Cristo, aunque el espectador deberá hacer un esfuerzo para encontrar esta parábola en el bullicio de una imagen de varias capas y bastante moderna. Como lo describió Deanna MacDonald:

Junto con María y varios apóstoles, Cristo fue invitado a una boda en Caná, en la ciudad de Galilea. Durante las festividades, el suministro de vino se agota y, en respuesta a la solicitud de María, Cristo pidió a los sirvientes que llenaran las jarras de piedra con agua (que se muestran aquí en primer plano a la derecha) y se las ofrezcan al dueño de la casa (sentado en el primer plano izquierdo), quien descubre, para su asombro (y alegría) que el agua se convirtió en vino. Esta historia también es la precursora de la Eucaristía, a la que se refiere un siervo que sacrifica el "cordero de Dios" en el nivel superior directamente sobre Cristo (que se sienta junto a María en el centro de una enorme mesa de banquete).

Veronese mezcla libremente lo bíblico con lo moderno. Como era de esperar, Jesús y María están rodeados de auras resplandecientes. Sin embargo, a ellos se les unen al menos ciento treinta figuras, y mientras algunos de ellos están vestidos con túnicas bíblicas, otros, según MacDonald, parecen recién ingresados desde la Plaza de San Marcos. De hecho, entre los personajes secundarios se encuentran aristócratas venecianos y extranjeros destacados, que pueden ser reconocidos por sus trajes exóticos. Entre los invitados se encuentran figuras como María I de Inglaterra, Solimán el Magnífico (décimo sultán del Imperio Otomano) y la voluntad del emperador Carlos V. Veronese de promover estas convenciones indica el sentido de insolencia que surge de su deseo de enfatizar lo sagrado con el profano.

También hay una historia que, lamentablemente, no se puede verificar, pero sin embargo, pasó a formar parte de la leyenda de la imagen. Cuenta la leyenda que el músico en primer plano no es otro que Veronese. Está rodeado por otros dos maestros venecianos, Tiziano y Bassano, y la figura que contempla una copa de vino (a su izquierda) es el poeta y escritor Pietro Aretino.

Los retratos fueron solo una pequeña parte del trabajo de Paolo, y por eso tienen su propio significado. En la pintura "Retrato de Daniele Barbaro" se sienta el jefe de una familia aristocrática y uno de los principales mecenas de Veronese. Su ropa da testimonio de su alto estatus en las instituciones religiosas locales, y los textos en su escritorio dan testimonio de su erudición. Sin embargo, Barbaro se encuentra en un ángulo históricamente reservado solo para cardenales y papas.

El libro vertical es su obra La Practica della Perspettiva (1568), cuyo significado viene determinado por los diferentes planos del cuadro. El volumen que sostiene en su mano izquierda es su manuscrito de De Architectura de Vitruvio (alrededor del 30 a. C.), con ilustraciones de paladio, destacando la estrecha conexión entre las tres personas. La interacción entre la luz y los textiles se ilumina con un fondo oscuro. El retrato pintado por Veronese marcó un avance hacia un tipo de retrato más complejo, en el que los magníficos trajes y los efectos pictóricos se equilibraban con una representación psicológica más profunda.

Esta pintura histórica, titulada "La familia de Darío antes que Alejandro", muestra a Alejandro el Grande recibiendo a la familia del rey persa Darío III, que acababa de derrotarlo en la batalla. La madre del zar Darío, Sizigambis, arrodillada en el centro de la imagen, confunde erróneamente al amigo y asistente de Alejandro Hefestión (probablemente estaba fascinado por el atuendo del consejero) con el monarca victorioso. Alejandro pasa por alto este insulto potencialmente grave en su demostración de benevolencia y nobleza. Veronese interpreta esta escena de forma un tanto ambigua, y se le puede perdonar al espectador que piense que Hefestión es realmente Alejandro. Sin embargo, la mayoría de las figuras están elegantemente vestidas al estilo veneciano moderno, y el victorioso Alejandro, vestido más bien con una armadura heroica, pertenece a los orígenes de la pintura histórica clásica.

Como muchas de las pinturas de Veronese, el entorno arquitectónico está diseñado para crear una pintura de horizonte bajo que ayuda a reproducir la experiencia visual de una producción teatral popular. De hecho, Paolo exageró el drama de esta escena, describiendo eventos en los terrenos del palacio (y no en la tienda militar). Además, renuncia a todas las obligaciones con el naturalismo, vistiendo a sus figuras o personajes con ropas ostentosas. El propio Johann Wolfgang von Goethe defendió la extravagancia de la imagen del sastre:.

El hecho de que Venecia fuera en ese momento un importante centro del comercio mundial significaba que importaba una amplia gama de materias primas utilizadas en la producción de pinturas. Así, historiadores e historiadores del arte pueden decir que el hecho de que Veronese sea considerado un colorista tan destacado puede explicarse, al menos en parte, por su entorno.

Sin embargo, cualquiera de sus obras es digna de especial atención y admiración. Y no es de extrañar que su obra sea tan valorada en todo el mundo, provocando mucho razonamiento, reflexión e incluso polémica.

Hablaron y hablaron de ellos, su trabajo es admirado hasta el día de hoy. Pero prácticamente nadie sabe cómo y cómo los artistas expresionistas lograron conquistar el mundo.