Por qué el público ridiculizó el trabajo de los impresionistas y cómo terminó todo (Parte 1)

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

El movimiento, que buscaba capturar la vida, la luz y el momento modernos, se ha convertido en uno de los géneros favoritos del siglo XXI. Pero los impresionistas fueron fuertemente rechazados por el establecimiento artístico y el público en las décadas de 1860 y 1870. Muchos de ellos lucharon para llegar a fin de mes. Y por momentos, algunos de ellos incluso provocaron una tormenta de indignación, mostrando al mundo sus obras, que siempre son condenadas y rechazadas por la sociedad.

1. Edouard Manet: desayuno en la hierba

Presentado por Edouard Manet en el Salon des Beaux-Arts (una exposición anual organizada por la influyente y conservadora Academia de Bellas Artes), Breakfast on the Grass fue rechazado por el jurado. En cambio, el cuadro se exhibió en otra exposición, realizada en 1863 bajo el título "Salón de rechazos" (o Exposición de rechazos), abierta a más de tres mil obras, que fueron rechazadas por el jurado del Salón, donde recibió reacciones hostiles de tanto el público como el lado de los revisores. Las multitudes visitaron la exposición para burlarse y reírse del trabajo al aire libre.

Los críticos dijeron que Breakfast on the Grass estaba tan desprovisto de delicadeza que podía pintarse con un trapeador, y las personas en el cuadro parecían un crítico de marionetas. El problema era que este cuadro no era arte. De la forma en que los franceses sabían él. Después de todo, Manet no representó la mitología griega, la historia romana o una escena religiosa. Además de eso, la pintura no fue pintada con pinceladas finas mezcladas que produjeran un efecto casi fotográfico. En cambio, usó colores llamativos, pinceladas amplias y sin mezclar, y retrató una escena moderna arriesgada en ese momento. Como resultado, los franceses no pudieron apreciar tales pinturas durante otras dos o tres décadas.

En cuanto a la obra en sí, en primer plano, muestra a una bella mujer desnuda charlando con dos jóvenes bien vestidos, mientras la segunda mujer se baña un poco más lejos de ellos. La mirada se dirige inmediatamente al desnudo, pero tras una inspección más cercana, surgen una serie de preguntas. ¿Por qué los hombres están completamente vestidos cuando una mujer está desnuda? ¿Está confundida? ¿Por qué se viste la figura femenina bañándose? ¿Qué está haciendo (lavarse los pies, pescar …)? ¿Tiene la pintura un problema real con la perspectiva? Si bien es interesante, este debate pierde el sentido. Manet hizo una declaración controvertida con este trabajo. Desafió la ortodoxia y demostró sus nuevos métodos. Y funcionó: todo París empezó a hablar de él. Le Dejuner Sur l'herbe está en la colección permanente del Musée d'Orsay de París. Hay una versión anterior más pequeña de este trabajo en la Courtauld Gallery de Londres.

2. Claude Monet, Rising Sun, 1872

En 1873, el grupo, conocido como los impresionistas, finalmente se desilusionó con el Salón y decidió organizar su propia exposición. Y a pesar de que la mayoría de ellos lo hizo, Manet se negó a unirse a la exposición independiente, ya que temía que lo expulsara aún más del establecimiento artístico francés. La primera exposición del grupo, celebrada en 1874, incluyó obras de Monet, Cézanne, Renior, Degas y Pissarro y se organizó en la Rue de Capuchins.

El grupo formó una empresa en la que cada uno de ellos poseía acciones y cobraba una tarifa de entrada de un franco. La asistencia fue buena (vinieron unas tres mil quinientas personas), pero las malas impresiones del Salón se repitieron nuevamente, porque el público vino a burlarse y las críticas fueron hostiles. Uno de los críticos dijo que la exposición fue obra de un bromista que se divirtió con el hecho de que, "mojando pinceles en pintura, lo untó sobre los patios del lienzo, firmándolos con diferentes nombres". Pero la reseña más famosa y largamente discutida la dejó Louis Leroy, quien habló poco halagador sobre Cuadro de Monet "Amanecer":.

Desafortunadamente, el público no entendió y no aceptó durante mucho tiempo que los impresionistas estaban probando algo nuevo; pinturas que reflejaban cómo se sentían acerca de la escena, no pinturas que estaban cerca de la imagen fotográfica Entonces, ¿qué es exactamente "Amanecer" y por qué fue recibido con hostilidad? El amanecer es en realidad una pintura del puerto de Le Havre, la ciudad natal de Monet, al amanecer. Los ojos son atraídos por dos pequeños botes de remos en primer plano y el sol rojo se refleja en el agua. Detrás de ellos se encuentran las chimeneas y los mástiles clipper que dan estructura a la obra. Sigue siendo un misterio por qué una obra tan inofensiva durante mucho tiempo sucumbió a las duras críticas y al ridículo. Como resultado, a pesar de las críticas poco halagüeñas, en 1985 este cuadro fue robado por cinco bandidos enmascarados y no regresó durante cinco años (después de haber estado escondido en una pequeña villa corsa). Hoy, Sunrise se encuentra en el Musée Marmottan-Monet de París, un pequeño museo que exhibe más de trescientas obras del gran pintor impresionista.

3. Edgar Degas, clase de baile

Edgar Degas, hijo de un rico banquero, era un hombre complejo. Al padre de Degas (a diferencia del padre de Manet) no le importaban las ambiciones artísticas de su hijo. Pero Degas comenzó como un pintor clásico, copiando pinturas de los viejos maestros en el Louvre y en Italia, Holanda y España. Fue solo a principios de la década de 1870 que centró su atención en el impresionismo. Edgar expuso en una serie de ocho exposiciones impresionistas en 1874 y después. De hecho, jugó un papel clave en su organización. Pero su participación siempre ha sido controvertida: era exigente, severo y no le gustaba que lo llamaran impresionista. Degas también fue difícil en otros aspectos. De vez en cuando aceptaba invitaciones a cenar, pero solo si se cumplía una larga lista de condiciones: no cocinar en aceite, no poner flores en la mesa, no oler a perfume, no tener mascotas en la habitación, cenar debería haber servido exactamente a las 7:30 y las luces deberían estar atenuadas. El artista se negó a pintar en la calle y realmente no le gustaban mucho los paisajes. Esto es lo que hizo que el teatro de la ópera y sus prácticas de ballet fueran ideales.

La serie Dance Classes de Degas incluye todas las obras impresionistas: se trata de escenas contemporáneas que utilizan colores vibrantes para dar al espectador una sensación de movimiento. Además, ellos, como la personalidad de Edgar, están desprovistos de cualquier sentimentalismo. Es interesante el momento en que las pinturas no son capturadas por los hijos de la élite rica. Los bailarines representados son los hijos de los pobres y las medias luces parisinas, que se esfuerzan por ganarse la vida. Entrenaron durante largas horas bajo la austera tutela del famoso y dominante bailarín Jules Perrot, a quien a menudo se representaba de pie, apoyado en un gran bastón.

El motivo principal de Degas en la pintura de bailarines de ballet fue la financiación, porque tal plan se vendió bien. Y en la década de 1870, el artista necesitaba dinero porque su hermano comenzó un negocio familiar. Las versiones de la clase de baile de Degas se pueden encontrar en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y en el Museo de Orsay de París.

4. Claude Monet, Gare Saint-Lazare

En 1877, Monet tuvo una muy buena idea: decidió pintar niebla. Pero no quería esperar el momento adecuado y el clima. Luego se le ocurrió otra muy buena idea: sacar el vapor y el humo de la estación de tren. Pero eso también fue un poco complicado: necesitaba acceder a la plataforma y tendría que luchar contra los trenes que iban y venían. Como resultado, el artista fue a la estación al maestro de la estación y, como Renoir explicó más tarde, se veía así:

Monet le dijo al jefe de estación que estaba sopesando los méritos en competencia de la Gare du Nord y Saint-Lazare, optando por Saint-Lazare. Por su parte, el jefe de estación sabía poco sobre el arte y, por lo tanto, no se atrevió a desafiar las credenciales de Monet. Y, pensando que había ganado una ventaja sobre la Gare du Nord, le dio a Monet todo lo que quería: los andenes estaban cerrados, los trenes estaban llenos de carbón, las salidas se retrasaron. Después de unos días de pintar, Monet se fue con la mitad una docena de lienzos. Y luego … fue un éxito colosal: el espectador siente casi físicamente el calor, el ruido y el olor de la estación. Como señaló un crítico, las pinturas recrean la impresión que causa en los viajeros el ruido de los trenes que se acercan y salen.

Incluso Albert Wolff, uno de los comentaristas más conservadores de la época, elogió en la dirección opuesta: el cuadro produjo "una impresión desagradable de varias locomotoras de vapor silbando al mismo tiempo". Paul Durand-Ruel, el galerista impresionista más confiable, compró este lote a Monet y dio pequeñas sumas al resto del grupo. En total, Monet pintó doce cuadros "Gare Saint-Lazare", que se encuentran en todo el mundo, incluidos los museos de Londres y París.