¿De dónde se inspiró el genio catalán del surrealismo para sus pinturas inimitables: Joan Miró

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

Joan Miró se convirtió en uno de los artistas de vanguardia más influyentes del siglo XX en Europa. Se inspiró en los movimientos surrealistas y cubistas que surgieron en Europa a principios de siglo, y continuó desarrollando su propio estilo distintivo, creando piezas inusuales y, a veces, caprichosas.

Joan Miró fue un influyente pintor, escultor, ceramista y grabador del siglo XX que nació en 1893 en la región catalana de España, cerca de Barcelona. Comenzó a pintar de niño y luego asistió a la escuela de negocios, así como a la Escuela de Bellas Artes de La Longja.

En su juventud, se familiarizó con el rico folclore de Cataluña, que más tarde influyó en su imaginería, en la que veía todas las formas naturales como criaturas, incluidos guijarros y árboles. Durante una visita al Museo de Cataluña en Barcelona, también se familiarizó con los interiores terminados de iglesias con frescos de los siglos IX-XII, con su ejecución relativamente tosca e imágenes simples, planas y caricaturizadas.

Todos estos elementos se pueden ver en el trabajo del artista, así como el uso de diferencias de escala, donde una forma es desproporcionadamente más grande que otras, una técnica que a menudo usan los niños cuando hacen que los objetos más importantes para ellos sean los objetos más grandes en el imagen.

Después de tres años en la escuela de negocios, Joan consiguió un trabajo como contable en una farmacia que sus padres le habían elegido. Allí trabajó en exceso y se enfermó gravemente, al borde de un "ataque de nervios", al que siguió un ataque de fiebre tifoidea. Luego, sus padres lo llevaron a su nueva granja rural Montroig, ubicada en un aislado pueblo catalán. Su estado de salud obligó a sus padres a permitirle hacer lo que más quería hacer: pintar. Asistió a la Academia Gali de Barcelona (una academia amante de la libertad influenciada por artistas extranjeros contemporáneos, donde también se interesó por la literatura y la música). También aprendió a pintar con solo tocar, no con la vista.

Durante el período dadaísta, Ferrat comenzó a leer poetas surrealistas de vanguardia como Apollinaire y Pierre Reverdi. Conoció a Josep Llorens y Artigas, que se convirtió en su amigo de toda la vida y con quien colaboraría en proyectos de alfarería en los años siguientes. Joan también fue influenciado por el fauvismo (en particular, Henri Matisse) y el cubismo, que comenzó en los primeros años del siglo XX, dando inicialmente su preferencia a la pintura de bodegones.

De 1915 a 1918 pintó desnudos, luego retratos y paisajes. Y luego comenzó a geometrizar formas y usar colores independientemente de su existencia en la naturaleza (como los fauvistas, que usaban colores brillantes que no son visibles en la naturaleza). También comenzó a buscar señales y símbolos que representaran a personas y animales en tensión o en movimiento. En su juventud, estuvo más influenciado por Paul Cezanne, Manet, Claude Monet y Vincent Van Gogh. La Galería Dalmau de Barcelona fue un lugar de encuentro para los visitantes extranjeros. Fue allí donde Joan conoció a Francis Picabia, un pintor dadaísta.

A lo largo de su vida estuvo influenciado por su herencia catalana, como la cerámica catalana decorada y los frescos catalanes, que fueron restaurados en la década de 1920 y pintados con patrones planos de estilo popular. Con el tiempo, comenzó a gravitar hacia el surrealismo.

Miró ha expuesto su obra en exposiciones surrealistas, y fue particularmente influenciado por los poetas surrealistas que, en su afán de penetrar en el subconsciente, jugaron juegos como Exquisite Corpse para componer poesía. Cadáver exquisito (consecuencias) es una técnica mediante la cual se transmite un vocabulario a un grupo de poetas, cada uno de los cuales selecciona una palabra al azar. Cualesquiera que sean las palabras que aparecieron, se alinearon en un poema. Así es como se creó la expresión "Cadáver exquisito". También utilizaron las técnicas del automatismo mental (por ejemplo, la asociación libre) y el "trastorno sistemático de los sentimientos".

Como resultado, Joan y otros artistas desarrollaron una forma de transferir estas técnicas a su entorno visual, utilizando sus sueños y asociaciones visuales libres. En ese momento, Ferrat pintó alrededor de un centenar de cuadros de sus sueños y este fue su período más surrealista. También ilustró poesía surrealista en colaboración con poetas.

Después de mudarse a París, el arte de Joan sufrió grandes cambios: pasó a formas más simbólicas (por ejemplo, jeroglíficos), formas geométricas y ritmo general. Sus formas incluían gatos, mariposas, maniquíes y campesinos catalanes, y había movimiento visual en su imaginería.

Más tarde comenzó a pintar figuras tomadas del arte popular catalán y pinturas basadas en postales de algunos interiores holandeses que vio en Holanda, de artistas como Jan Steen. Las imágenes con las que trabajaba estaban llenas de formas. Joan simplificó gradualmente las formas y recortó la imagen en gran medida, utilizando divisiones geométricas y movimientos de flexión en las composiciones.

Luego completó la primera fase de su creatividad y comenzó a cuestionar y reevaluar su trabajo durante los siguientes diez años, que fueron luchas para él, financieras y artísticas. Comenzó a experimentar con materiales: hizo collages de papel y collages utilizando imágenes de objetos comunes como utensilios domésticos, automóviles, así como clavos reales, cuerdas, etc. Este período de experimentación lo ayudó a deshacerse de las prácticas tradicionales y deshacerse de detalles familiares y un técnico en el trabajo.

Al utilizar objetos que no tienen significado, los artistas pueden concentrarse en las cualidades abstractas de los objetos en lugar de en los significados o emociones asociados, lo que permite una mayor libertad formal. Estos objetos neutrales, sin ningún valor o significado estético especial, desvían la atención del sujeto y la dirigen hacia la forma y el contenido de la imagen. Después de crear tales collages, Miro transfirió la imagen del collage al lienzo.

Aunque a menudo se describe a Miro como un artista abstracto, él mismo creía que no era así; incluso consideró un insulto llamar abstracto a su trabajo, ya que argumentó que cada forma en sus imágenes se basa en algo del mundo externo, simplemente simplificado en sus características formas biomórficas y líneas curvas.

Durante la Guerra Civil española, fueron muchas las atrocidades cometidas por las tropas fascistas de Franco, como las describe Picasso en su famoso Guernica. A pesar de que Miro no era un artista político, sus formas en este momento representan una cierta brutalidad, con distorsión y colores llamativos. Realizó un fresco para el pabellón español de la exposición parisina "The Reaper".

En el 40-41 inició su famosa serie de veintidós constelaciones, formada por puntos negros que representan estrellas sobre un fondo blanco, utilizando gouache y óleo diluido sobre papel. Durante la Segunda Guerra Mundial, el artista se quedó en España y su obra empezó a estar influenciada por la noche, la música y las estrellas. Sus formas se volvieron aún más abstractas, y usó una serie de técnicas en su trabajo, por ejemplo, cuando las líneas se cruzaban, había un toque del color principal, cuando el rojo y el negro se superponían, aparecía el amarillo.

Un par de años después, regresó a la pintura, ahora agregando cualidades caligráficas a sus imágenes, y a los 44 comenzó a ganar fama internacional a través de su exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y su presencia en la Exposición Surrealista Internacional de Nueva York. París, organizado por Marcel Duchamp y André Breton.

Después de las exposiciones, fue invitado a encargar un mural para un hotel en Cincinnati, Ohio. Y luego hizo otro mural para la escuela de posgrado de Harvard. A lo largo de la década del 40 también pintó algunas "figuras de palitos", y en la década del 50 sus imágenes contenían formas que casi parecían pictogramas primitivos. Pintó cerámica y talló en arcilla figuritas pequeñas como diosas primitivas de la fertilidad y jarrones sencillos con pájaros y cabezas. Su estilo y técnicas cambiaban constantemente, trayendo nuevos y más interesantes trazos y direcciones a su trabajo.

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