7 talentosas mujeres surrealistas que podrían ser dignas rivales de Frida Kahlo

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 00:02

El surrealismo no fue solo un movimiento artístico, sino también un deseo de libertad, que abarca todos los aspectos de la vida. Como dijo Meret Oppenheim, las mujeres surrealistas vivían y trabajaban con un "deseo consciente de ser libres". Como sus homólogos masculinos, las mujeres surrealistas también eran activistas políticas, defensoras de los derechos de las mujeres y luchadoras revolucionarias. Vivieron vidas extraordinarias como individuos libres, inventando su propia belleza y dignidad, expresando energía inmediata, atractivo y humor, y no es de extrañar que algunos de ellos superaran no solo a los artistas masculinos, sino también a la legendaria Frida Kahlo, cuyas pinturas han sido utilizadas. durante muchos años, inmensamente popular en todo el mundo.

Cuando Violetta Nozières, de dieciocho años, confesó haber envenenado a su padre el 21 de agosto de 1933, la prensa francesa estalló de indignación contra ella. Según la opinión pública, Violetta era una "niña frívola", que mostraba tendencias propias de las mujeres "emancipadas" recién creadas, que llevaban una vida disoluta, en contraste con sus compañeras trabajadoras. No importaba si las acusaciones eran ciertas, en cualquier caso, la prensa decidió convertirla en chivo expiatorio.

Y sin embargo, todavía había una voz solitaria de desacuerdo: los surrealistas mostraron su apoyo a la creatividad colectiva, eligiendo a Violetta como su Ángel Negro, una musa que los inspiraría a luchar continuamente contra la mentalidad burguesa y sus mitos sobre la ley y el orden, la lógica. y razón. El sistema que condujo a la desigualdad social de la era postindustrial y al horror de la Primera Guerra Mundial fue, según los surrealistas, irreparablemente defectuoso. Para derrotarlo, no solo se necesitaba una revolución política, sino también cultural.

Por lo tanto, la emancipación de la mujer fue fundamental para el derrocamiento del capitalismo y el patriarcado, comenzando con un desafío a la percepción burguesa de la mujer como inherentemente buena, desinteresada, sumisa, ignorante, piadosa y obediente.

Poesía. Libertad. Amor. La Revolución. El surrealismo no es un escapismo caprichoso, sino una conciencia expandida. La falta de límites y censura proporcionó un lugar seguro para discutir y procesar el trauma colectivo de la Primera Guerra Mundial, y también proporcionó una salida para las necesidades creativas de las mujeres.

Aunque fueron bien recibidas y participaron activamente en el movimiento, la comprensión surrealista de las mujeres todavía estaba muy arraigada en los estereotipos de idealización. Las mujeres eran percibidas como musas y objetos de inspiración, o despertaban admiración como figuras infantiles dotadas de una imaginación viva debido a su ingenuidad y predisposición a la histeria.

Fue a través del trabajo de las mujeres surrealistas que las identidades de las mujeres realmente tuvieron la oportunidad de florecer, firmemente arraigadas en el mundo del arte, al apropiarse del mito de la musa para expresar todo su potencial como creadoras activas. Durante mucho tiempo, las mujeres artistas fueron recordado principalmente por sus relaciones, a menudo sentimentales, con artistas masculinos. Solo recientemente su trabajo ha sido analizado de forma independiente y se le ha prestado la atención que merece.

1. Valentine Hugo

Valentina Hugo nació en 1887 y recibió una formación académica como artista que estudió en la Escuela de Bellas Artes de París. Al crecer en una familia progresista e ilustrada, siguió los pasos de su padre y se convirtió en ilustradora y dibujante. Conocida por su trabajo con el ballet ruso, ha desarrollado fuertes lazos profesionales con Jean Cocteau. A través de Cocteau, Hugo conoció a su futuro esposo Jean Hugo, bisnieto de Victor Hugo, y a André Breton, el fundador del movimiento surrealista, en 1917.

Gracias a esta amistad, se acercó cada vez más al grupo de artistas recién formado, que incluía a Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso y Salvador Dali. Durante este tiempo, se unió a la Oficina de Estudios Surrealistas y expuso su trabajo en salones surrealistas en 1933 y en la exposición Fantastic Art, Dada, Surrealism en el Museo de Arte Moderno en 1936.

Suicida por sus colegas surrealistas Rene Crevel y la partida de Tristan Tzara y Éluard, dejó el grupo surrealista para siempre. En 1943, su palabra se incluyó en la Exposición de 31 mujeres de Peggy Guggenheim. Su primera exposición retrospectiva tuvo lugar en Troyes, Francia, en 1977, diez años después de su muerte.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim nació en Berlín en 1913 pero se mudó a Suiza al comienzo de la Primera Guerra Mundial. Su madre y su abuela, que crecieron en una familia próspera, eran sufragistas. La abuela fue una de las primeras mujeres en estudiar pintura. En su casa de Karon, Meret conoció a muchos intelectuales y artistas, como los pintores dadaístas Hugo Ball y Emmy Hennings, así como al escritor Hermann Hesse, quien se casó con su tía (y luego se divorció de ella).

Su padre, un médico, era un amigo cercano de Carl Jung y a menudo asistía a sus conferencias: introdujo a Meret en la psicología analítica y la animó a llevar un diario de sueños desde una edad temprana. Gracias a este conocimiento, Meret fue quizás el único surrealista que tenía autoridad en psicoanálisis. Curiosamente, también fue una de los pocos surrealistas que prefirió a Jung a Freud.

En 1932 se traslada a París para seguir su carrera artística, tomando contacto con el surrealismo a través del escultor suizo Alberto Giacometti. Pronto se hizo amiga del resto del grupo, que en ese momento incluía a Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dali, Ernst y Rene Magritte.

Sentado en un café parisino con Picasso y Dora Maar en 1936, Picasso notó un inusual brazalete forrado de piel diseñado para la casa de Elsa Schiaparelli en la muñeca de Oppenheim. En una versión explícita de los hechos, Picasso comentó cuántas cosas que disfrutaba podrían mejorarse con un trozo de piel, a lo que Oppenheim respondió: "¿Incluso esta taza y platillo?"

El resultado de esta broma lúdica fue el objeto surrealista más famoso de Oppenheim, Déjeuner en Fourrure, que fue comprado por Alfred Barr para el recién creado Museo de Arte Moderno. Considerada "la quintaesencia de un objeto surrealista", la taza forrada de piel se convirtió en la primera obra del artista en la colección permanente del museo. Si bien su trabajo fue recibido con entusiasmo por sus colegas masculinos, todavía luchó por establecerse como artista por sus propios méritos y evitar ser una musa y un objeto de inspiración.

Su naturaleza independiente, emancipación y rebeldía la convirtieron a los ojos de sus colegas masculinos en una encarnación fetichizada de femme-enfant. Esta lucha por la identidad, el impacto del antisemitismo en las prácticas de su padre y la diáspora surrealista durante la Segunda Guerra Mundial obligaron a Meret a regresar a Suiza. Aquí cayó en una profunda depresión y desapareció del ojo público durante casi veinte años.

Trabajando activamente durante las décadas de 1960 y 1970, finalmente se distanció del movimiento, rechazando las referencias al surrealismo de la época de Breton. Simpatizante del feminismo, sin embargo, nunca traicionó su creencia junguiana de que no hay diferencia entre hombres y mujeres, negándose firmemente a participar en exposiciones "solo para mujeres".

Su misión en la vida era romper las convenciones y los estereotipos de género, trascendiendo por completo la división de género y recuperando la total libertad de expresión., - ella dijo.

3. Valentine Penrose

Valentina Penrose, una de las artistas surrealistas más críticas e irreverentes, ha dedicado gran parte de su vida a destruir la percepción burguesa de las mujeres como originalmente buenas, altruistas, adoradoras de maridos, sumisas, ignorantes, piadosas, trabajadoras y obedientes esposas e hijas.

Una de las primeras mujeres en unirse al movimiento, Penrose estaba fascinada por los ejemplos de mujeres poco ortodoxas y ella misma vivió una vida poco convencional. Nacida en 1978 como Valentina Bouet, se casó con el historiador y poeta Roland Penrose en 1925, tomando su apellido. Se mudó con su esposo a España en 1936 para unirse a la milicia obrera en defensa de la revolución. Su interés por el misticismo y la filosofía oriental la llevó repetidamente a la India, donde estudió sánscrito y filosofía oriental. Valentina estaba particularmente interesada en el tantrismo, en el que descubrió una valiosa alternativa a la obsesión surrealista por la atracción "genital", influenciada por el psicoanálisis de Freud.

Ella creía que la visión surrealista de las mujeres como una "otra mitad" necesaria finalmente no logró liberar a las mujeres de sus roles burgueses y les impidió encontrar un camino independiente. Su creciente interés en el ocultismo y el esoterismo eventualmente abrió una brecha entre ella y su esposo, lo que la llevó a un divorcio en 1935. Al año siguiente, viajó nuevamente a la India con su amiga y amante Alice Paalen. Pero después de que las dos mujeres se separaron, el lesbianismo se convirtió en un tema recurrente en el trabajo de Penrose, a menudo centrado en los personajes Emily y Rubia. Su novela de collage de 1951, Feminine Gifts, se considera un libro surrealista arquetípico. Representando las aventuras de dos amantes que viajan a través de mundos de fantasía, el libro es una colección fragmentada de poesía bilingüe y collages yuxtapuestos, organizados sin sucesión y con un mayor nivel de complejidad.

Siempre desafiando el estereotipo de la mujer ideal, en 1962 publicó su obra más famosa, la romántica biografía del asesino en serie Erzbieta Bathory, The Bloody Countess. La novela, que sigue a un monstruo gótico lesbiano, requirió años de investigación en Francia, Gran Bretaña, Hungría y Austria. Siempre cerrada a su ex marido, pasó los últimos años de su vida en su casa de campo con su segunda esposa, la fotógrafa estadounidense Lee. Miller, también conocida como Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon ha creado muchos personajes diferentes para evitar la discriminación y los prejuicios, comenzando con la elección de un seudónimo, un nombre de género neutro que ha usado durante la mayor parte de su vida. Kaon es un ejemplo simbólico de una artista que, si bien sigue siendo casi desconocida en su época, ha ganado popularidad y reconocimiento en los últimos años, siendo una de las más famosas entre las mujeres surrealistas. A menudo considerada la precursora del arte feminista posmoderno, su arte de género y la definición ampliada de feminidad que ha propuesto se han convertido en precedentes fundamentales en el discurso posmoderno y el feminismo de la segunda ola.

Caon entró en contacto con los surrealistas a través de la Asociación Écrivains et Artistes Révolutionnaires, donde conoció a Breton en 1931. En los años siguientes, exhibió regularmente con el grupo: su famosa fotografía de Sheila Legg parada en Trafalgar Square apareció en muchas revistas y publicaciones. A pesar de la posición revolucionaria, los comunistas consideraban la homosexualidad como un lujo que solo la élite disoluta podía permitirse.

Claude vivía con su media hermana y compañera de toda la vida, Suzanne Malherbe, quien también adoptó el seudónimo masculino de Marcel Moore. La desigualdad salarial privó deliberadamente a las mujeres de la oportunidad de ser autosuficientes, por lo que tuvieron que depender del apoyo económico del padre Kaon para sobrevivir. Sin una audiencia externa, el arte de Kaon se creó principalmente en un entorno hogareño, proporcionando una mirada sin filtros a su experimentación artística. Utilizando máscaras y espejos, Claude contempló la naturaleza de la identidad y su pluralidad, sentando un precedente para artistas posmodernos como Cindy Sherman.

Con sus fotografías, Claude rechazó y trascendió los mitos modernistas (y surrealistas) sobre la feminidad esencial y la mujer ideal, planteando la idea posmoderna de que el género y el atractivo se construyen y ejecutan de hecho, y que la realidad no se aprende simplemente a través de la experiencia, sino que se define. a través del discurso. Durante la invasión alemana, Claude y Marsella fueron arrestados por sus esfuerzos antifascistas y condenados a muerte. Aunque vivieron para ver el día de la liberación, la salud de Claude nunca se recuperó por completo y finalmente murió a la edad de sesenta años en 1954. Marcel la sobrevivió durante varios años, después de los cuales, en 1972, se suicidó.

5. Maria Cherminova (Toyen)

Su nombre de nacimiento es Maria Cherminova, más conocida como Toyen, fue parte del surrealismo checo y trabajó junto al poeta surrealista Jindřich Štyrski. Al igual que Kaon, Toyen también adoptó un seudónimo de género neutro. Un personaje ambiguo, Toyen desafió por completo las convenciones de género, vistiendo ropa tanto masculina como femenina y adoptando pronombres de ambos sexos. Aunque era escéptica del surrealismo francés, su trabajo coincidió en gran medida con el movimiento bretón y, en la década de 1930, la artista se había convertido en un miembro integral del surrealismo. Siempre transgresor, el interés de Toyen por el humor negro y el erotismo la ha cimentado en la tradición surrealista del arte hipersexual e irreverente, influenciado por las obras del Marqués de Sade.

En 1909, Apollinaire encontró uno de los raros manuscritos de Sade en la Biblioteca Nacional de París. Profundamente impresionado, lo describió como "el espíritu más libre que jamás haya existido" en su ensayo L'oeuvre du Marquis de Sade, contribuyendo al resurgimiento de la popularidad de De Sade entre los pintores surrealistas. De Sade, en cuyo nombre se origina el sadismo y el sadismo, pasó la mayor parte de su vida en prisión o en hospitales psiquiátricos por sus escritos que combinaban el discurso filosófico con la pornografía, la blasfemia y las fantasías eróticas de violencia. A pesar de la severa censura, sus libros han influido en los círculos intelectuales europeos durante los últimos tres siglos.

Como los bohemios antes que ellos, los surrealistas estaban intrigados por sus historias, identificándose con la personalidad revolucionaria y provocadora de De Sade y admirando sus ataques contradictorios al gusto y la rigidez burgueses. Mezclando violencia y atracción, la actitud sádica se convirtió en un medio para liberar impulsos innatos escondidos en el subconsciente: - leer el Primer Manifiesto del Surrealismo. Toyen rindió homenaje al escritor libertino con una serie de ilustraciones eróticas para la traducción checa de Justine de Shtyrsky.

Sin embargo, el aspecto político nunca presente del arte de Toyen se hizo más pronunciado a medida que la situación política en Europa se deterioró: la serie Tyr revela la naturaleza destructiva de la guerra a través de la iconografía de los juegos infantiles. Se estableció en París en 1948 después de la toma del poder comunista en Checoslovaquia, Toyen permaneció activo hasta su muerte en 1980, continuando trabajando con el poeta y anarquista Benjamin Pere y el artista checo Jindrich Heisler.

6. Itel Kohun

Separados durante la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas de segunda generación tendieron a distanciarse de la corriente principal, desarrollando sus propias direcciones de investigación. Las artistas femeninas asumieron la idea surrealista de la mujer mítica y la transformaron en una imagen poderosa de una hechicera y un ser que controla sus poderes transformadores y generativos. Femme-enfant, que inspiró a la primera generación de mujeres surrealistas, es ahora una femme-sorciere, dueña de su propio poder creativo.

Mientras que los artistas masculinos parecían necesitar un medio externo, a menudo un cuerpo femenino, como medio para su subconsciente, las artistas femeninas no tenían tales barreras, utilizando sus propios cuerpos como base para su búsqueda. La yo-otredad, el alter ego a través del cual las artistas mujeres exploraban su interior, no era del sexo opuesto, sino de la naturaleza misma, a menudo representada a través de animales y criaturas fantásticas.

Para su generación, sobreviviendo a dos guerras mundiales, una depresión económica y una revolución fallida, la magia y el primitivismo fueron liberadores. Para los artistas, la magia era un medio de cambio, uniendo y deteniendo el desarrollo del arte y la ciencia, una alternativa muy necesaria a la religión y el positivismo que condujo a las atrocidades de la guerra. Finalmente, para las mujeres, el ocultismo se ha convertido en un medio para derrocar las ideologías patriarcales y empoderar al yo femenino.

No es sorprendente que Itel Kohun se interesara por el ocultismo a la edad de diecisiete años después de leer Abbey of Thelema de Crowley. Educada en la Slade School of Art, se trasladó a París en 1931. Sin embargo, fue en Gran Bretaña donde su carrera realmente despegó: después de realizar una serie de exposiciones individuales, a fines de la década de 1930 se convirtió en una de las figuras destacadas del surrealismo británico. Su afiliación al movimiento duró poco y se fue después de un año, cuando se vio obligada a elegir entre el surrealismo y lo oculto.

Si bien continuó definiéndose a sí misma como una artista surrealista, romper los lazos formales con el movimiento le permitió desarrollar una estética y una poesía más personal. A su manera, utilizó muchas técnicas surrealistas como frottage, decalomania, collage, y también desarrolló sus propios juegos inspiradores como parsemage y grafomanía entóptica. Dirigiendo la fuerza oscura, Itel reconoció en las mujeres el potencial de creación, salvación y resurrección, que las conectaba con la naturaleza y el espacio.

Su trabajo, que traza paralelismos entre la conservación de la naturaleza y la emancipación de la mujer, sentó un poderoso precedente para el desarrollo futuro del ecofeminismo. La búsqueda de la diosa perdida fue un reencuentro de las mujeres con la naturaleza y el redescubrimiento de su propio poder, un viaje que condujo al retorno del conocimiento y el poder.

7. Leonora Carrington

Leonora Carrington, una de las mujeres surrealistas más longevas y prolíficas, fue una artista británica que huyó a México durante la diáspora surrealista. Nació en 1917 de un adinerado fabricante de textiles británico y una madre irlandesa. Debido a su comportamiento rebelde, fue expulsada de al menos dos escuelas. Más de veinte años más joven que la mayoría de los surrealistas, Carrington entró en contacto con el movimiento exclusivamente a través de exposiciones y publicaciones.

En 1937, conoció a Max Ernst en una fiesta en Londres. Inmediatamente se hicieron cercanos y se mudaron juntos al sur de Francia, donde rápidamente se separó de su esposa. En este momento, se escribió una de sus obras más famosas, "Autorretrato". Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Ernst fue internado como "extranjero no deseado", pero fue liberado gracias a la intercesión de Eluard. Recién arrestado por la Gestapo, escapó por poco de un campo de internamiento, lo que lo llevó a buscar refugio en Estados Unidos, donde emigró con la ayuda de Peggy Guggenheim y Varian Fry.

Sin saber nada del destino de Ernst, Leonora vendió su casa y huyó a la España neutral. Devastada, sufrió un colapso mental en la embajada británica en Madrid. Hospitalizada, fue tratada con terapia de choque y drogas pesadas que la hicieron alucinar y desmayarse. Después de un curso de tratamiento, la mujer huyó a Lisboa y luego a México. Allí se casó con el embajador mexicano Renato Deluc y vivió con él por el resto de su vida hasta su muerte en 2011. Su búsqueda de la espiritualidad femenina se basó en el ensayo de Groves de 1948, La diosa blanca, que despertó un renovado interés en la mitología pagana. Un mito popular para las mujeres surrealistas era el mito de los orígenes matriarcales de la humanidad. Inspiradas por esta nueva mitología, las mujeres surrealistas de la Segunda Ola imaginaron sociedades igualitarias fantásticas donde los seres humanos y la naturaleza vivían en armonía: una visión del futuro creada a través de las mujeres.

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